Recherche Artistique

Histoire de l’Art

Lise Vurpilot

« A la vérité, "l'Art" n'a pas d'existence propre. Il n'y a que des artistes. E.H Gombrich : Histoire de l'Art »

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"L’art est ce qui reste quand la religion a disparu" disait Malraux, donnant aux oeuvres d’art la mission d’élévation intellectuelle que la religion perd ; l’art deviendrait le super luxe d’une élite fortunée s’imaginant intellectuellement supérieure. A notre époque hyper médiatisée, les acteurs de l’art ont véhiculé cette image et intégrer cette catégorie aura été une motivation de tous, concrétisable par l’acte d’achat.

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Histoire de l’Art�

• Statut de l’artiste
• Xavier Barral I Altet (éd.), Artistes, artisans et production artistique au Moyen Âge, vol. 1 : Les hommes, vol. 2 : Commande et travail 
• [compte-rendu]
• Beck Patrice
• Annales  Année 1990  45-2  pp. 377-379
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Histoire de l’Art�

Commerce des oeuvres d’art au Moyen Âge

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• Le commerce des œuvres d'art au moyen âge 
• [article]
• J. Lestocquoy
• Annales  Année 1943  3  pp. 19-26
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Histoire de l’Art�

• La création des académies royales au XVII^e siècle s'inscrit dans un mouvement d'encadrement de la vie culturelle et artistique, voulu par la monarchie absolue qui souhaite rassembler les érudits, scientifiques et créateurs les plus remarquables. La liaison entre savoir et pouvoir apparaît dès la première fondation, en 1635, et le dialogue entre académiciens et pouvoir royal s'est maintenu jusqu'à la Révolution.

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Histoire de l’Art�L’Académie royale

• L’Académie royale de peinture et de sculpture est une ancienne institution d’État chargée en France, de 1648 à 1793, de réguler et d’enseigner la peinture et la sculpture en France durant l’Ancien Régime. 

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Les attributs de la peinture, de la sculpture et de l’architecture, pièce de réception d'Anne Vallayer-Coster

Anne Vallayer-Coster , née le 21 décembre 1744 à Paris où elle est morte le 28 février 1818 est une artiste peintre française

Histoire de l’Art�L’Académie royale

• L'acte créant l'Académie royale de peinture et de sculpture date du 20 janvier 1648, jour de la requête au Conseil du roi de Louis XIV (alors enfant) par l'amateur d’art: Martin de Charmois (1605-1661), conseiller d'État originaire de Carcassonne où il possède un cabinet de curiosité remarquable . Cette institution est ainsi fondée sur mandat royal, sous la régence d’Anne d’Autriche, à l’instigation d’un groupe de peintres et de sculpteurs réunis par Charles Le Brun, qui avait pris la première initiative.

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Histoire de l’Art�L’Académie royale

Elle admettait ses membres sur concours annuel. Le concours consistait en la présentation d’une ou plusieurs œuvres, jugées par les membres admis, et appelées « morceaux de réception ».

Les prétendants à l’Académie Royale devaient présenter un « morceau d’agrément » afin de démontrer leurs capacités ; puis, dans un délai de trois ans, un second ouvrage dit « morceau de réception », en vue de la réception définitive.

Elle compta jusqu’à environ 90 membres juste avant sa dissolution, en 1793. Le lauréat du concours recevait une bourse appelée Prix de Rome, lui permettant de parfaire son éducation à l'Académie de France à Rome.

L’admission à l’Académie assurait l’accès aux commandes royales.

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Histoire de l’Art�

L’Académie avait deux fonctions principales : la régulation et l’enseignement de la peinture et de la sculpture.

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Histoire de l’Art�L’Académie de France à Rome

L’Académie de France à Rome – Villa Médicis

Histoire de l’Art�L’Académie de France à Rome

L'Académie de France à Rome, est une institution artistique française située dans la villa Médicis sur la colline du Pincio à Rome et dédiée à l'accueil en résidence pour une période donnée, en son sein ou hors les murs, de jeunes artistes afin de développer leurs projets créatifs.

L’Académie est souvent nommée « Villa Médicis » par métonymie, en référence au palais l’hébergeant. Fondée en 1666 par Colbert, l'Académie de France à Rome est d'abord située dans une maison sur les pentes du Janicule près du monastère de Sant'Onofrio. Elle déménage en 1673 au palais Caffarelli puis en 1684 dans le palais Capranica, aujourd'hui théâtre Valle. En 1725, elle s'établit au palais Mancini, sur le Corso, jusqu'au Directoire.

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Histoire de l’Art�L’Académie de France à Rome

Villa Médicis

En 1803, Napoléon Bonaparte transfère l'Académie de France à Rome à la villa Médicis. L'intention du futur empereur des Français est de perpétuer une institution menacée un temps par la Révolution et, ainsi, de permettre aux jeunes artistes de pouvoir continuer d'approcher et de copier les chefs-d’œuvre de l'Antiquité ou de la Renaissance puis de s'en inspirer pour leurs « envois de Rome». Ces travaux annuels, envoyés et jugés à Paris, constituent des exercices obligés pour tous les pensionnés. Concours et prix de Rome sont supprimés en 1968 par André Malraux 

Dès lors, les pensionnaires n'appartiennent plus seulement aux disciplines traditionnelles(peinture, sculpture, architecture, gravure sur médailles ou sur pierres fines, composition musicale) mais aussi à des champs artistiques jusque-là négligés ou nouveaux (histoire de l'art , archéologie, littérature, scénographie, photographie,  cinéma, vidéo et même cuisine).

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Histoire de l’Art�L’Académie de France à Rome

Les artistes sont recrutés, non plus sur concours, mais sur dossier et pour des séjours variant de six à dix-huit mois voire, plus rarement, deux ans.

Depuis quelques années, la villa Médicis s'ouvre sur l'extérieur et présente expositions et spectacles élaborés par ses pensionnaires. Il est également possible pour les visiteurs de louer des chambres de la villa.

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Histoire de l’Art�L’Académie de France à Rome

Char des artistes de l'Académie de France au carnaval de Rome en 1748.

Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

Les mouvements culturels sont des groupes d'identification partageant des opinions communes.

Histoire de l’Art�mouvement artistique �

• Un mouvement artistique ou courant artistique est un ensemble d'artistes et d'œuvres artistiques ayant une esthétique commune. Les historiens de l'art utilisent généralement la notion de mouvement lorsque le groupe qui y est associé se réclame d'un corpus théorique clairement défini en tant que manifeste.

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Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

• La notion de « courant » est plus floue dans la mesure où elle est utilisée comme outil d'analyse, le plus souvent a posteriori d'une période, pour désigner des tendances (stylistiques ou de démarches).
• Un courant peut être défini par les artistes eux-mêmes ou être désigné par des personnes extérieures à l'art (journalistes, historiens, etc.).

�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Une enluminure est un dessin ou une illustration faite à la main qui décore un texte manuscrit. L'étymologie du mot est illuminare qui signifie en latin rendre lumineux, éclairer. Les premières enluminures datent de l'Égypte pharaonique  extraites du Livre des Morts. Elles sont peintes sur du papyrus, contrairement au Moyen Âge où elles sont faites sur des parchemins.
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�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Qui fait les enluminures ?
• La plupart du temps, ce sont des moines qui créent les manuscrits. Le copiste (le scriptor) écrit son texte à la main sur le parchemin (support fait de peau de chèvre ou de mouton). L'artiste (le pictor) dessine ensuite les enluminures dans les espaces laissés libres par le copiste. Les moines écrivent à la plume d'oie qu'ils taillent finement. Ils sont réunis dans un scriptorium, pièce généralement bien éclairée par la lumière du jour, où sont alignés des pupitres. Ils y travaillent depuis le lever du jour jusqu'au soir, dans un silence religieux. Les copistes font différentes tâches : le reglor trace les lignes de l'écriture et fait les cadres ; le scriptor copie les textes sacrés ; le pictor enlumine le parchemin autour de l'écriture. Le dessin a autant d'importance, voire plus, que le texte lui-même. L'enluminure doit mettre en lumière les textes écrits pour attirer l'attention et fixer la mémoire.
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Histoire de l’Art�Enluminure�

Lettrine enluminée P représentant saint Pierre, Bible, Malmesbury Abbey, Wiltshire, Angleterre, 1407

Histoire de l’Art�Enluminure

Lettrine enluminée C, Sacramentaire de Drogon, vers 850, Paris, Bibliothèque nationale

de France.

Lettrine enluminée B représentant Bernard de Clairvaux, tirée d'un manuscrit du xiiie

 siècle

Lettrine enluminée S, du xie siècle ou xiie siècle.

�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Les couleurs
• Pour fabriquer les couleurs, ils utilisaient de l'urine humaine, des foies d'animaux, des coquillages, du safran, des fleurs, du curcuma, de la garance. Par exemple, le rouge était fabriqué avec les racines de la garance, le jaune avec du safran et le jaune orangé avec du curcuma. Ces couleurs naturelles n'ont pas bien résisté à l'épreuve du temps : les manuscrits de la fin du Moyen Âge (XVe siècle) sont les mieux conservés, quand le feu ne les a pas détruits.

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�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Les supports des enluminures étaient fabriqués avec des peaux de chèvre ou de mouton qu'on appelait parchemins. C'est en Asie Mineure, aujourd'hui la Turquie, qu'est né le parchemin dont le nom découle d'une ville : Pergame. Le vélin est un parchemin précieux, car il est fait avec de la peau d'animaux mort-nés, donc très douce. Pour faire une enluminure, il fallait d'abord faire les contours au crayon, puis dessiner une mince ligne d'or, tracer les contours à l'encre, puis remplir de couleurs. Les parchemins sont ensuite cousus ensemble pour constituer le codex : plus pratique, c'est l'ancêtre du livre qui a remplacé les rouleaux de papyrus (volumen).
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�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Il y a différents types d'enluminures. En voici quelques exemples :
• La composition décorative
• Elle sert à décorer la page et le texte. Cela peut par exemple être une bordure faite de motifs de fleurs et de plantes, d'entrelacs (motifs abstraits entrelacés).
• Les initiales décorées appelées lettrines
• La lettre peut être simplement mise en couleur (souvent en rouge) pour marquer le début d'un chapitre ou un nouveau paragraphe.
• La lettre peut être ornée de plantes, d'animaux, de personnages, d'entrelacs, en plus d'être mise en couleur ou dorée.
• La lettre peut aussi se déformer pour prendre la forme d'un animal.

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Histoire de l’Art� Enluminure

Château de Saumur, enluminure des Très Riches Heures du duc de Berry (1410).

�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Qu’est-ce qu’un livre d’heures ?

Au XVe siècle, tout chrétien qui se respecte se doit de posséder un livre d’heures ou livre de prières. En fonction de l’heure de la journée, les prières varient et le livre d’heures permet de savoir quelles prières choisir. Il commence par un calendrier, qui donne pour chaque jour le nom du saint à fêter. Viennent ensuite les heures ou les prières correspondant à chaque heure de la journée.

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�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Jean de France, duc de Berry, le « Prince bibliophile », comme on le surnomme, est né en 1340. Il est le troisième fils du roi de France Jean II le Bon. Il devient duc de Berry à l’âge de vingt ans. Avec sa fortune et ses richesses, il peut faire travailler les meilleurs artistes et peut assouvir sa passion de collectionneur. Il possède au total dix-sept

�Histoire de l’Art�Enluminure�

• Le plus beau calendrier du monde
• Les trois frères décident d’enluminer le calendrier des Très Riches Heures avec une enluminure par page qui représente un mois de l’année. Ces enluminures montraient les occupations principales du peuple en fonction des saisons. En arrière-plan des enluminures sont représentés les châteaux du duc de Berry, avec des scènes de la vie quotidienne au Moyen Âge.

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Histoire de l’Art�Fresque

• La fresque est une technique particulière de peinture murale dont la réalisation s'opère sur un enduit appelé intonaco, avant qu'il ne soit sec. Le terme vient de l'italien affresco qui signifie « dans le frais ».
• Le fait de peindre sur un enduit qui n'a pas encore séché permet aux pigments de pénétrer dans la masse, et donc aux couleurs de durer plus longtemps qu'une simple peinture en surface sur un substrat. Son exécution nécessite une grande habileté, et se fait très rapidement, entre la pose de l'enduit et son séchage complet.
• Le terme est souvent utilisé par métonymie dans le langage courant pour désigner la peinture murale en général et plus rarement la technique même a fresco.

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Histoire de l’Art�Fresque

Le principe de la fresque (a fresco) consiste à exécuter une peinture sur un enduit frais, traditionnellement un enduit de chaux aérienne (hydroxyde de calcium).

L’exécution concerne successivement¹ :

Le gobbetis : cette couche n'est pas toujours nécessaire, et concerne essentiellement les supports peu ou non poreux. Elle est constituée d'un mortier très dosé en chaux et très liquide.

L'arriccio : première couche de l'enduit, constitué d'un mortier plus grossier. Cette couche sert principalement à égaliser le support.

L'intonaco : il s'agit de la couche de finition qui reçoit les pigments. Elle est constituée d'un mortier plus fin.

Le lissage : après la pause des pigments, l'enduit est généralement lissé, afin de faire pénétrer au mieux les pigments dans l'enduit.

Lors du séchage, l'hydroxyde de calcium Ca(OH)₂ dissous dans l'enduit frais migre vers la surface où il réagit avec le dioxyde de carbone CO₂ contenu dans l'air pour former un carbonate de calcium (la calcite CaCO₃), tandis que l'eau H₂O s'évapore. Pendant cette réaction, les pigments sont emprisonnés dans les cristaux de carbonate de calcium qui les fixent comme s'ils faisaient partie intégrante d'une couche calcique, d'où leur pérennité².

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Histoire de l’Art�Fresque

Fresques blasonnées de l'église Notre-Dame du Sablon de Bruxelles

Histoire de l’Art�Fresque

Fresque du Jugement dernier à l'intérieur de l'église du monastère de Mar Mousa en Syrie.

Histoire de l’Art�Fresque

Des pigments en vente sur un marché de Goa (Inde).

Histoire de l’Art�Fresque

Un pigment est une substance chimique colorante insoluble dans le milieu qu'elle colore (PRV₃). On peut associer, par mordançage, une teinture, soluble, à un sel métallique comme l'alun, pour former un pigment, insoluble¹.

Utilisés en art et dans l'industrie, les pigments se présentent sous la forme de poudres.

Ils peuvent être :

mis en suspension dans un liant liquide afin d'obtenir une peinture ou une encre ;

appliqués à un matériau, textile ou cuir, sur lequel ils se fixent en surface ;

ou incorporés dans la masse d'un matériau comme un plâtre ou un plastique pour le colorer.

Un pigment peut être d'origine minérale ou organique, naturel ou synthétique.

En biologie, on appelle pigment les substances naturelles qui communiquent une couleur aux organismes vivants.

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Histoire de l’Art�mouvement artistique �

La renaissance

• Le courant renaissance couvre une période longue de deux siècles durant lesquels la peinture s’exprime différemment selon la région, l’école picturale ou encore le contexte politico-social. Ce vaste mouvement est généralement divisé en trois périodes : la première renaissance (1400 - 1500), la renaissance classique (1500 - 1520) et le maniérisme (1520 - 1600).
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���mouvement artistique ��

Les noces de cana

Véronèse 1571

Andrea Mantegna

St Sébastien 1455

Raphaël

L’Ecole d’Athènes

1510

Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

• Le Rococo

Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

• Le classicisme est un mouvement culturel, esthétique et artistique qui se développe en France, et plus largement en Europe, à la frontière entre le xvii^e siècle et le xviii^e siècle, de 1660 à 1715. Il se définit par un ensemble de valeurs et de critères qui dessinent un idéal s'incarnant dans l’« honnête homme » et qui développent une esthétique fondée sur une recherche de la perfection, son maître mot est la raison.

Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

L'appellation d'art moderne désigne une période de l'histoire de l'art qui est initiée par Édouard Manet et les peintres impressionnistes dans les années 1870 et s'achève au milieu des années 1950, notamment avec la naissance du pop art

L'art moderne se caractérise par une rupture avec les canons de la figuration de l'art classique.

Histoire de l’Art

• Avant 1914
• Impressionnisme : Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley
• Postimpressionnisme : Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec
• Art nouveau : Gustav Klimt, Alfons Mucha
• Fauvisme : André Derain, Henri Matisse, Maurice de Vlaminck
• Cubisme : Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Pablo Picasso
• Futurisme : Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà
• Expressionnisme : Ernst Ludwig Kirchner, James Ensor, Oskar Kokoschka, Edvard Munch
• Abstraction : Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch
• De Stijl (début en 1917) : Piet Mondrian, Theo van Doesburg

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Histoire de l’Art

• L'entre-deux-guerres
• Bauhaus : Vassily Kandinsky, Paul Klee
• Constructivisme : Naum Gabo, László Moholy-Nagy
• Dada : Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, Kurt Schwitters
• Expressionnisme : Georges Gimel
• Surréalisme : Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, André Masson, Joan Miró
• Nouvelle Objectivité (« Neue Sachlichkeit ») : Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz
• Figuratifs : Bernard Buffet, Jean Carzou, Yves Brayer, Maurice Boitel, Serge Fiorio, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Antoine Martinez, Alice Martinez-Richter Jean Monneret, Gaston Sébire, Louis Vuillermoz
• Non figuration : Jean Bazaine, Maurice Estève, Jean Le Moal, Alfred Manessier
• Art brut : Jean Dubuffet, Gaston Chaissac

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Histoire de l’Art

• L'après-guerre
• Art figuratif : Jeune peinture de l'École de Paris, Bernard Buffet, Jean Carzou, Yves Brayer, Maurice Boitel, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Jean-Pierre Alaux, Jean Monneret, Gaston Sébire, Louis Vuillermoz, André Hambourg, Paul Collomb, Émile Frandsen
• Nouvelle figuration (figuration européenne) : Francis Bacon, Alberto Giacometti, René Iché, Marino Marini, Henry Moore, Louis Soutter
• École de Londres : Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach, Kossof, Andrews
• L'expressionnisme abstrait ou l'Action Painting : Mark Rothko, Willem de Kooning, Jackson Pollock
• Expressionnisme abstrait américain : Willem de Kooning, Jackson Pollock
• Spatialisme: Lucio Fontana, Roberto Crippa, Gianni Dova
• Arte Povera : Michelangelo Pistoletto, Piero Manzoni, Giuseppe Penone, Yannis Kounellis
• Non figuration - Abstraction (dite « lyrique ») : François Baron-Renouard, Jean Bazaine, Roger Bissière, Nicolas de Staël, Jean Dubuffet, Joseph Lacasse, Maurice Estève, Jean Le Moal, Alfred Manessier
• Matiérisme : Jean Dubuffet, Jean Fautrier
• Happening : Allan Kaprow, Nam June Paik, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Charlotte Moorman

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Histoire de l’Art

L'art moderne est suivi de l'art contemporain après la Seconde Guerre mondiale :

• Fluxus : George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Yoko Ono, Charlotte Moorman, Dick Higgins
• Art video : Nam June Paik, Wolf Vostell, Bill Viola
• Pop Art : Andy Warhol, Tom Wesselmann, Jasper Johns
• Nouveau Réalisme : Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Daniel Spoerri
• Trans-avant-garde: Mimmo Paladino, Nicola De Maria, Francesco Clemente

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�Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

L'apparition de la photographie a exercé une influence sur de nombreux artistes dès le xix^e siècle, tel que Degas et permis de donner naissance à l'art moderne. L'art n'a plus uniquement pour fonction importante de représenter fidèlement le réel, la photographie est mieux à même de le faire, l'art peut désormais s'essayer à d'autres formes, casser les canons de la beauté, et proposer des expérimentations nouvelles et des idées conceptuelles.

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Histoire de l’Art�

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Musée d'art contemporain de Montréal, by Isa Tousignat

Histoire de l’Art�

• L'expression « art contemporain » désigne de façon générale et globale l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quels qu'en soient le style et la pratique esthétique. Dans cette classification périodique, l’art contemporain succède à l'art moderne (1850- 1945). Cette désignation s’applique également au musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période.

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�Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

On parle aussi d'art contemporain pour désigner, par convention, l'art des années 1960 et d'après. Le pop art marquerait, de ce fait, une rupture par rapport à l'art moderne

L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne (début xx^e siècle), et notamment le désir de sortir l'art des lieux traditionnels et institutionnels. En ce sens, l'art perd peu à peu de sa fonctionnalité représentative. La création contemporaine demeure un miroir pour une réalité baignée des conflits et des prises de pouvoir qu’occasionnent ces attaques contre la rationalité. L'art reflète les crises de la société et demeure le lieu d'expression des valeurs.

Histoire de l’Art�

Le « bon goût » n'existe pas en art contemporain, parce que l'artiste a cessé d'être un simple exécutant d'œuvres commanditées par un mécène, qui définissait son statut avant la Renaissance.

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�Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

Liste de différents mouvements artistiques après la renaissance:

Le maniérisme (1520 - 1580)

Le baroque (1580)

Le classicisme (1660 - 1715)

Le rococo (1730 - 1760)

Le néoclassicisme (1750 - 1830)

Le romantisme (1770 - 1850)

Le mouvement Art and craft (1860 - 1910)

Le symbolisme (1866-1920)

Histoire de l’Art�

Les arts incohérents (1886 - 1896)

L'art nouveau (1890 - 1905)

Le sillon (1893 - 1904)

Le Réalisme au XIXe siècle

Le luminisme (1904)

Le futurisme (1904 - 1920)

L'expressionnisme ( début XXe siècle )

L'art performance (1914)

Histoire de l’Art�

Le dadaïsme (1916 - 1920)

Le constructivisme (1917 - 1930)

Le surréalisme (1924 - 1966)

L'art brut (1945)

Cobra (1948 - 1951)

Happening (1950)

Le pop art (1955)

Le nouveau réalisme (1960 – 1970)

Histoire de l’Art�

L'Art urbain (1960)

Figuration narrative (1960)

Fluxus (1961 - 1970)

Le mail-art (1962)

Art vidéo (1963)

Nouvelle figuration (1964)

L'art conceptuel (1965 - 1975)

Art and language (1970)

�Histoire de l’Art�mouvement artistique ��

L'art sociologique (1971)

Le postmodernisme (1977)

Art singulier (1978)

Figuration libre (1981)

Art modeste (1988)

Bio-art (……)

Histoire de l’Art�

The Niterói Contemporary Art Museum, Rio de Janeiro, Brasil

Histoire de l’Art�

Shenzhen Museum of Contemporary Art, Shenzhen

Histoire de l’Art�

Shenzhen Museum of Contemporary Art, Shenzhen

Histoire de l’Art�le salon

Le Salon de peinture et de sculpture est une manifestation artistique se déroulant à Paris depuis le XVIIIe siècle, qui exposait les œuvres des artistes agréées par l'Académie des beaux-arts. D'abord nommée « Salon de l'Académie royale des beaux-arts », à la Révolution elle prend le nom de « Salon de peinture et de sculpture » et se démocratise en s'ouvrant aux artistes de toutes origines sous l'impulsion des peintres Jacques-Louis David et Jean-Bernard Restout.

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Histoire de l’Art�le salon�

salon du Louvre 1699

Histoire de l’Art�le salon�

Salon 1767

Histoire de l’Art�le salon�

• Elle redevient le « Salon de l'académie royale » sous la Restauration, et reprend son nom de « Salon de peinture et de sculpture » sous la Deuxième République, jusqu'en 1881 où elle prend le nom de « Salon des artistes français », destiné à présenter l'art officiel. Sous Napoléon III les artistes indépendants sont regroupés dans le « Salon des refusés ».

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Histoire de l’Art�le salon�

Gabriel de Saint-Aubin, Vue du Salon de 1767, Plume et encre noire, lavis d'aquarelle et rehauts de gouache, 24,9x46,9 cm, Paris, collection particulière

Histoire de l’Art�le salon�

Le Salon de 1787 au Louvre, gravure de Pietro Antonio Martini.

Histoire de l’Art�le salon�

Le Salon de 1824, François-Joseph Heim.

Histoire de l’Art�le salon�

Vue du Salon carré au Louvre vers 1880

Histoire de l’Art�le salon�

Salon de 1890

Histoire de l’Art�le salon�

L'objectif initial du salon était de présenter les œuvres des derniers lauréats de l'École des beaux-arts, créée par le cardinal Mazarin en 1648

La manifestation, orthographiée initialement « Sallon », fut le nom de l'exposition annuelle organisée par l'Académie à partir de 1737 car elle eut lieu au « sallon carré du Louvre » ; auparavant, cette manifestation s'appelait « l'Exposition » et se tenait depuis 1673.

Histoire de l’Art�le salon�

Exposition au salon du Louvre 1787

Histoire de l’Art�le salon�

Le Salon Comparaisons (ou, auj., Comparaisons) est un salon de peinture créé en 1954 par Andrée Bordeaux-Le Pecq et Lilas-Bug ainsi que différents peintres et sculpteurs. Le salon a pour objectif de promouvoir les relations entre des artistes français et étrangers de l'art figuratif et de l'art abstrait.

La devise du Salon est de Paul Valéry :

« Enrichissons-nous de nos différences mutuelles. »

Histoire de l’Art�le salon�

Un coin du Salon en 1880, Édouard Joseph Dantan.

Une visiteuse parcourt le livret ; au fond, la vendeuse dudit livret, assise à une table.

Histoire de l’Art�le salon�

Salon Grand Palais 1932

Histoire de l’Art�le salon�

Histoire de l’Art�le salon�

Napoléon félicitant David pour son tableau le sacre de ce dernier dans le salon de 1808

Lithographie : Charles Motte

Analyse d'un document artistique

Analyse d'un document artistique

• Analyse d'un document artistique

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thème

Le Sacre de Napoléon

• "Le Sacre de l'Empereur Napoléon 1er et couronnement de l'Impératrice Joséphine dans la Cathédrale Notre-Dame de Paris, le 2 décembre 1804"

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Analyse d'un document artistique

Analyse d'un document artistique

Analyse d'un document artistique

Analyse d'un document artistique �

Analyse d'un document artistique

Analyse d'un document artistique

• Questions : à l'aide des documents ci-dessus
• 1. Présente l'oeuvre : nature (type), auteur, sujet, dimensions (donne ton avis), lieu de conservation.
• 2. Où a lieu la cérémonie ?
• 3. Situe l'oeuvre dans son contexte historique :
• Distingue la date de réalisation et la date de l'événement représenté.
• À l'aide de tes connaissances, rappelle le contexte politique de l'époque en présentant Bonaparte (depuis 1799).
• 4. Quelle place occupe l'empereur sur le tableau ?

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Analyse d'un document artistique

• 5. Quel moment précis de la cérémonie représente le tableau de David ?
• 6. En quoi cette scène est-elle surprenante ?
• 7. Décris le décor de la scène (tenues, symboles du pouvoir, attitude du pape...)
• 8. Quelles anciennes cérémonies rappelle cette scène ?

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Analyse d'un document artistique

• 9. Prouve qu'il s'agit d'une "oeuvre de commande", commandée au peintre par Napoléon Ier ? Quelle est la conséquence dans l'organisation du travail de David ? Est-il libre dans son travail ?

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• 10. Conclusion : A partir de ta réflexion et de tes réponses précédentes, rédige un court texte montrant que David glorifie l'empereur et son pouvoir. L'objectif est de répondre à la problématique de départ : Comment David met-il en scène le pouvoir impérial ?

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�Histoire de l’Art� la loi du 1 % artistique��

le 1 % artistique

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La disposition légale française dite « du 1 % artistique » (ou parfois « 1 % culturel » ou encore « 1 % décoratif ») institue la création d’œuvres d’artistes-plasticiens actuels associés à la création architecturale publique. Depuis sa mise en place en 1951, le 1 % artistique a permis de financer environ 12 300 œuvres.

�Histoire de l’Art� la loi du 1 % artistique�

Histoire

Le premier projet de loi date de 1936, mais c’est un arrêté de juillet 1951 qui le voit aboutir grâce à l'action du sculpteur René Iché, rédacteur du projet, tout d’abord dans le cadre de l’Éducation nationale : « 1 % des sommes consacrées par l’État pour chaque construction d’établissement scolaire ou universitaire devra financer la réalisation d’une œuvre d’art contemporaine intégrée au projet architectural ».

Cette disposition s’applique de nos jours à tout bâtiment partiellement ou totalement réalisé par une des tutelles citées et ayant pour vocation d’accueillir le public.

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• Le Vernissage...
• Le vernissage, c’est la soirée de gala, la présentation officielle au publique et à la presse d’une exposition, individuelle ou de groupe.
• Pour que le public invité puisse se rendre à ce vernissage, il faut qu’il soit invité et il faut que le champagne coule à flot.

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• Selon son budget on peut substituer du mousseux ou du blanc au champagne.
• Ce qui est important dans cette activité mondaine de base c’est le désir d’être vu et de voir les autres à cela s’ajoute le désir de vendre tous les œuvres exposés.
• Pour la réussite de cet événement, il y a deux choses à se soucier: du choix de la date et de comment on va faire « salle comble »

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• Tous les astuces sont bon pour être utilisé: en voici une qu’utilise déjà certains professionnelles, marchands ou artistes. Il le nomme pré-vernissage: Il consiste à choisir les meilleurs noms dans leur fichier( ceux qui les font vendre), il leur lance l’invitation classique pour le jour « J » et un petit mot personnalisé les invitant deux jours avant le jour dit « public »

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• Ceci est en quelque sorte une présentation privé réservé à quelque personnalité. Un tout petit groupe que l’on donne le sentiment d’appartenance à une élite, il faut leur faire comprendre qu’il ne feront pas partie du gros des invités et qu’ils sont personnellement invité, ce qui est prestigieux et tentant. À cela s’ajoute du champagne...

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• Le choix de la date
• Le choix de la date de la date du vernissage est primordiale. Pour faire ce choix il faut absolument tenir compte de quelques paramètres si on ne veux pas que l’on disent: « Je ne comprends pas pourquoi personne n’est venu ?» La réponse se trouve le plus souvent dans le choix d’une date absurde.

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• Il faut tenir compte des vacances scolaires dans les grandes villes, une exposition est très intéressante quand sa ville n’est pas en vacances. Le plus souvent durant ces vacances, il faut trouver des régions ou des villes touristiques pour organiser une exposition et avoir beaucoup de fréquentation.

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• Le jour de la semaine
• La aussi il est très déterminant pour faire le choix de ce jour il faut vérifier: les programmes télé, les match de foot ainsi que les finales qui peuvent rendre déserte une ville, ses rues et ses restaurants. En tenant compte des habitudes de la ville sachant que le vendredi beaucoup de gens partent en week-end, Un vernissage le samedi peut se faire dans une région touristique

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Idéalement, s’il y a un mercredi ou il y a un congé , un vernissage peut se faire un mardi précèdent ce congé mais après toutes les expériences faites dans plusieurs grandes villes, on remarque que traditionnellement le jeudi est le jour idéal qui peut être consacré a des vernissages. De 5heure à 9 heure PM est l’heure idéale qui permet au gens classique en rentrant du bureau de passer au vernissage pour boire une coupe de champagne et être à table vers les 7heure PM, dans l’objectif leur permettre de voir et de s’y faire voir.

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• Comment faire: «Salle Comble»

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L’étude du choix de la date et de l’heure une fois passée, il faut motiver les gens à venir. Sachant qu’ils sont sur-sollicités, ils faut retenir différentes astuces. L’une d’entre elle est une « Locomotive » Voyons ce que cela signifie

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• Pour bien le comprendre il faut toujours observer la manière dont on réagie soi-même qui est un bon indicateur de la manière dont les autres réagissent dans des situations identiques. Une locomotive est un acteur, actrice, homme politique connu qui une fois mis sur l’invitation fera sortir les gens de leur maison pour venir voir la célébrité en question. Il faut oser à franchir ce pas, qui fera un autre artiste locale qui placé son vernissage le même jour se désespérer de n’avoir personne.

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• Un bon démarche à faire c’est d’aller voir les concurrents pour s’entendre sur les dates afin de ne pas coïncider le date de vernissage. Le locomotive peut ne pas être une personne, elle peut être une loterie. Les cartes d’invitation peuvent être numérotés

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Les recettes pour vendre

• WWW. Almanart.org
• WWW. elandarts. com
• UNTEL Groupe d’artistes

Les recettes pour vendre

• Dictionnaires artistiques

Le Bénézit.

Le Joseph.

Le Thieme et Becker.

Le Bellier et Auvray est un dictionnaire des artistes de l'école française des siècles passés

L’Akoun

Recherche artiste - Côtes, enchères, biographies, estimation ...

‪www.akoun.com

Rechercher uniquement les artistes qui disposent d'une côte en peinture.

Les recettes pour vendre

« Les recettes pour vendre. »

• Quand on pense vente d’œuvre d’art on pense tout de suite à « exposition » vernissage-galerie »
• et bienheureusement il n’y a pas que cette solution
• Nous avons répertorié différentes façons pouvant vous permettre de vendre vos œuvres d’art.

Les recettes pour vendre

1- Les ventes de Charité

L’une des très bonnes méthodes de vente à l’heure actuelle consiste à exposer via des œuvres dites de bienfaisance car notre époque est celle du caritatif et le nombre de grandes causes médiatisées est la pour nous convaincre.

Étant donné que la misère est partout, c’est souvent l’occasion de faire des affaires au nom de cette misère humaine, il faut rappeler, bon nombre d’association humanitaire sont d’abord des fonds de commerce, ce qui est un autre débat.

Les recettes pour vendre

• Mettons nous du coté des acheteurs le principe de base est la suivante: les acheteurs achètent pour une bonne cause et se déculpabilisent: d’acheter pour acheter ou d’acheter pour leur plaisir égoïste. Dans ce type de vente ils savent qu’il achètent pour aider les autres dans le besoin sachant que leur organisation prend un pourcentage sur les ventes qui est souvent fixé à 30%. Il faut noter que les Galeries d’Art prennent une plus grosse pourcentage, ce qui est sur ce pourcentage est réservé à la cause défendue.

Les recettes pour vendre

• Du coté de l’artiste, cette formule est assez intéressante. Tout est pris en charge par l’organisateur caritatif: la soirée, la publicité, le catalogue, les affiches de toutes sortes.
• Les oeuvres proposées doivent plaire l’acheteur moyen. Il faut lui proposer un éventail de plusieurs sujets, de plusieurs tailles pour ne pas risquer de ne rien vendre. Les personnages, les paysages, les montagnes, les marines, il faut que tout fasse partie de l’exposition.

Les recettes pour vendre

Dans ce type de soirée, il n’est aucunement question de pratiquer une remise en cause des gouts et des couleurs, de l’Art, des acheteurs ni de se faire passer pour des éducateurs de masse. Ce qui importe c’est d’être « paintically correct »

Le prix des œuvres présentés doivent être suffisamment chères afin que le pourcentage récolté soit utile à la cause défendue. Ces prix de vente doivent être en harmonie avec le porte feuille de la tranche de la population appartenant à la soirée prévue. Sans état d’âme ces prix devaient être au maximum des prix que ces gens peuvent payer et non au minimum.

Les recettes pour vendre

• En terme marketing connaissez-vous le « Yeld managment » c’est une technique qui bannit les prix fixes, les mêmes prix pour tout le monde. L’artiste doit segmenté ses prix en fonction de chaque type de clientèle rencontré. Attention cela ne veut pas surtout dire de d’inventer un nouveau prix à chaque fois qu’on vous questionne à ce sujet mais plutôt il faut analyser quelle type de clientèle que vous allez rencontrez et à partir de la établir une grille de prix adéquate

Les recettes pour vendre

• L’artiste devra bénéficier d’un bon coup de publicité auprès des gens fortunés en principe. Il faut se méfier des assemblées-club de notable car il y a un pourcentage de fauchés qui veulent paraître malgré tout et ont de la difficulté à payer leur cotisation.
• Ces soirées et club offre une très bonne occasion de prendre des adresses de notables, d’échanger des cartes de visites, prendre des rendez-vous pour des visites d’atelier.

Les recettes pour vendre

• Certain clubs caritatifs ont leur propre annuaire; avoir la possibilité de l’emprunté afin de le consulter ou de le photocopier permet d’avoir très rapidement un petit fichier de sa propre région et surtout de gens qualifiés « à fort pourvoir d’achat » Ces organismes participent à la mise en place de salon d’exposition relativement important: Artiste du Département.....choisis par un jury....

Les recettes pour vendre

• Vous ne serez plus seul, mais noyé parmi d’autres d’artistes, parfois des centaines. Ces rendez-vous sont d’une importance capitale, il vaut mieux accepter d’y aller que de refuser. C’est encore un moyen lors de repas de vernissage de vous faire voir, de lier des relations, de prendre des adresses, de faire des connaissances, de prendre des rendez-vous pour faire visiter votre atelier.

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Les recettes pour vendre

• Pour avoir accès à ces expositions lorsqu’on n’est pas reconnu localement, il faut avoir au départ un ou plusieurs parrains, a qui votre production plaise ou que vous soyez dans les agendas( petit papier) de tel ou tel sociétaire. Et avoir des œuvres à offrir en lithographie, en reproduction d’Art ce qui est une bonne monnaie d’échange pour entrer dans ces milieux parfois fermé.

Les recettes pour vendre

• L’artiste inspiré et malin offrira à l’organisateur pour ce type d’enchère une lithographie dont le montant de la vente sera entièrement versé dans la caisse des bonnes œuvres et sur tous les autres enchères, il touchera sa part normalement.
• Pour recevoir il faut donner et l’organisateur appréciera particulièrement cette attitude notamment pour les ventes suivantes
• L’artiste généreux sera donc toujours réinvité parfois par des groupes régionaux voisins car les nouvelles vont vite d’un groupe caritatif d’une région à un autre groupe d’une autre région.

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Les recettes pour vendre

• Les notables présent font en faite une double bonne action: ils financent une association caritative et ils ont le sentiment de donner un coup de main à un artiste. Tout en faisant en plus une bonne affaire personnel en achetant une Oeuvre d’art moins chère qu’en Galerie et ce devant leur collègue notable (concurrence y oblige) histoire de montrer au public leur générosité et leur aisance matérielle...

Les recettes pour vendre

• La vente aux enchères
• Mettre ses œuvres aux enchères est une formule très intéressante, elle nécessite une bonne organisation et une certaine prudence.
• C’est une bonne méthode pour un artiste débutant qui dès le début de sa carrière placer sa côte à un niveau correct.
• Un artiste confirmé ou débutant désireux de se faire de l’argent peut placer une ou plusieurs œuvres chez un Commissaire-priseur.

Les recettes pour vendre

• Pour un artiste confirmé qui a une certaine côte c’est une solution à double tranchants, il faut faire très attention.
• Si la vente est bonne ce qui suppose que les enchères montent bien cela va se savoir très rapidement. Les risques pour que des propriétaires de tableaux inondent cette vente aux enchère est tentant. Et si cela se produit à ce moment la, l’artiste peut en repassant dans la salle des ventes voir sa côte redescendre très vie et cela va se savoir aussi. Quant à la solution qui consiste à soutenir sa côte en rachetant les toiles mis en vente: il faut les reins solides, c’est quasiment impossible.

Les recettes pour vendre

• Et même si on peut le faire; les nouveaux détenteurs de tableaux peuvent se dire: tiens tiens si je vendais le mien. Et notre artiste doit à nouveau continuer à entretenir sa côte.
• Étant un artiste débutant, en début de carrière en choisissant cette politique on fera démarrer sa côte.

Les recettes pour vendre

• En participant à une vente au enchère en France cela vous répertorie automatiquement dans les guides tel que Akoun et Bénézith ce qui est très important pour les armateurs d’art qui ne connaissent pas bien les ficelle du métier. Dépendamment du niveau de connaissance des gens qui commentent on dira: qu’être dans le Bénédith veut dire que vous être un bon peintre ou que vous n’êtes pas encore un artiste confirmé, un professionnel et qu’il va falloir attendre que vous le soyer. En fait il suffit de passer une seule fois en vente publique et d’y être vendu pour y figurer.

Les recettes pour vendre

• Bien entendu certaine personne contourne ce problème en faisant racheter leur oeuvre en ne payant que les droits. Et parfois certain jeune artiste avec l’aide de leurs amis fait grimper la vente, puis rachète, n’ayant que les fameux droits à payer.
• Dès lors il sera non seulement catalogué comme ayant fait telle ou telle valeur mais aussi inscrit dans ces fameux Guides.
• Il faut faire attention, rester lucide et modeste si on utilise cette méthode sachez qu’il est impensable qu’un artiste débutant et inconnu fasse une côte supérieur à celle d’un grand nom.

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Les recettes pour vendre

• Pour les artistes sans côte et sans prétention de carrière internationale la mise aux enchères de manière régulière est une bonne source de revenus si les prix ne sont pas trop excessifs. On peut de toute manière placer un prix de réserve et n’avoir qu’à payer les frais en cas de non vente.

Les recettes pour vendre

• Un bon Commissaire-priseur connaît son publique et sera la pour vous conseiller sur vos chance ainsi que vos prix de réserve. Il n’a aucune envie à présenter des œuvres qui ne trouve pas de preneur. Ce bon Commissaire –priseur n’aura pas non plus tendance à brader allègrement en démarrant à un prix très bas. Car ce qu’il gagne est assez proportionnel à ce qu’il vend.
• La salle de vente est donc un lieu très intéressant pour les artistes.

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Les recettes pour vendre

• « Si l’on ne peut vendre cher il faut alors produire vite »
• ( exemple sur comment produire vite et calculer un prix de vente d’œuvre d’Art)
• On n’est pas sûr mais on pense que beaucoup d’artiste de talent passent des œuvres commerciales signées d’un nom inconnu pour se faire un peu (ou beaucoup) d’argent de poche.
• Car le problème de la valeur d’un œuvre passe la encore par la notion du temps passé à la réaliser.

Les recettes pour vendre

Enfin en salle de vente et partout ailleurs, mieux vaut présenter un tableau superbement encadré que vêtu d’une simple baguette bicolorée, ou pire, tout nu. La encore l’emballage aide à la vente et un cadre faussement somptueux (surtout vu de loin...) aidera incontestablement les enchères, l’acheteur pouvant toujours se dire qu’il fait une bonne affaire, ne serait-ce que par rapport au prix supposé du cadre.

Les recettes pour vendre

• Les galeries
• On estime qu’il existe en France environ 2800 galeries d’Art, dont le tiers est à Paris; tandis que certaines ferment leurs portes chaque jour d’autres sont crées. Trois nom désignent ces galerie d’art: « Galerie, Marchand de tableaux, Galeriste » Certain pense que Marchand de tableaux fait trop marchand et cela exclut la vente de sculptures et d’objet d’Art ainsi que Galeriste fait trop « galérien » ou encore « galère ».

Les recettes pour vendre

Être marchand d’œuvre d’Art c’est un commerce que l’on peut avoir autant de stock à proposer sans débourser un sou ou presque....En règle générale le principe de fonctionnement de ces galeries est le dépôt-vente ou les marges allant en général de 50/50 cas le plus fréquent; 60/40, 60 pour l’artiste quand il est coté et demandé et enfin 30/70, 30 pour l’artiste quand il est inconnu ou presque.

Les recettes pour vendre

Pour créer un magasin de meubles, vêtements, voitures, électronique... il faut un investissement assez important. Mais dans le domaine de l’Art, il suffit de louer un local dans un bon emplacement le décorer avec simplicité tout en ajoutant des plantes vertes quelque spots, quelques cimaises, clous pour accrocher, chaises, tables et téléphone.

Les recettes pour vendre

• Avoir un stock évalué à 2 à 3million de dollars sans avoir les reins solides, pour vous les procurer, n’est pas imaginable. Aucun commerce peut offrir ce genre d’avantage, sauf les dépôt ventes de meuble d’occasion que l’on doit avouer est moins prestigieux qu’un galeriste.

Les recettes pour vendre

• Un artiste peut penser ouvrir sa propre galerie pour plusieurs raison : parce qu’il est fatiguer de se faire prendre 50% de commission, il a de la difficulté à se faire payer car les tableaux sont payés en plusieurs fois. Pensant utiliser l’aide de sa femme et de ses enfants qui ne travaillent pas et qui vont travailler dans sa galerie. La plupart du temps cela se fait en mésestimant au départ certains frais: « bail, décoration, spot, électricité, cimaise, cadre, embauche d’une vendeuse.... »

Les recettes pour vendre

Il peut arriver que les bénéfices escomptés ne sont pas au rendez-vous, et si les affaires marchent moins bien le poids de ce frais est alors insupportable. 50% ne revient plus au marchand on constate à un 50% de zéro qui fait zéro.

Être marchand c’est un métier. En plus de la galerie, de l’emplacement et et des tableaux il faut encore savoir-faire entrer les clients et surtout savoir aller les arracher en douceur de manière irréversible et sympathique leur chéquier au fond de leur poche: c’est ce dernier point le plus dur.

Les recettes pour vendre

• Ce cas d’échec est fréquent chez certain peintre.
• En résumé le travail d’un artiste est de produire et non de vendre.
• La vente est un métier difficile, il est absolument nécessaire si l’on désir avoir sa propre galerie d’avoir un vendeur ou une vendeuse de haut calibre tout en le rémunérant assez cher, soit un salaire fixe ou par commission.

Les recettes pour vendre-

Dans le cas ou l’artiste est jeune, et que ses prix sont très doux et que sa galerie se situe dans un lieu touristique et qu’il vend des choses agréable adaptées à sa clientèle. Si la peinture est plaisante toute la clientèle voudrait repartir avec un souvenir de la région ou du pays. Étant artistes pour touristes les rentrés d’argent peuvent être importantes de pâques à septembre...

Se faire connaître?�Pourquoi photographier un œuvre d’art?

• Différents médias pour se faire connaitre

Internet est la clé

avoir son propre site

email

et utiliser tous les réseaux sociaux

Face book

What’s App etc..

Dvd

Se faire connaître?�Pourquoi photographier un œuvre d’art?

• Pourquoi et comment photographier ses œuvres?

Un tableau tout comme un statut ne ne devrait jamais

quitter l’atelier ou la galerie sans avoir été pris en

photographie, de manière a constituer une mémoire de la

production de leur créateur But...

Pour éditer plus tard, un catalogue, pour publier une

monographie, pour rédiger un catalogue raisonné; pour

que votre expert, votre veuve ou votre héritier puise

authentifier votre œuvre, pour que votre avocat puisse

plaider sereinement le plagiat

Se faire connaître?�Pourquoi photographier un œuvre d’art?

Un artiste qui se respecte, qui respecte sa carrière , son public, son conjoint ses descendants se doit de garder en mémoire toute sa production, car c’est fondamental pour le bon déroulement de sa carrière. C’est quand il est trop tard qu’on s’aperçoit que telles ou telles œuvres manquent, des années années après, quand on ne se souvient plus surtout quand on voudrait éditer un grand livre de rétrospective

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Ce qu’il faut savoir d’un œuvre d’art

• Nom propre ou pseudonyme

Choisir son nom d’artiste c’est possible pour ce qui voudraient se

produire sous plusieurs style et à plusieurs tarifs ( les chanteurs et

les vedettes de cinéma le font)

Si votre nom de famille vous plaît et s’il n’est pas trop connu , garder le

Si vous vous voulez séparer vie professionnelle et vie privée, travail

et famille pourquoi ne pas prendre un pseudonyme , un nom de guerre

Attention cela compliquera un peu les choses; mais cela n’est pas

insurmontable.

En France: « Un pseudonyme, se déclare à la maison des Artistes, en

chambre de Commerce ou de Métier: vous avez votre nom déclaré,

civil et votre enseigne commercial. Cette enseigne commerciale peut

d’ailleurs être multiple. Vous adopterez alors le système des pseudos

multiple: un pour l’abstrait, l’autre pour le naïf , un pour l’impressionnisme etc..

Ce qu’il faut savoir d’un œuvre d’art

• Faut-il dater ses œuvres?

Oui et non, beaucoup plus que nom que de oui.

Une date placée à coté de la signature, c’est une manière de marquer de son empreinte à l’échelle du temps qui passe. Cela permettra aux générations future de situer le tableau dans le temps.

Pour le marchand si le tableau n’est pas vendu le plus tôt que possible, un acheteur pourrait dire que l’artiste ne se vend pas aussi bien que l’artiste le prétend, c’est parce que personne n’a pas voulu depuis le temps de la sa production...

Comme excuse le marchand que la toile fait partie de la collection personnelle de l’artiste ou du marchand... et le vendre plus facilement si l’acheteur le veut à tout prix

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Ce qu’il faut savoir d’un œuvre d’art

• Faut-il dater ses œuvres?
• Pas de date sur un tableau c’est mieux pour le vendeur, le fisc et l’acheteur. Par contre on peux toujours placer un code pour au dos de l’œuvre un manuel de lecture de ce code secret des dates .
• Avoir une date codé peux vous permettre de jongler avec un contrôleur fiscale, en cas de plagiat il sera important d’établir une antériorité par rapport à votre copiste
• Pour avoir des preuves au plagiat , il faut photographier l’œuvre le journal du jour pour que la date du journal puisse apparaitre et faire des photos ou la date et l’heure du jour est affiché sur l’image ou le dos de l’image, lorsqu’il es imprimé

Ce qu’il faut savoir d’un œuvre d’art

• Signer ses œuvres, ou?

L’emplacement de la signature d’un tableau dépend absolument

du gout de l’artiste et parfois de sa composition.

Généralement les signatures sont placées sur les bords, les angles

ou non et très rarement en plein milieu.

PS. Ne pas signé trop prêt du bord ,il faut laisser 2 ou 3 centimètres

de marge avec le bord, on est sûr de voir sa signature intact arriver

intacte après que l’œuvre a été à l' impression.

Sur le dos du tableau tout peux être consigné: titre du tableau,

signature, date, copyright, ou d’autres informations en code secret.

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Ce qu’il faut savoir d’un œuvre d’art

Différents types d’œuvres

La Lithographie est un œuvre d’art à tirage limité qui intéresse rarement les vrais amateurs d’art. C’est une bonne promotion de votre peinture avec un risque financier moins grand. Il est plus facile d’offrir une Litho au lieu d’une affiche, au maire, aux notables ou à un journaliste qui est plus couteux qu’un œuvre d’art.

Ce qu’il faut savoir d’un œuvre d’art

La Bronze a une valeur de tirage très limité mais couteux, sous peine de souci financier il faut être sur de bien écouler sa production.

L’encadrement d’un œuvre d’art est indispensable et primordial dans le domaine des arts. En général le prix de l’encadrement est ajouté au prix de l’oeuvre

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Différents types d’œuvres

Tout savoir sur un bon C.V.

• Lorsqu’un artiste est trop jeune il n’a pas beaucoup de chose à dire, et trop vieux il a trop de chose à dire. Ce qui est important c’est de faire grand artiste ou professionel quelque soit son ancienneté.
• Il faut a tout prix évité d’écrire n’importe quoi: deux choses peuvent être très intéressantes dans un C.V. en faisant référence à votre participation à une exposition: on peut utiliser un locomotive pour dire qu’on était en compagnie de tel peintre célèbre ou cela s’est déroulé sous le haut patronage de ...Z et en second lieu dire qu’on est inscrit dans tel association d’artiste est un « must ».
• Tout artiste qui se respecte devrait avoir une toile dan un Musée, le musée peut faire l’acquisition ou l’artiste peut faire un don....Cela ne veut pas dire que votre toile sera exposé une fois là-bas, au moins elle se trouve dans le Musée. Lire dans un CV d’artiste qu’il est présent dans tel Musée locale ou étrangère c’est prestigieux. Il est conseillé aux artistes de faire un don de leur toile lorsqu’ils ne sont pas connu.

Pourquoi un contrat et comment le rédiger?

• Contrat d’exclusivité
• Assez souvent le marchand se plaint de l’artiste, vise versa; ou d’un photographe ou parfois d’un éditeur. Pour éviter des conflits, il faut que tout soit écrit et définit à l’avance, signé et approuvé.
• Se fier à ce que disent les gens c’est parfois bien, mais un contrat solide est encore mieux. Ces contrats sont destinés: aux clients, aux artistes et aux responsables de galeries etc...

Pourquoi un contrat et comment le rédiger?

• C’est quoi et Pourquoi un contrat de mise en dépôt?
• C’est un document qui garantit les droits de deux parties et qui en cas de problème avec l’assurance(vol, feu etc..) permet un réel recours.
• Un artiste qui dépose des toiles dans une galerie qui fait faillite.
• Un marchand de tableau qui décède brusquement, le plus souvent ses héritiers vont prétendre que tout appartient au Marchand.

Pourquoi un contrat et comment le rédiger?

La galerie se fait cambriolée, la galerie n’est pas assuré ce qui est souvent le cas. Il faut prouver que ces tableaux étaient bien la; sans un contrat de de fin de mise en dépôt. Dans ce cas un contrat de mise en dépôt et de fin de mise en dépôt sur la même feuille signé par les deux parties garantie une solution à toutes ses éventualités.

Divers Contrats

• Contrat de mise en dépôt et de fin de mis en dépôt
• Contrat entre :
• nom, adresse et (nom d’artiste) s’il y a lieu
• et nom, adresse du marchand ou de la représentante d’un (galerie)
• nom et adresse de la galerie : immatriculation et registration au bureau mandaté pour cela.... et après « le marchand »
• Il a été placé en dépôt le ............à :............
• L’oeuvre d’art suivante :............. ajouter deux photos ( contre signée)...descriptif, titre , support, taille, État, Divers ( encadrement, stèle, sous verre, socle etc...)

Divers Contrats

• 1-Durée de mis en dépôt (date d’entrée et de restitution)
• 2- Assurance et nature de l’assurance
• 3- Prix de vente ( Prix de vente public + taxe et sans taxes)
• (Prix net de l’artiste + taxe – Marge pour le marchand)

En cas de remise consentie par le Marchand à l’acheteur , celle-ci sera répercutée sur la part de l’artiste........

• 4- Règlement: En cas de vente l’artiste devra être payé de sa part lui revenant, au plus tard........avant, pendant et après,( par chèque ou argent) En cas de crédit par le marchand celui-ci à l’artiste de la manière suivante
• Réserve de propriété L’œuvre d’art du présent contrat restera la totale et indivisible propriété de l’artiste tant qu’il n’aura pas reçu le règlement intégrale de la part lui revenant( loi frac. du 12 avril 1980)ou qu’elle ne lui aura pas été restitué

Divers Contrats

• Restitution Si l’œuvre n’est pa vendu il sera remis par le marchand à l’artiste à la fin de la période de mise en dépôt
• Litiges en cas de litige seul les tribunaux seront compétents
• Fin de mise en dépôt
• __________________________
• Bon de dépôt simplifié
• Bon de dépôt
• Bon de restitution
• Dénomination, demeure, société, localisation, objet, description, quantité, état, valeur en cas de perte, remarque, fait à ....le... , signature par le réceptionnaire
• Après le bloque identification (déclare prendre en dépôt l’objet suivant) et après (déclare restitué l’objet suivant) + descriptif et autres

Divers Contrats

• Contrat d’exposition
• Le contrat qui suit est la pour définir , mais aussi pour garantir l’Artiste en cas de problème comme par exemple: sinistre, incendie, vol ou mis en liquidation de la galerie. C’est pour que l’exposition ne soit pas organisé  » à la bonne franquette »
• Le contrat est entre ....... et.....(nom et adresse, immatriculation de la galerie)
• Lieu de l’exposition- Durée de l’exposition-Vernissage-Dépôt des œuvres( accrochage)-Prise en Dépôt –Financement...Règlement-Cocktail de Vernissage- Publicité –encadrement-Présence de l’artiste sur les lieux durant l’exposition-Hébergement de l’artiste- Location et participation de l’artiste- litiges

Divers Contrats

• Contrat d’exclusivité
• Ce type de contrat est rare, chacun trouve son compte. L’artiste n’a qu’une chose en tête il créer et le marchand: vend
• L’artiste s’engage a vendre au marchand....et personne d’autre
• le marchand s’engage a acheter toute la production de l’artiste
• Dans ce genre de contrat il faut prévoir un pourcentage sur le prix de vente des œuvres ce qui permet d’être augmenter au cas ou sa cote augmente.
• Il peut être aussi un forfait mensuel.

Divers Contrats

• Il faut prévoir une durée partielle, qui peut être reconduit .
• Prévoir la rémunération de l’exclusivité
• Règlement : ce que l’artiste recevra tous les mois
• Réserve de propriété, Les œuvre du present contrat resteront la propriété total et indivisible de l’artiste tant qu’il n’aura pas reçu le règlement intégral de la part lui revenant ou quelle ne lui auront pas été restituées
• La rubrique litiges : en cas de litige si aucun règlement à l’amiable n’a pu être trouvé , seuls les tribunaux seront compétents
• Date (mention: Lu et approuvé, bon pour acceptation du contrat d’exclusivité) et signature des deux parties

Importance des assurances

• Tout s’assure: des mains et des jambes des stars et des athlètes en passant par les meubles de maison, les voitures, les avions, la liste est sans fin. les œuvres d’art s’assurent également.
• Pourtant la majorité des artistes n’assure rien. Il devrait penser a assurer leur production dans leur atelier, leur production durant le transport des tableaux et statues dans leur voiture et leur production durant une exposition ou lors d’un prêt.

Importance des assurances

Un contrat d’assurance de ce genre est un contrat spécifique. vos mieux s’adresser a un courtier qui n’est pas attacher à aucune compagnie et qui cherchera pour vous ce que vous avez réellement désirer .