BLOQUE G
Arte y educación. Otras funciones del arte.
– El arte y la educación en la Antigüedad.�
Educación Artística en la Antigüedad
En la cultura griega la educación adquiere el reconocimiento del valor decisivo en la vida social e individual.
Encontramos la separación de los procesos educativos según las clases sociales: para los grupos gobernantes la escuela educaba en las tareas del poder, o sea “pensar”, “decir” (la política), y “hacer” (las armas). A los grupos más excluidos y oprimidos, el proceso de instrucción se enfocaba a las actividades manuales y labriegas.
Aristóteles, diferencia lo que se hace por utilidad de lo que se hace por el conocimiento, distinguiendo entre razón práctica y teórica, actividad y ocio.
En cuanto al desarrollo de las artes, el plan de estudios establecido distinguía entre el trivium, que comprendía la gramática, la retórica y la filosofía o dialéctica, y el quadrivium que comprendía la aritmética, la música, la geometría y la astronomía (las siete artes liberales).
Las siete artes liberales, imagen del Hortus deliciarum de Herrada de Landsberg (siglo XII)..
En el mundo griego y la Edad Media el término arte designaba toda capacidad productiva, tanto la que genera objetos estéticos como la que produce objetos meramente útiles, independientemente de si poseen o no valor estético. En las prácticas artísticas una técnica era un conjunto de reglas, normas o protocolos que se utilizaba como medio para llegar a un cierto resultado, suponiendo que una misma conducta o un mismo procedimiento producían el mismo efecto.
El concepto de arte entendido como producción de objetos con valor estético, estaba muy relacionado a la idea de belleza metafísica y de poética: la realidad, según los griegos, no estaba en las cosas sino en las ideas, y el artista al representar un objeto en su obra de arte, estaba reproduciendo, imitación o reflejo de una idea.
LA MIMESIS Aristóteles clasificaba las disciplinas humanas en dos categorías: las imitativas y las no imitativas. La máxima aproximación a la perfección consistía en la imitación (mímesis), como medio y como fin (ritmo, lenguaje y armonía): el arte debía representar lo universal frente a lo particular, e importaba más la armonía de lo representado que su fidelidad con el modelo real.
LA BELLEZA Aristóteles se considera además el primer autor en escribir sistemáticamente sobre la estética. En sus obras vinculo el disfrute estético al conocimiento. Para él la belleza era una unidad de partes que tenían las siguientes condiciones formales:
Táxis: distribución en el espacio de las partes componentes del objeto bello.
Symmetría: correcta proporción de esas partes.
To horisménon: extensión o tamaño de lo bello. No debe excederse ni verse fatalmente mermado en sus dimensiones.
Escuelas Escutóricas de Rodas, Pérgamo y Alejandría, se convierten en centros de irradiación del arte
ORIGEN DEL TÉRMINO “ACADEMIA”
Academia: barrio situado al noroeste de Atenas, con varios templos, un gimnasio y un amplio parque donado por Cimón. En este parque conversó Platón en sus últimos años con sus discípulos y les transmitió su filosofía.
Academia denomina a la comunidad de seguidores de Platón y a la escuela de Platón, hasta llegar a la historiografía griega, que describe el desarrollo del platonismo distinguiendo generalmente entre una Antigua, Media y Nueva Academia.
Academia de Atenas
– El arte y la educación religiosa en la Edad Media.�
Educación a través del arte en la Edad Media
A la hora de pensar el arte del Medioevo, debemos considerar que no existía la noción del arte como un fin en sí mismo, sino de las artes aplicadas, vinculadas con el oficio.
La función del arte
Con la crisis urbana desaparecen muchas escuelas aumentando el analfabetismo. La educación vuelve a ser un privilegio de las élites religiosas y aristocráticas. La educación fue un reflejo de la sociedad estamental y con ella se buscó que las personas aceptasen el orden social, económico, político y patriarcal existente:
• Niños y niñas tiene que aceptar un modelo social construido sobre la idea de privilegio.
• Las niñas tienen que asumir que ocupan un lugar dependiente y subordinado dentro del estamento al que pertenezcan: nobles, monjas o campesinas.
El arte se convierte en el vehículo transmisor de las ideas religiosas y del poder religioso en una sociedad teocrática y analfabeta.
Durante la Alta Edad Media se produce una eclesialización de la cultura al desaparece todas las instituciones culturales laicas (escuelas, bibliotecas, academias, etc) y colonizar el pensamiento religioso todo el saber.
En la parte occidental de Europa, los monasterios se convierte en los reductos del saber al conservar bibliotecas y los escriptorium, y ser lugares de enseñanza. Pero también en filtros de la cultura grecolatina.
Importancia crucial de la orden benedictina creada por Benito de Nursia en el siglo VI y sus sucesivas reformas, Cluny (siglo X) y Císter (siglo XI) en la difusión de la cultura católica por toda Europa.
Educación Artística en la Edad Media
Alta Edad Media
(hasta el año 1000 aproximadamente)
- Arte paleocristiano.
- Arte prerrománico.
Baja Edad Media
- Arte románico.
- Arte gótico.
Características principales
- Existían tratados que recogían estas enseñanzas: Teófilo y C. Ceninni.
Teófilo Presbítero fue un benedictino del siglo XII que escribió varios tratados artísticos que se consideran precedentes de la historiografía del arte.
La Schedula diversarum artium (tres libros y un preámbulo), descubierta por Lessing, es un "recetario" o enciclopedia técnica de distintas manifestaciones artísticas del arte románico, destacando las partes relativas a iconografía, eboraria (marfil) y orfebrería. A diferencia de otros similares, destaca por su calidad literaria. Presenta influencia bizantina. Se han conservado fragmentos de un Breviloquium diversarum artium.
Cennino Cennini su obra El libro del arte, considerado como primer ejemplo de tratado técnico en lengua vulgar. Describe diferentes técnicas pictóricas clave para el trabajo desarrollado en el taller de numerosos gremios y artistas medievales.
Probablemente, la aportación más importante sea la aplicación a la pintura del uso de modelos naturales. Cennini afirma que si un pintor desea representar una montaña rocosa, la mejor manera es observando la realidad. En este caso recomienda llevar una pequeña piedra al taller y a partir de sus formas, reconstruir la montaña en su totalidad.
– El arte y la educación en la Edad Moderna.�
Educacion Artistica en El Renacimiento
Con el Renacimiento, el artista reivindicó un nuevo lugar en la sociedad. Podemos distinguir en el Renacimiento dos períodos consecutivos.
El Quattrocento, La primera etapa. Cubre la mayor parte del siglo XV.
Los artistas italianos del Quattrocento comienzan a liberarse del sistema gremial. Reivindicaron su libertad y el derecho a actuar de acuerdo a su conciencia. Defendieron la consideración del arte como Ciencia, se reivindicó el carácter científico de las disciplinas artísticas. Se defendió la idea de que las matemáticas eran el cuerpo común del arte y de la ciencia, ya que tanto la doctrina de las proporciones como la teoría de la perspectiva son disciplinas matemáticas.
El Cinquecento, La segunda etapa. La naturaleza creativa del artista se pone de manifiesto al compararlo con el Creador principal, Dios. Desde mediados del siglo XVI, pintores y escultores son llamados con frecuencia "divinos”.A finales del siglo XVI en Italia surgieron las Academias. Organismo de financiación privada, con triple objetivo:
- Dignificar el aprendizaje: Considerar a la persona como alumno y no como sirviente. Se pretende dignificar la formación en el seno de una institución digna.
- Formar intelectualmente al alumno. Junto a la práctica artística se proponen clases teórica ajenas a las cuestiones o problemas técnicos.
- Control ideológico de la profesión: al monopolizar la capacidad para otorgar títulos, sólo saldrían artistas los que se adaptasen a sus criterios generales.
El principio básico de la institución académica era el del arte sometido a reglas
Las academias representaron la culminación de promoción del artista desde su condición de trabajador manual, a otra vida más elevada intelectual.
Dos aprendices de pintor, de Federico Zuccaro, ca. 1600.
Educacion Artistica en El Renacimiento
Las bottegas (talleres) del Renacimiento de la Florencia del siglo XV, eran comunidades de creatividad e innovación donde los sueños, las pasiones y los proyectos se podían entrelazar. Los aprendices, los trabajadores, los artesanos, los artistas fijos y los artistas invitados eran coordinados por un artista de renombre: el "Maestro".
Un ejemplo clave es el taller de Andrea del Verrocchio (1435-1488) quien fue escultor, pintor y orfebre. El taller de Verrocchio dio rienda suelta a una nueva generación de artistas eclécticos como Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Pietro Perugino y Domenico Ghirlandaio. Los artistas ingresaron como aprendices, haciendo tareas de baja categoría hasta que demostraron ser lo suficientemente talentosos para aprender el arte de sus maestros.
Durante el Renacimiento, el estatus del artista se elevó al de un individuo dotado tanto técnica como intelectualmente. Los artistas comenzaron a verse a sí mismos como compañeros de filósofos y poetas. Por ejemplo, Rafael se incluyó en su famoso encuentro La Escuela de Atenas (1509-10). .
Educación artística en el Barroco
Desde el siglo XVI en adelante, varias escuelas de arte especializadas surgieron en toda Europa, comenzando en Italia. Estas escuelas, conocidas como "academias de pintura", fueron patrocinadas originalmente por un patrón de las artes (típicamente el Papa, un Rey o un Príncipe). Sus objetivos principales estaban centrados en educar a jóvenes artistas de acuerdo con las teorías clásicas del arte del Renacimiento. El desarrollo de estas academias artísticas fue la culminación del esfuerzo (iniciado por Leonardo Da Vinci y Michelangelo) para mejorar el estatus de artistas practicantes al distinguirlos de los simples artesanos.
Rubens tenía su propio taller en casa: fue el más grande de Europa. Tenía que ser así, porque la demanda de su trabajo era particularmente alta. Gran parte de las obras que creaba fueron posibles gracias a la colaboración de alrededor de 200 asistentes. Rubens fue el gran creador de conceptos e ideas y sus asistentes eran responsables de la ejecución. Rubens fue también un gran maestro de la pintura en términos de enseñanza. Diseño diversos sistemas de estudio del dibujo y la pintura para poder entrenar con ellos a sus ayudantes. Rubens pintaría el concepto de la pintura en un pequeño panel en óleo. A menudo dejaba la tarea de transferir el panel a un formato más grande para sus asistentes.
El artista en su estudio (1626-28). Rembrandt. Óleo sobre tabla.
Estudio del desnudo en una academia, Giovanni Battista Tiepolo, 1720.
Primeras Academias de Arte
La primera academia de arte digna de ese nombre fue fundada en 1563 en Florencia por Giorgio Vasari. Para Vasari, la condición profesional y la propiedad académica siempre habían sido objetivos de primordial importancia. Vasari sabía exactamente cómo manejar este asunto y darle el prestigio correcto: así que creó la Academia del Diseño bajo los auspicios combinados de Duke Cosimo de'Medici y Michelangelo.
Poco después se fundó en Roma la Accademia di San Luca. La Accademia di San Luca se estableció firmemente en 1635, después de haber recibido el apoyo del Papa Urbano VIII. La Academia de San Luca de Roma se convirtió en el prototipo de todas las academias de arte europeas. Todos los principales artistas italianos y muchos extranjeros fueron miembros.
Una asamblea ordinaria de la Real Academia de Pintura y Escultura en el Louvre (1712-1721). Jean-Baptiste Martin. Óleo sobre lienzo. Altura: 30 cm (11.8 "); Ancho: 43 cm (16.9 ").
LA HISTORIA DE LA ACADEMIA COMO EVOLUCION DE LAS DEFINICIONES SOCIALES DE ARTISTA
Academias, instituciones formadoras de artistas.
-Definen al creador plástico de una época; con su plan de estudios y valores inculcados en el alumnado.
De la mítica Academia de Leonardo a la Academia de San Luca en Roma,1510:
-asociaciones informales artísticas de nobles defensores del Renacimiento italiano,
-inspirados en la antigüedad clásica, elitistas y diletantes,
-organizan banquetes, conferencias, rondas y procesiones.
-no tienen un programa formal artístico.
-su referencia es la Academia neoplatónica en oposición a la universidad escolástica.
La primera que enseña arte es la Academia de Dibujo de Florencia, establecida en 1562 por G. Vasari;
Enea Vico - Academia taller de Baccio Bandinelli – 1530, Buril - 310 x 480 mm
La academia manierista se inicia en 1577, refundación de la Academia de San Luca, tras su decadencia, reactivada por el pintor Federico Zuccaro en 1593.
La Academia de los Progresistas (1580), de Bolonia, dirigida por los Carracci.
El surgimiento de las academias manieristas coincide con la crisis de los ideales renacentistas.
Su programa docente formal parte del dibujo de estatua hasta alcanzar el aprendizaje de la pintura.
Marca un cambio radical en el estatus del artista; ya no se consideran artesanos gremiales, sino teóricos e intelectuales.
Annibale Carracci, 1588: Virgen y S.Lucas
La unión del Dibujo y el Color. Guido Reni. Óleo sobre lienzo, 120,5 x 120,5 cm h. 1624-25 Paris, Musée du Louvre. Département des Peintures.
Guido Reni se formó en la La Academia de los Progresistas (1580), de Bolonia, dirigida por los Carracci.
Urbano VIII, (1627-1633):
establece la autoridad de la academia italiana y dignifica a los artistas frente a los artesanos.
Las academias garantizan la formación científica (geometría, anatomía y perspectiva) y humanística (historia y filosofía).
No apoyan de genialidad basada en el talento e inspiración individuales; al contrario, las academias defienden la enseñanza de la creación artística por medio de reglas comunicables.
Urbano VIII según Pietro da Cortona y Bernini
Urbano VIII, (1627-1633):
establece la autoridad de la academia italiana y dignifica a los artistas frente a los artesanos.
-confiere carácter oficial a la enseñanza: clases de dibujo y copia de modelos,
-las academias son responsables de la organización de exposiciones, concursos, premios, periódicos y de la conservación de patrimonio, pinacotecas y colecciones,
-controlan la actividad artística y la fijación rígida de patrones de gusto.
Pannini: Galeria con vistas de Roma antiguas y modernas.
Le Brun: Luis XIV como defensor de las Artes 1727
-“La Academia barroca y rococó: de 1600 a 1750”: las Reales Academias.
Inspirado en ejemplos italianos y para contrarrestrar su influencia estilistica,
-Luis XIV funda en París, en 1648 la Real Academia de Pintura y Escultura.
Dirigida por el estadista Jean-Baptiste Colbert (1619 - 1683) y por el pintor y teórico del arte Charles Lebrun (1619 - 1690), la academia francesa confiere a la institución un carácter renovado.
Se verifica un estrechamiento de las relaciones entre arte y poder político.
La academia es financiada por el rey que la utiliza como:
-órgano de propaganda regia,
-fábrica de bienes de lujo para su residencia en Versalles.
En Francia, la Académie Royale de Peinture et de Sculpture se fundó en 1648 como una sociedad democrática de miembros. Sin embargo comenzó a funcionar como un brazo autoritario del estado. Bajo el patrocinio del poderoso ministro Jean Baptiste Colbert y la dirección del pintor Charles Le Brun, la Académie Royale asumió el control casi total del arte francés.
También comenzó a ejercer una influencia considerable en el arte de Europa.Por primera vez, el concepto de ortodoxia estética obtuvo el aval oficial. La Académie Royale logró un monopolio virtual de la enseñanza y la exhibición en Francia. La Academia tenía como bandera la idea nacida de la Ilustración de que las cuestiones estéticas podrían someterse a la razón. Esta concepción, llevó a una imposición rígida de un conjunto estrecho de reglas estéticas sobre todo el arte francés. Este enfoque encontró un terreno especialmente fértil en el estilo neoclásico, que surgió en la segunda mitad del siglo XVIII y que la Academia acogió con entusiasmo.
.
La clase de dibujo, Michael Sweerts, ca. 1656-1658.
Los académicos de la Real Academia (1771-72). Johann Zoffany
M. F. Quadal: Dibujo del natural en la Academia de Viena, 1750 .
En el Neoclasicismo, se establecieron numerosas academias de pintura, generalmente apoyadas por el estado y similares en estructura y enfoque a la Academia Francesa, en toda Europa y en América. Para 1790 había más de 80 instituciones de este tipo. Uno de las más importantes fue la Royal Academy of Arts de Londres, establecida en 1768 por George III con Sir Joshua Reynolds como su primer presidente.
Una función importante de la academia era proporcionar a los artistas un lugar de exposición regular. Dado que la autoridad de las academias de pintura otorgaron una valoración considerable a estos espectáculos con jurado, a menudo se convirtieron en el evento más importante del calendario de exposiciones. Esto, a su vez, le dio más peso a las academias como árbitros del gusto popular. El ejemplo más famoso de esto es la exposición bianual de la academia francesa, el Salón, llamado así porque inicialmente se llevó a cabo en el Salón del Palacio del Louvre. El Salón fue la exposición regular más importante de Europa a lo largo de los siglos XVIII y XIX. La historia de su decadencia está entrelazada con la del auge del arte moderno.
.
Vista del salón del Louvre (1765). Gabriel de Saint-Aubin. Acuarela, pluma y tinta negra y gris, lápiz grafito sobre papel. Altura: 250 mm (9.84 ″); Ancho: 460 mm (18.11 ″).
La Academia Neoclásica:
-Sobre 1750 las academias se difunden por Alemania, España y Inglaterra en un momento de afirmación y difusión de una cultura laica, enciclopédica y universal, y de revolución política, se hace explicito el rol social del arte y el apoyo creciente del Estado a las instituciones de enseñanza artística.
-1793: ¡Se disuelve la academia de Francia!
-1816 Refundación de la Academia de Bellas Artes francesa, dirigida por Jacques-Louis David como institución de propaganda y fábrica de lujo al servicio de Napoleón.
Muerte de Sócrates,
Jacques Louis David.
El neoclasicismo, la academia ilustrada
Surge en el S XVI y pretende ejercer un control sobre las artes plásticas con vistas a sus propios fines políticos.
El sistema educativo se articula en torno a la figura del hombre, era "antropomorfa", conforme a la idea de que el cuerpo humano es el sujeto más digno de ser imitado de toda la creación.
La formación del alumno pasaba por varios estadios y una vez terminado su proceso formativo, participaban en una exposición colectiva organizada en el Palacio del Louvre, donde se mostraba a los críticos y al pueblo de Paris los logros alcanzados.
En sus orígenes, la Real Academia Francesa de la Pintura y Escultura, fundada en 1648 no estaba prevista la exposición de obras al público, pero entre 1663 y 1664, en la gran reorganización de la misma, Jean-Baptiste Colbert y el pintor Chales Le Brun en el artículo 25 de los estatutos corregidos leyeron: Cada año habrá una asamblea general de la Academia el primer Sábado de Julio, a la que cada oficial aportará algunas obras para decorar la academia durante algunos días.
Crisis de las academias en el Romanticismo
El primer desafío importante al poder de las academias de pintura vino con el surgimiento del romanticismo. En el romanticismo el artista era considerado un genio individual cuyos poderes creativos no podían ser enseñados o controlados externamente. El golpe que finalmente rompió el poder de la academia fue dado por un grupo de pintores vanguardistas.
Después de una serie de eventos infructuosos para la Académie Royale (por ejemplo, el Salon des Refusés, establecido en 1863 por Napoleón III para pintores excluidos de la Académie Royale), los impresionistas, que expusieron de forma independiente entre 1874 y 1886 y lograron ganar la completa aceptación de los críticos.
The Académie Royale de Peinture et de Sculpture in Paris (Image found on The London Salon)
Puntos clave e innovadores en el mundo del arte
En estas circunstancias, comienza por primera vez a llevarse el arte al espacio público para ser visto y juzgado por espectadores anónimos. Ahora los artistas comienzan a pintar para ser vistos, deseados y comprados.
El Archiduque Leopoldo Guillermo en su Galería de Bruselas
Pintura de David Teniers el Joven.
The Royal Academy of Art in London (Image found on Somerset House)
Francisco Calvo Serraller en Las Academias de Arte (dentro de la obra de Nikolaus Pevsner de 1982 ya señalada) estudia la evolución de la Academia en España señalando el papel pionero de la Escuela de San Fernando, fundada por Carlos III en Madrid, antecesora de la Facultad Bellas Artes UCM.
B
– La Bauhaus, escuela de Basilea, escuela de Zurich, escuela de Ulm, escuela de arquitectura de Chicago.�
EDUCACIÓN VANGUARDIAS E INDUSTRIA: BAUHAUS, VKHUTEMAS, ULM
Las academias nacionales comienzan el siglo XX derrotadas:
-han perdido capital simbólico que detenta la crítica,
-el romanticismo ha minado su autoridad al negar que el genio artístico individual se pueda enseñar
-no controlan el mercado artístico mediante encargos oficiales
-los salones desprestigiados frente a marchantes y galerías de arte privadas.
-nuevas academias privadas en Paris para jóvenes vanguardistas que huyen del pompier académico.
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal),
-escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Gropius en Weimar (Alemania).
-reforma socialista de enseñanzas artísticas para transformar la sociedad burguesa.
Primera época de director Gropius (1919-1923), idealista y romántica
-la recuperación de los métodos artesanales,
-elevar artesanía a Bellas Artes,
-comercializar los productos semiindustriales de consumo,
-vender productos en la Escuela, para no depender del Estado,
-primera escuela de diseño del mundo.
El "vorkurs" o curso preliminar de Johannes Itten:
-liberar de convenciones al futuro miembro de la institución,
-despertar sus dotes personales y orientarle espiritualmente
La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metalurgia, vidriería;
-no de pintura y escultura en el sentido tradicional.
-El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, actividad social que combina diversos medios de expresión y se materializaba en obras teatrales, ritos y fiestas.
La Escuela de Ulm o Hochschule für Gestaltung (HfG, Escuela Superior de Proyectación) de 1953 a 1968, fundada por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, fue escuela de arte y diseño cuyo punto de partida fue vincular la actividad creativa con la vida cotidiana para la reconstrucción cultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la segunda guerra mundial. El proyecto se financió con un millón de Marcos de John McCloy
Max Bill, ex alumno de la Bauhaus fue su rector y los profesores fueron Hans Gugelot, Otl Aicher, Tomás Maldonado, Friedrich Vordemberge-Gildewart y Walter Zeischegg.
El plan de estudios de cuatro años comienza con curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción, información (hasta 1962) y cinematografía.
Tomás Maldonado, director desde 1955, consideraba al diseño como un proceso sistematizable de manera científica y no intuitiva, el diseño no es un arte y el diseñador no es un artista. Las consideraciones estéticas no son la base conceptual del diseño.
El profesional diseñador es un "Coordinador” de gran número de especialistas. Creó los "grupos de desarrollo" vinculados a las empresas Braun y Lufthansa.
Las disputas internas sobre la dirección de los planes de estudios, dieron lugar a una operación de prensa en 1963 para atacar contra la HfG. Las subvenciones federales fueron suprimidas y la situación financiera se volvió insostenible.
El plan de estudios de cuatro años comienza con curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción, información (hasta 1962) y cinematografía.
La Escuela de diseño industrial de Chicago (The Institute of Design (ID) en idioma inglés) fue una institución creada en 1937, conocida entonces como New Bauhaus. Fue la primera escuela de diseño industrial en Estados Unidos. La Asociación de Artes e Industrias de Chicago veía la necesidad de fundar una escuela de este tipo, y buscó como director al húngaro László Moholy-Nagy, recomendado por Walter Gropius.
New Bauhaus en Chicago (1937- 1946)
Moholy-Nagy basó el programa de estudios en la Bauhaus, pero con más inclinación al diseño industrial. Inició los cursos con 35 alumnos. Pero antes de un año la institución quebró, se le retiró el subsidio y los cursos se cerraron. Ese mismo año Moholy-Nagy decidió aventurarse y reabrir la escuela con sus propios recursos y los de algunos amigos, rebautizó la escuela como la School of Design (Escuela de Diseño), en la cual ingresaron 28 alumnos.
Esta institución contó con profesores como György Kepes, Robert Jay Wolff y Andi Schlitz. Muy pronto los alumnos desarrollaron una gran cantidad de proyectos que los llevaron a obtener 17 patentes en sólo dos años. Ganaron varios premios en concursos nacionales de textiles, carteles e ideas para displays. Debido a esto, la escuela recibió apoyo económico de la Fundación Rockefeller y la Carnegie Corporation.
En 1944 se integró en el Instituto Tecnológico de Illinois.
La Escuela de Diseño de Basilea es una escuela profesional de artes gráficas ubicada en Basilea. Este curso de diseño tipográfico, que formaba parte de la Allgemeine Gewerbeschule (escuela de artes y oficios) en 1887, ganó fama internacional en la década de 1960. Personalidades como Emil Ruder (tipógrafo, director de la escuela), Armin Hofmann (director de la clase de diseño gráfico) y Wolfgang Weingart , tipógrafo, marcó su enseñanza y contribuyó al desarrollo del diseño gráfico suizo.
Planteaba una formación básica en la se complementaban diferentes disciplinas como el dibujo, el volumen y las técnicas y materiales, otorgándoseles a todas la misma jerarquía para proporcionar al alumnado la adquisición de conocimientos estéticos, formales y conceptuales necesarios para dominar el oficio. Sobre ella se hablará en el siguiente tema dedicado a otras pedagogías y enseñanzas del dibujo.
Escuela de Artes Aplicadas de Basilea (Suiza) en su manual "Procesos elementales de proyectación y configuración" de Manfred Maier
– Arte y función. Diseño y artes aplicadas.�
Las artes aplicadas (también llamadas oficios artísticos) son aquellas que incorporan los ideales de la composición y la creatividad a objetos de uso diario, como una taza, una revista, una puerta o un banco decorativo del parque. Surgen como una expresión que va en contraposición de las Bellas Artes, las cuales sirven de estímulo intelectual o de sensibilidad académica para el espectador.
Las artes aplicadas se consideraban una actividad inferior dentro de las artes plásticas, adoptando un enfoque inicial en la producción múltiple y/o útil de la artesanía y el grabado. No obstante, el concepto cambiaría parcialmente en el siglo XVIII con la Revolución Industrial, cuando la técnica se transformó en tecnología, haciéndola compartir un territorio cercano a la ciencia aplicada. Algunos ejemplos de las áreas englobadas por las artes aplicadas son el diseño industrial, el diseño de interiores, el diseño de modas, el diseño gráfico y la publicidad
– Influencias del arte en la industria y el diseño.�
Movimientos que unen Arte y diseño
El movimiento Arts & Crafts, surgido en la Inglaterra victoriana de fines del siglo XIX, fue mas que solo un nuevo estilo dentro de las artes decorativas. Nació como una reacción a la Revolución Industrial, revalorizando el concepto de artesanía manual a la luz de la fabricación industrial, la mecanización y producción en masa de objetos de calidad inferior.
El movimiento se arraigó en los ideales de los tiempos preindustriales, en respuesta a las ansiedades que no solo afectaban a la estética sino también a cuestiones sociales fundamentales como el trabajo industrial, el capitalismo y la alienación de las personas en su trabajo. También fue uno de los primeros movimientos artísticos que desdibujó la línea entre las bellas artes y la artesanía.
EL movimiento Arts and Crafts podría identificarse como el precedente del Art Nouveau, el Modernismo, ya que se basa en la unidad de los medios artísticos y se orientó hacia la producción de objetos funcionales con alto valor estético.
Tapiz de William Morris
El movimiento "Arts and Crafts” 1850-1900
Red House designed by Philip Speakman Webb for William and Jane Morris. Designed 1859; completed 1860.
Modernismo, Art Noveau, Sezession
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque.
Las diferentes denominaciones que tiene en distintos países hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo xix.
Portada de Scottish Musical Review, Charles Rennie Mackintosh, 1896
La Secesión vienesa (también llamada Secessionsstil, o Sezessionsstil en Austria) formó parte del muy variado movimiento actualmente denominado modernismo. Fue fundada en 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses que había abandonado la Asociación de Artistas Austriacos. Como proyecto de renovación artística, trataba de reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial que estaban desnudando estructural y estéticamente la realidad del arte y la sociedad de la época. Su primer presidente fue Gustav Klimt.
Tiene unas características que le diferencian de otros modernismos: en la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo.
Pabellón de la Secesión de Viena, construido en 1897 por Joseph Maria Olbrich para las exposiciones del grupo de la Secesión
El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el art déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués.
A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el art déco es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial.
Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau, esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de formas acordes con la problemática e imaginería de su tiempo.
El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial.
De manera simultánea a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del art déco durante la era del jazz.
Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas. París. Pavillon Primavera. 1925
Las vanguardias (especialmente dadaísmo, futurismo, surrealismo y constructivismo) experimentaron, de una u otra manera, un acercamiento al diseño industrial, ya sea realizando obras artísticas con elementos más o menos funcionales, o adentrándose directamente en el diseño de mueble y de producto. Relacionando el comportamiento de las vanguardias con el diseño industrial contemporáneo.
El caso de los ready-made sería uno de los primeros en los que se da una hibridación entre arte y diseño, si bien esa hibridación no se produce en el objeto en sí (La fuente de Duchamp sigue siendo un urinario, por lo tanto un objeto industrial) sino en el modo en el que se quiso exponer (como una obra de arte más) y en la consiguiente mirada del espectador, aturdido ante
el objeto cotidiano que se le ofrecía en el espacio del museo. En todo caso, es cierto que, en este caso, el arte se dirigió a la industria para robarle sus productos y llevárselos a su terreno.
la actitud de la ironía, Weiwei utiliza al ready-made al estilo de Duchamp. Y no tiene reparo en firmar con el R. Mutt famoso de este autor,aunque esta vez fechado en 2015. De nuevo nos encontramos, tan solo, con el objeto industrial sin manipular (eneste caso dos: el wáter y las piezas de juego). El hecho de estar en una galería de arte (y de aparecer firmado, aunque sea con la copia de un nombre inventado)es lo que nos da la pista para interpretarlo desde el arte
El ready-made dejó una impresionante estela en el concepto de hibridación.
Lo retoman los diseñadores de los años 50, especialmente de la mano de los italianos. Si Duchamp, en 1913, había montado una rueda de bicicleta sobreun taburete (e “hizo arte”); Achille y Pier Giacomo Castiglioni, en 1957, seapropiaron de un sillín de aquel medio de locomoción ―lo unieron a unabase metálica semiesférica por medio de un cilindro también metálico―e “hicieron diseño” . ¿Qué diferencia hay entre este objeto y los reday-made?, ¿por qué uno es arte y otro diseño? Obviamente el segundo es funcional y el primero no, pero la respuesta última está en el motivo por el que fueron creados. Al fin y al cabo, también La fuente, en un lugar adecuado, hubiera sido perfectamente funcional.
Duchamp, Bicycle Wheel, MoMA, : Escultura (129.5 x 63.5 x 41.9 cm.
(Obra original perdida. Versión de 1951)
– Arte y artesanía.�
Diferencias entre Arte y Artesanía
La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la poesía.
Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la de los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre “artes útiles” y “artes placenteras”, es decir, entre las que producen objetos de cierta utilidad y las que sirven para el entretenimiento.
Plutarco introdujo, junto a estas dos, las “artes perfectas”, que serían lo que hoy consideramos ciencias.
Platón, por su parte, estableció la diferencia entre “artes productivas” y “artes imitativas”, según si producían objetos nuevos o imitaban a otros.
Las diferencias entre arte y artesanía fueron subrayándose a finales de la Edad Media y se consolidaron con el Renacimiento, dignificando la actividad y función social del arte con el artista, y subordinando la artesanía junto con el artesano dentro de la visión occidental
Calabaza grabada hecha a mano en Ibarra, Ecuador.
.
Custodia de la Mezquita-catedral de Córdoba, realizada por Enrique de Arfe entre 1514 y 1518 en estilo gótico.
Diferencias arte y artesanía | Arte ¿Son tan claros estos límites Piensa en ejemplos que los desmientan? | Artesanía |
Definición | Producto que ha sido realizado con una finalidad estética y comunicativa que busca expresar ideas, emociones o una visión diferente del mundo a través de recursos plásticos, lingüísticos, sonoros, mixtos y corporales. | Producto que tiene una utilidad funcional y uso cotidiano elaborado sin el apoyo de medios industriales, los acabados y la calidad suelen ser superiores, permite la creación de objetos especiales e irrepetibles. |
Finalidad | El arte tiene finalidad estética y comunicativa no tienen utilidad concreta. | La artesanía tiene una funcionalidad concreta. |
Mercado | Utiliza los canales del mercado artístico | El propio artesano comercializa su producto |
Contenidos que comunica | Transmite ideas y valores inherentes a las culturas humanas a lo largo del espacio y del tiempo. | Transmite la identidad cultural de una comunidad. Los materiales y formas varían en función de cada región |
Público al que se dirige | Es un producto único generalmente dirigido a una élite | Es un producto útil destinado a ser utilizado por una comunidad |
Originalidad | Presenta como valor creatividad innovación y ruptura es producto de la individualidad del artista. | Sigue unas pautas que se ajustan a una técnica concreta. Se basa en unos saberes transmitidos por una comunidad |
– La arquitectura de vidrio y hierro y el Movimiento Moderno.�
La arquitectura de cristal y hierro, de hierro y vidrio, o ferrovítrea, son denominaciones de una técnica constructiva y estilo arquitectónico propio de la Revolución industrial, que se popularizó a través de la arquitectura ferroviaria, las galerías comerciales y mercados cubiertos, y los grandes pabellones de las exposiciones universales de la segunda mitad del siglo XIX.
Obtuvo una gran aceptación social en la Inglaterra victoriana a partir del Crystal Palace (Joseph Paxton, 1851). Paxton había experimentado el empleo de estos materiales en la construcción del gran invernadero de Chatsworth House (1837-1840), que impresionó a la reina Victoria y fue imitado en la Palm House del Real Jardín Botánico de Kew (arquitecto Decimus Burton4 y fundidor Richard Turner, 1841-1849). Previamente se había levantado una cúpula de hierro y cristal de 18 metros de diámetro en el Coal Exchange de Londres (James Bunstone Bunning, 1847-1849). Existen precedentes anteriores. Entre 1843 y 1846 se construyó en Italia la cubierta transparente del Teatro Goldoni (Livorno), de Giuseppe Cappellini.
La Palm House de Kew.
Grand Palais de la Exposición Universal de París de 1900
La utilización masiva del acero tanto para las estructuras (Steel Framing) como para elementos visibles y de una "piel" exterior acristalada (curtain wall o "muro cortina") es característica de la arquitectura funcionalista y los rascacielos del Movimiento Moderno y la segunda escuela de Chicago (Mies van der Rohe), a partir del segundo tercio del siglo XX (más recientemente, los sistemas de cerramiento exterior con double-skin facade o fachada ventilada).
Edificio Chrysler, William Van Alen (1928-1930).
Apartamentos Lake Shore Drive, Mies Van der Rohe (1949)
Edificio De la Bauhaus en Dessau, Walter Gropius (1926).
Torre Agbar en Barcelona, Jean Nouvel (2005)
El Palacio de Cristal de Patxon, La Galería de las Máquinas de Dutert y Contamin y la Torre Eiffel de Gustave Eiffel. Ejemplos en Madrid: Estación de Atocha de Alberto Palacio, Palacio de Cristal del Retiro de Velázquez Bosco, Mercado de San Miguel de Alfonso Dubé y Diez.�
El Crystal Palace estuvo listo para Julio de 1851, mes de la Gran Exposición. En 1853 fue desmontado y llevado a Sydenham Hill donde permaneció hasta 1936 año en el que un incendio
Exposición Universal de Londres 1851.
Se expusieron las grandes máquinas agrícolas de Estados Unidos.
Frente a la tecnología generada en Europa, las máquinas americanas presentaban un interés mayor por el concepto de estandarización en la fabricación.
Lo cual derivaba de la naturaleza de la máquina.
Central Dome of the Gallerie des Machines, Exposition Universelle de Paris, 1889,
Palacio de Cristal del Retiro de Velázquez Bosco,
El Palacio de Cristal es una estructura de metal y cristal situado en el Parque del Retiro de Madrid (España). Fue construido en 1887 con motivo de la Exposición de las Islas Filipinas, celebrada ese mismo año. En la actualidad en su interior se realizan exposiciones de arte contemporáneo.
Su estructura es de metal y está totalmente recubierto por planchas de cristal, de ahí su nombre. La decoración cerámica utilizada en pequeños frisos y remates es obra de Daniel Zuloaga; de ella destacan las figuras de grutescos con cabezas de ánades.
El 10 de mayo de 1936, el Palacio de Cristal del Retiro fue el escenario en el que se eligió a Manuel Azaña como presidente de la República. Las Cortes se habían quedado pequeñas para acoger a la asamblea mixta de diputados y compromisarios, y el Palacio de Cristal fue elegido para la votación y toma de posesión. Azaña, único candidato, salió elegido por 754 votos de 874.
Mercado de San Miguel de Alfonso Dubé y Diez.
El Mercado de San Miguel, ubicado en la plaza del mismo nombre, junto a la Plaza Mayor de Madrid, es un mercado cuya característica más remarcable es que conserva su estructura original de hierro de principios del siglo XX, que fue declarada Bien de Interés Cultural en el año 2000. Tiene dos plantas y una superficie de 1.200 metros cuadrados.
El mercado de San Miguel fue construido entre 1913 y 1916 bajo la supervisión del arquitecto Alfonso Dubé y Díez, inspirado en otros mercados europeos realizados en hierro al estilo del de Las Halles de París.
Es el único mercado de estructura de hierro que todavía existe en Madrid, tras la demolición de los otros cuatro existentes en los Mostenses, la Paz, Chamberí y la plaza de la Cebada.
Sin embargo, su uso como mercado es muy anterior, pues en este mismo lugar ya existía desde el siglo XVIII un mercado al aire libre de alimentos. Anteriormente, en esta ubicación se encontraba la iglesia de San Miguel de los Octoes, que es dónde fue bautizado Lope de Vega y que fue demolida tras el incendio de 1790..
– Espacios urbanos e intervenciones artísticas. Arte urbano.�
El término arte urbano o arte callejero, hace referencia a todo el arte de la calle. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a otras diversas formas de expresión artística callejera.
Desde mediados de los años 1990 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, pósteres, pegatinas, murales, grafitis...),
Uno es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 1990, con la aparición de artistas como el estadounidense Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del luchador estadounidense Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de pósteres y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno.
Diferencias arte urbano y graffiti:
Arte Urbano: Es la obra de arte que trata de comunicar mediante dibujos en paredes como los elefantes, estos dibujos y esculturas son de la vida cotidiana que trata de concienciar al mundo de lo que pasa en la sociedad, comunidad y peligros.
Graffiti: Son aquellos grafos que realizan un grupo de integrantes que mantiene un código entre sí, puesto en paredes.
¿Arte o vandalismo? Lo que para algunos es considerado un arte o una expresión de una subcultura, otros podrían considerarlo como contaminación visual, ya que suele romper con el orden y la estética de las ciudades. Por ejemplo, es frecuente el abuso del tagging (firma del grafitero), invadiendo en muchos casos espacios públicos sin una razón artística o estética precisa.
Exponentes del arte urbano: Keith Haring, Banksy, John Fekner, Shepard Fairey, Blek le Rat, Jacek Tylicki. En España son referentes Okuda San Miguel y Fasim entre otros
Un grafiti de Keith Haring en Pisa.
Un grafiti atribuido a Banksy en Belén.
Okuda San Miguel en Canada, 2018
Recursos�
Pevsner, Nikolaus (1982). Academias de arte pasado y presente. Madrid: Cátedra.
Calvo Serraller, Francisco: Epílogo de la obra de Pevsner, Nikolaus (1982). Academias de arte pasado y presente
Torrent Esclapés, Rosalía(2018) Arte y diseño industrial Hibridaciones y conflictos http://kepes.ucaldas.edu.co/downloads/Revista18_5.pdf
Educación artística http://despeg-arte.blogspot.com/2012/03/educacion-artistica-en-la-antiguedad.html
Obras más importantes de Okida San Miguel Revista AD
https://www.admagazine.com/cultura/okuda-san-miguel-obras-mas-impresionantes-20200904-7375-articulos