BLOQUE I
Metodología
– Metodologías de estudio de las formas, las funciones y los significados asociados a los movimientos y estilos artísticos, y de análisis técnico y procedimental de la obra de arte.�
Análisis de la obra de arte:� guión para el análisis�
El análisis de una obra de arte dentro del ámbito académico, es un ejercicio práctico en el que a partir de la imagen de una obra se ha de desarrollar un análisis y comentario escrito de la misma aplicando los conocimientos teóricos aprendidos en la materia Fundamentos del arte.
Es una tarea estructurada y compleja en la que se deben de combinar ordenadamente los datos (nombres, fechas, características generales…), el uso adecuado de la terminología específica de la materia, la capacidad de análisis y de redacción.
No hay que confundir estos comentarios académicos con la crítica de arte o las valoraciones personales e informales al hablar de arte.
Guión para comentar una obra de arte
Precisamente porque es una tarea estructurada es posible seguir un guión fijo con los campos a cubrir en el comentario. No existe una manera única de ordenar estos datos, por lo cual es conveniente prestar atención a las preferencias del docente y seguir sus indicaciones particulares.
1-Descripción de la imagen
Qué se ve en la imagen.
2-Identificación de la obra
Qué tipo de obra es: arquitectónica, pictórica, escultórica…
Cuál es su nombre o título
Localización en el tiempo y en el espacio
3-Análisis temático de la obra
Tema
Función
Simbología: Iconografía e iconología
De Jan Brueghel el Viejo la vista- Museo del Prado, Madrid, Dominio público
4-Análisis técnico de la obra Pictórica
Descripción de la técnica o sistema empleado
Estado de conservación
Pintura tecnica: pigmentos, soportes, instrumentos.
5-Pintura Forma:
– La forma: figuración y abstracción.
– Dimensiones y emplazamiento. Condicionantes del marco.
– Proporciones: el canon. Deformaciones expresivas y perspectiva jerárquica. Proporción áurea.
– Línea y factura: lo lineal y lo pictórico.
– El color: Rueda de colores. Tono, saturación y valor. La interacción del color. Armonías cromáticas. Simbolismo en el color.
– Luz difusa, dirigida, reflejada. Claroscuro y el tenebrismo. Valor simbólico de la luz.
– La sombra: sombras propias, proyectadas, esbatimentadas.
– Espacio y perspectiva: Traslapos, gradientes de tamaño. Perspectiva lineal, aérea, invertida, abatida y convexa. Procedimientos de captura del espacio.
– Composición: estructura, centros de atención. Masa y vacío.
Análisis de la Escultura
4-Descripción de la técnica escultórica
Técnicas y materiales: Técnicas sustractiva, aditiva, constructiva.
Terracota, piedra, madera, metales. Fundición y forja. Instrumentos. Nuevos materiales en la escultura contemporánea.
5-La Forma Escultórica:
– La forma: figuración y abstracción.
– Dimensiones y emplazamiento . El marco de la escultura exenta y del relieve.
– Proporciones: el canon a través de la historia. Desproporciones expresivas y simbólicas. Correcciones ópticas
– Factura: texturas y efectos de luz.
– El color en la escultura: cromatismo de materiales y policromado
– Composición: El punto de vista. El movimiento en la escultura. Masa y vacío.
– Pátina y relieve.
Análisis de la obra Arquitectónica
4-La técnica, La estructura
– Materiales y aparejos.
– Muro y vano.
– Elementos sustentantes y sustentados. Pilares y columnas. Órdenes de la arquitectura clásica.
– Arquitectura adintelada y abovedada. Cubiertas: armaduras y bóvedas.
– Representación: plantas, alzados, perspectivas isométricas. Realidad virtual.
5-La Forma Arquitectónica:
Emplazamiento y orientación: criterio urbanístico, simbólico, funcional.
– El edificio y su entorno.
– Dimensiones y proporciones . La arquitectura modular.
– La arquitectura como volumen y la relación interior-exterior del edificio.
– Plantas centralizadas y longitudinales. Espacios unitarios y compartimentados. El recorrido visual. La arquitectura como espacio
– Luz reflejada y luz emitida. Valor funcional y simbólico de la luz.
– Color y texturas. La decoración de la arquitectura.
– La interrelación función-técnica-forma.
6-Análisis estilístico de la obra
A qué estilo pertenece (país, escuela, periodo)
Qué rasgos característicos identifican el estilo
Quién es el autor
Qué rasgos característicos identifican al autor
Cómo se enmarca en la producción del autor
Precedentes en la historia del arte
Aportación de la obra y el artista al arte de su época
Influencias que recibe y influencias que aporta.
7-Contextualización de la obra
Circunstancias en las que fue realizada
Rasgos que relacionan la obra con su contexto histórico (artístico, político, religioso, social, filosófico…)
De Jan Brueghel el Viejo y Rubens – El Oído, Museo del Prado,
Métodos para interpretar el Arte a lo largo de su historia
Método Formalista:
El método pretende buscar y agrupar los hechos artísticos de una manera inteligible, para descubrir unas tendencias, unos ritmos en la evolución del Arte, lo que conduce a la búsqueda de unas leyes de carácter universal que puedan explicar la evolución del arte: Esto puede parecer similar al positivismo, pero la gran diferencia viene dada que mientras el positivismo busca leyes fuera de la obra de Arte, el formalismo busca esas leyes en el lógico desenvolvimiento de las formas.
Según los formalistas existen una serie de interrogantes que ningún método ha podido contestar, tales como el porqué de los cambios de estilo en unos casos lentamente y en otros de una forma rápida, el porqué se producen dichos cambios, o el porqué de la modificación de las características compositivas. Todos estos interrogantes necesitan de respuestas que no se pueden encontrar el aspecto físico o en el económico y serán el objeto de estudio de los formalistas.
Para los formalistas las formas artísticas tienen capacidad interna de desenvolvimiento al margen de factores externos, éstas se generan a sí mismas.
En líneas generales Max Doerner pensaba que, al contrario de los positivistas que creían en el continuo progreso del Arte, que éste se repite constantemente a lo largo de su historia, esta repetición viene dada conforme a unos ciclos (ritmos según sus palabras) que se repiten periódicamente.
Wolflin: explica el paso del Renacimiento al Barroco mediante una serie de pases de conceptos que van de lo lineal a lo pictórico, de lo superficial a lo profundo, de la forma cerrada a la forma abierta, de la pluralidad a la unidad, de la claridad a la complicación. Este cambio se produce de modo mecánico obedeciendo a leyes propias del desarrollo interno.(Estas leyes serían de carácter universal y configurarían lo que denominaba la ciencia artística).
EL MÉTODO ICONOLÓGICO:
Este método fue instaurado por Aby Warburg (1866-1929), y continuado fundamentalmente por Erwin Panofsky (1892-1968) en lo que se refiere a pintura y Rudolf Wittkower (1901-1971) en arquitectura. Consiste en líneas generales de un método que reacciona contar el formalismo al pensar que éste no va más allá de las imágenes y no indaga en la interpretación de la obra
En primer lugar y para mayor clarificación del método diferenciaremos iconografía de iconología, el primer término hace referencia a una descripción y primera interpretación del significado del objeto en cuestión por ejemplo una figura con dos llaves nos hablaría de San Pedro; La iconología hace referencia a la ciencia que estudiaría el objeto en cuestión, su origen, obras literarias de donde se ha sacado y proceso por el que ha llegado a tener determinada interpretación, así como su relación (en cuestión de significado) con los restantes objetos.
Consta de los siguientes pasos:
3) La interpretación de la significación intrínseca o contenido, que trata de lo que hemos llamado valores simbólicos, requiere un paso más que el que se ha dado en los anteriores epígrafes, para comprender estos principios se necesita una facultad mental similar a la del que hace un diagnostico, una facultad que Panofsky define como intuición sintética que ha de ser corregido y controlado por una percatación de los procesos históricos cuya suma total puede llamarse tradición.
– La distribución de tareas en los proyectos artísticos: criterios de selección a partir de las habilidades requeridas.�
La distribución de tareas en los proyectos artísticos:
El primer paso a dar en el desarrollo y organización de las distintas fases de un proyecto
cultural y artístico, es el diseño del propio proyecto. Es fundamental determinar los objetivos que se pretenden obtener y visualizar el resultado final para poder establecer los pasos a seguir teniendo en cuenta, el impacto y la transformación social que se quiere alcanzar, la gestión medioambiental y la participación activa e inclusiva de todas y todos los integrantes, ya que todas las acciones que se determinen en esta fase inicial condicionarán la experiencia de todo el proceso.
El diseño del proyecto de forma participativa, cuidadosa, precisa y responsable, proporcionará una visión global de las distintas fases que se determinarán en el proyecto artístico, definiendo cuestiones tales como dónde se quiere llevar a cabo, materiales y elementos que se precisarán, técnicas que se desarrollarán, reparto de roles y participación, coordinación con otras áreas del conocimiento en proyectos interdisciplinares y los resultados artísticos y sociales que se pretenden alcanzar. Por todo ello es fundamental que en esta fase inicial se desarrolle una evaluación del proyecto para optimizar las fases y el producto final.
El equipo humano, las personas
Toda iniciativa cultural implica trabajar con un equipo humano. Este factor es determinante en el éxito o fracaso de un proyecto, por lo que es fundamental tenerlo presente en el momento de planificar una iniciativa cultural.
Los proyectos se llevan a cabo por personas que forman un equipo; además, el proyecto necesita observar claramente las necesidades de personas con sus competencias y habilidades para llevar adelante las tareas.
La determinación de un equipo humano adecuado tiene las siguientes ventajas:
• Lejos de ser una media aritmética de las cualidades y los defectos de cada miembro, permite la conjunción de lo mejor de cada uno y la selección de la mejor calificación del grupo para las tareas a las que se enfrenta.
• La formación de equipos posibilita una cierta independencia del grupo en relación con las personalidades que lo componen, pues puede subsistir más allá de la permanencia de éstas.
• No depende tanto de los ritmos personales de quienes llevan a cabo las tareas.
• El grupo es, en general, más creativo que los individuos que trabajan aisladamente, pues permite aportar más y mejores soluciones a los problemas, a la vez que asume más fácilmente los riesgos que cuando se actúa de forma aislada.
• Con una adecuada coordinación y división del trabajo el grupo tiene acceso a realizar tareas complejas y de mayor alcance que una persona aislada.
• Las decisiones de un grupo suelen estar más fundamentadas, pues manejan mucha información, cuentan con mayores referencias y tienen más posibilidades de anticiparse y rectificar los errores.
• La presencia de otras personas eleva el nivel de motivación de un individuo que realiza una tarea, sobre todo si esta tiene comoexpectativa ser evaluada en su rendimiento, lo que somete al grupo a un peculiar sistema de autocontrol colectivo, nada superficialdesde el punto de vista del rendimiento del equipo.
• El equipo no tiene por qué ahogar las características particulares de sus miembros. Contando con una estructura adecuada, se puede incluso potenciar la heterogeneidad del grupo.
Algunos puntos a considerar al definir y coordinar el equipo humano:
• Asignar con precisión las responsabilidades de cada miembro del equipo. Un mural exponiendolos roles de cada uno puede ser de gran ayuda.
• Para que el trabajo en equipo funcione, cada miembro debe cumplir las tareas.
• A su vez los responsables de cada equipo deben monitorear el cumplimiento de las tareas, confiando en la dedicación de sus miembros, pero corrigiendo las faltas o errores en la ejecución de las mismas.
Ejemplo distribución de tareas en un proyecto colaborativo
– Metodología proyectual. Fases de los proyectos artísticos.�
Metodología proyectual. Fases en la realización de un proyecto:
Fases del desarrollo de un proyecto
El desarrollo de un proyecto se divide en tres etapas: Pre-producción, Producción y Postproducción. Poder visualizar, diferenciar y comprender qué labores corresponden a cada una de estas fases te permitirá una mejor organización para hacer la planificación de un proyecto, y además, te posibilitará mejorar los recursos, tanto técnicos como humanos, lo cual repercutirá en la ejecución del presupuesto.
1- Generación y selección de propuestas La fase de Pre-producción o de Anteproyecto es la etapa previa a la creación o a la ejecución de la obra, fase en la que debes recopilar las ideas previas del proyecto para empezar a definirlo. Esta fase consiste en lo siguiente:
Desarrollar ideas y mapas conceptuales
Definir ideas y objetivos
Seleccionar referentes
Explorar aspectos gráficos, técnicas de simulación gráfica, materiales, herramientas, etc...
Incubación del proyecto: proceso de ideación, registro visual, descripción de las ideas.
Es el 11 de noviembre de 1965: Joseph Beuys se pasea por una Galería de Arte en Düsseldorf vestido con un traje de fieltro y la cara untada con miel y polvo de oro. En sus brazos lleva una liebre muerta y de vez en cuando le susurra al oído la explicación a los cuadros expuestos.
El público mira la acción estupefacto. Observan la escena entre la confusión, la sorpresa y la excitación… ¿A donde llevará todo eso…? Beuys por su parte, no parece reconocer la presencia de su audiencia durante las tres horas que dura su obra de arte.
El artista declara: “Incluso un animal muerto conserva más capacidad de intuición que algunos seres humanos con su obstinada racionalidad”.
‒ Metodología proyectual. Fases en la realización de un proyecto:
2ª fase, Planificación, gestión y evaluación de proyectos artísticos sería la fase de Producción, convertirás tu objetivo en realidad explorando formas de representación, materiales y técnicas, maquetando y ejecutando la obra.
Objetivos Plásticos.
Condicionamientos técnicos.
Estudios de materiales y dispositivos (test)
Organización de elementos: bocetos.
Prototipos.
Presupuestos.
3-Difusión, Post-producción, es la fase que cierra el proyecto. Se concentrará en concretar y organizar el proceso de presentación en público de tu obra. Deberás hacer el balance de toda la actuación anterior y extraer conclusiones. Elabora un cronograma de actividades, para la ejecución del proyecto artístico. Elaboración de fichas técnicas de las obras, texto explicativo, diseño del montaje, catálogo, carteles, etc.
cubrir el Reichstag
700 páginas para la solicitud
Durante 23 años, Christo y su esposa Jeanne-Claude tuvieron que luchar para que se realizara el espectacular proyecto artístico. "Fue, por supuesto, una sensación absolutamente rara verlo de repente hecho realidad, después de tantos años de preparación", "Empleamos a un total de 1.500 personas, 90 de las cuales eran escaladores profesionales, que tuvieron que desplegar nuestros paneles en situaciones peligrosas. Fue un desafío increíble para mí".
‒ Metodología de Bruno Munari.
Fases del Aprendizaje Basado en Problemas (de Diseño). Elaboración propia a partir de Munari (2016).
FASES | APRENDIDZAJE BASADO EN PROBLEMAS DISEÑO |
1-planteamiento del problema | El diseño surge de una necesidad y este contiene elementos para su solución |
2-Definición formal del problema | Sintetizamos los elementos que constituyen el problema y que están en este y su solución, lo que supone identificar el método a seguir para resolverlo. |
3-localización y definición de subproblemas o elementos del problema | Ayudan a desentrañar problemas ocultos y a desentrañar su complejidad |
4-Recopilación de datos | Los subproblemas originan nuevos datos importantes para la fase creativa o ideación de la solución |
5-Análisis de los datos recopilados | Se analizan uno por uno |
6-FASE CREATIVA | Antes de decidirse por una solución, la creatividad considera todas la soluciones que se desprenden del análisis de datos |
7-Selección de materiales y técnica a emplear | Como resultado de la fase creativa, indica las posibilidades materiales y técnicas a nuestra disposición |
8-Fase de experimentación técnica | Experimentación con los materiales y técnicas escogidas que nos permiten obtener datos útiles y la solución a nuestro proyecto |
9-CREACIÓN DE MODELOS | Pueden ser maquetas construidas con los materiales y técnicas seleccionadas y ser mas de un modelo |
10-Comprobación de la validez de los modelos | Por nosotros y otros usuarios para ver su funcionamiento y valorarlo mejor. |
11-Elaboración de dibujos constructivos o bocetos | Previos a la realización del prototipo sirven para transmitir la propuesta al cliente, docente o usuario final |
12-Elaboración final | Solución a las necesidades planteadas |
– Selección de estilos, técnicas y lenguajes.�
En el proceso de realización de un proyecto artístico resulta clave la integración de recursos y de medios para el desarrollo y difusión de los proyectos. Para ello, tanto el uso de lenguajes y técnicas multidisciplinares como la combinación y aplicación creativa de los mismos deben dotarnos de las habilidades necesarias para afrontar con solvencia otros proyectos futuros.
El punto de partida para la elaboración de tales proyectos serán las diferentes manifestaciones artísticas trabajadas enla materia, como por ejemplo la reinterpretación de una obra de arte concreta en base a las características de un estilo artístico diferente
Para el desarrollo de este bloque es recomendable la coordinación con las materias de Dibujo
Artístico, Volumen o Proyectos Artísticos, de manera que partiendo de trabajos desarrollados
en ellas se pueda profundizar en la perspectiva histórica desde esta materia o partir de los
saberes trabajados en Fundamentos Artísticos se desarrollen proyectos en las diferentes
materias.
El tratamiento de la documentación, tanto física como digital, es un componente esencial de todo proyecto artístico.
Esta competencia incide en ese aspecto, considerando tres grandes vertientes en lo relativo a los documentos –textuales, visuales, sonoros, audiovisuales o de cualquier otro tipo– que hayan podido ser utilizados o generados en
el marco del proyecto: por una parte, todos aquellos que aportan una base teórica, informativa o inspiradora; por otra, los que han sido elaborados para dar respuesta a las necesidades concretas de cada una de las fases del proyecto;
y, por último, los que registran el proceso creativo, así como el resultado y la recepción del mismo.
Las tareas asociadas comprenden la selección de fuentes, medios y soportes; la elaboración de
documentos; la organización del material; el registro reflexivo del proceso y de su resultado y recepción; así como el archivo ordenado, accesible y fácilmente recuperable de toda la documentación.
El proyecto artistico desarrollado en la materia Fundamentos Artisticos implicará la selección y utilización de las técnicas, herramientas y convenciones del lenguaje en la producción audiovisual, También crearemos proyectos gráficos colaborativos adaptando el proceso a las características propias del ámbito disciplinar en el que se mueve el Dibujo Artístico y también realizar el proyecto según normas y utilizando diversos tipos de herramientas específicas digitales vectoriales 2D y modelado 3D,