VII SEMANA CULTURAL�2015 Año Internacional de la Luz
ILUMINARTE Luces y sombras
INTRODUCCIÓN
Para el arte, la luz lo es todo. Desde el mismo momento en el que la luz es la fuente que nos posibilita la visión de las cosas.
Para la percepción, la luz es lo más importante. Es capaz de transmitir emociones, de dramatizar las escenas, de conferir credibilidad a lo pintado, de crear ilusiones, etc.
El simbolismo y el dominio, tanto de la luz natural como de la luz artificial, ha sido una cuestión central de las artes: la pintura, la arquitectura, escultura, la danza, el cine… como vemos en esta imagen de la película de Nosferatu donde se crea una atmósfera inquietante fruto del contraste de la luz.
Nombre:
NOSFERATU. 1922
Desde los tiempos antiguos de la humanidad las sombras aparecían a los hombres como algo mágico. En la Edad Media los espíritus de los muertos eran llamados sombras y el infierno recibía el nombre del reino de las sombras.
Niños en la playa, 1910
LA BOCA DEL INFIERNO
EGIPTO
Templo de Abú Simbel. Siglo XIII a.C.
La importancia de la luz en el Antiguo Egipto se observa en los espacios sucesivos del templo, pues en la penetración hacia el santuario se pasa, escalonadamente, de un espacio lleno de luz a una zona en penumbra iluminada por una lámpara de aceite. La orientación de la entrada hace que los rayos del sol iluminen la figura del faraón, en la cámara del fondo, dos veces al año, el 22 de octubre y el 22 de febrero, fechas de su nacimiento y ascensión al trono. Hay pues una gradación simbólica de la luz, para impresionar a los fieles, para transmitir poder; se pasa de mayor a menor luz, de menor a mayor misterio.
EGIPTO AMENOFIS IV
También conocido como Akenatón, fue el décimo faraón de la dinastía XVIII de Egipto. Se casó cuando aún era príncipe con Nefertiti. Su reinado está datado en torno a 1353-1336 a. C. y pertenece al periodo denominado Imperio Nuevo de Egipto. Hacia el cuarto año de su reinado, cambió su nombre a Akenatón.
Dentro de la historia del Antiguo Egipto, su reinado es célebre por haber impulsado transformaciones radicales en la sociedad egipcia, al convertir al dios Atón en la única deidad del culto oficial del Estado. Es el primer reformador religioso del que se tiene registro histórico. Su reinado no sólo implicó cambios en el ámbito religioso, sino también reformas políticas y artísticas.
Akenatón instauró el culto a un dios único, Atón, representado como el disco solar, del cual salían brazos que acababan en manos con el signo Ank de la vida, siendo Akenatón el único profeta del dios e intermediario entre los hombres.
�GRECIA
En las columnas del templo observamos un ejemplo de la utilización de la sombra, que sirve para remarcar el volumen de estas haciéndolas más ágiles y estilizadas, lo cual es acentuado mediante las aristas vivas longitudinales.
EL PARTENÓN. SIGLO V. a..C.
ROMA
La enorme cúpula parece desplegarse con naturalidad sobre el visitante como una repetición de la bóveda celeste. La luz que penetra por él óculo y el reflejo que ésta tendría en la decoración contribuiría a crear un ambiente sagrado. La cúpula evocaría la forma esférica del universo y la iluminación, la luz enviada por los dioses.
PANTEÓN. SIGLO II.d.C.
EDAD MEDIA
En la Edad media, el simbolismo de la luz llega a su cénit. En el arte medieval el simbolismo de la luz estaba estrechamente ligado a la religión, representándose brillos y resplandores que significan lo espiritual, lo del “más allá” . Hay una interpretación simbólica de “la luz como fuente de vida”. Por el contrario, la ausencia de luz se asocia a la oscuridad, a todas las cualidades contrarias.
ABSIDE DE SAN CLEMENTE DE TAHULL. LÉRIDA. SIGLO XII
El Cristo de la imagen sostiene en sus manos un libro con el mensaje “EGO SUM LUX MUNDI” (Yo soy la luz del Mundo)
EDAD MEDIA Románico
La planta de cruz latina, simboliza por su forma la cruz de Cristo y también el cuerpo humano. La cabecera es el símbolo de la cabeza de Cristo, donde se sitúa el altar; el crucero es el espacio donde se unen simbólicamente el mundo terrenal y el celestial, y la nave central es el símbolo de lo terrenal, del espacio-camino que hay que recorrer hasta el ábside, hasta “la luz de Cristo”.
NAVE CENTRAL Y ÁBSIDE DE SAN MARTÍN DE FRÓMISTA. SIGLO XI. PALENCIA
EDAD MEDIA Gótico
Aunque los orígenes de la vidrieras se remontan a la antigüedad, es en el Gótico cuando alcanzan su culminación.. La función de la ventana románica, como foco de luz, ha desaparecido. Aparece la vidriera como creadora de ambiente.
INTERIOR DE LA CATEDRAL DE LEÓN. SIGLO XIII
RENACIMIENTO
En el Renacimiento lo bello se reconoce por la proporción y armonía que muestren los objetos. En esta fachada observamos como la superficie, en su mayoría plana, se conjuga con la materialidad pulcra y reflectante del mármol para generar una luz que resalta el cuerpo y un contorno que remarca la figura.
SANTA MARÍA NOVELLA. SIGLO XV. FLORENCIA
BARROCO BERNINI
La escultura barroca va dirigida a los sentidos, ya que debe conmover al espectador y hacerle partícipe de sus propios sentimientos. En esta imagen, la tridimensionalidad propia de la escultura hace que la iluminación sea particularmente importante en su contemplación, y que se considere la ubicación de las esculturas en su entorno en función de ello. Bernini une aquí arquitectura, escultura y pintura para formar un espacio escenográfico. Una luz mágica y teatral contribuye a crear la ilusión de que el Sol se materializa en el haz de rayos dorados que envuelven a los personajes.
ÉXTASIS DE SANTA TERESA. BERNINI. SIGLO XVII.
Capilla Cornaro. Iglesia de Santa María de la Victoria. Roma
BARROCO EL TENEBRISMO. CARAVAGGIO
El autor deja una zona en penumbra, resaltando el grupo de personas que se encuentran en un espacio oscuro, así logran mayor expresividad. Es una luz que no se sabe de donde proviene. A través de esa luz se insinúa la presencia de lo sobrenatural, aunque no podamos ver ningún ser divino.
En el Barroco, los temas bíblicos se reforzaban mediante la intervención de la luz.
La luz de forma simbólica, la luz divina que ciega y al mismo tiempo abre los ojos a la fe, o la del que no puede ver ninguna luz. Es el tema de la luz triunfadora sobre la oscuridad.
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. CARAVAGGIO 1601.
Iglesia de San Luis de los Franceses. Roma
GOYA EVOLUCIÓN DE LAS LUCES A LAS SOMBRAS
Contemplamos un paisaje de fondo luminoso. La luz se convierte en la protagonista de un momento encantador de disfrute de la vida. El colorido es luminoso y hay un predominio de tonos vivos: rojos, amarillos, blancos, rosas, azules.
LA GALLINA CIEGA. 1787. MUSEO DEL PRADO. MADRID
GOYA
Es una pintura nocturna que constituye una obra maestra del expresionismo por su dramatismo. La luz procede de un enorme farol situado en el centro. LA LUZ concentra la atención del espectador sobre las figuras que van a ser fusiladas y especialmente, sobre el hombre de camisa blanca y con los brazos en alto es una imagen de mártir (como un crucificado). Destaca el color blanco de la blusa sobre la que se refleja la luz del farol que es el recurso que utiliza Goya para iluminar la escena. El farol ilumina a los patriotas y deja en semioscuridad a los soldados franceses.
LOS FUSILAMIENTOS DEL TRES DE MAYO. 1814.
MUSEO DEL PRADO. MADRID
GOYA
En la última etapa de la pintura de Goya se denomina Pinturas Negras, en las que vemos como su paleta y su temática se ensombrecen. Es un Goya pesimista, lejano de los temas alegres, despreocupados, luminosos y coloristas de su etapa de juventud.
El dramatismo se observa especialmente en la boca del dios, desgarrando la carne de su propio hijo, y en la mancha de color representando la sangre. Esta última es verdaderamente desconcertante, ya que es una simple mancha, sin dibujo.
SATURNO DEVORANDO A UN HIJO. 1820-1823.
MUSEO DEL PRADO. MADRID.
ROMANTICISMO�TURNER
Joseph Mallord William Turner
(Covent Garden,Londres 1775 - Chelsea, Londres 1851)
Pintor inglés especializado en paisajes.
Es considerado comúnmente como
"el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al Impresionismo.
Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía sublime que retrata el asombroso poder de la naturaleza sobre el ser humano.
Turner es reconocido como un genio: el crítico inglés, John Ruskin, describió a Turner como el artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza».
“Lluvia, vapor y velocidad” (1844)
IMPRESIONISMO�MONET
Oscar-Claude Monet (París 1840-1926)
Pintor francés, uno de los creadores de la pintura impresionista. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión sol naciente (1872). En la década de 1890, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación, como la de la catedral de Rouen. Su interés residía en la sutileza de los efectos de la luz y su fugacidad.
En sus lienzos, los impresionistas tratan de aplicar las teorías científicas de Chevreul sobre el color y la luz.
POSTIMPRESIONISMO�VAN GOGH El Sembrador 1888
“Es un hecho que, en la vida, el bien es una luz situada a una altura tan grande que parece natural no poder alcanzarla. Si la luz es el símbolo del bien, de lo bello, de lo verdadero, la fuente luminosa por excelencia, el Sol, sólo podrá ser Dios”
Vincent van Gogh (Países Bajos1853-Francia 1890)
Pintor neerlandés, uno de los principales exponentes
del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros.
Se convirtió en pastor protestante y en 1879, marchó
como misionero a una región minera de Bélgica, donde
comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local.
En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, tras conocer a los impresionistas y se trasladó al sur de Francia.
Jarro con doce girasoles 1888
La noche estrellada 1889
LUMINISMO�SOROLLA
Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia 1863 - 1923)
Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista. En 1894 viajó a París, donde desarrolló su estilo pictórico denominado “Luminismo", que sería característico de su obra a partir de entonces. Comenzó a pintar al aire libre, dominando con maestría la luz y combinándola con escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea.
Paseo por la playa, 1909
Niños en la playa, 1910
CUBISMO�PICASSO
Esta serie de fotografías, conocida como “dibujos de luz” de Picasso, se hicieron con una pequeña luz eléctrica en una habitación oscura. Muchas de ellas también se exhibieron a principios de 1950 en una exposición en el Museo de Nueva York de Arte Moderno.
En EL GUERNICA (1937), Picasso renunció al color para centrarse en el uso expresivo de la luz y el claroscuro. La luz queda simbólicamente materializada en la lámpara (verdad oficial del suceso) y el quinqué que porta la mujer grito, símbolo de la verdad que es la que en realidad ilumina la escena. El testimonio del proceso creativo de esta obra lo fotografió DORA MAAR.
FOTOGRAFÍA�MAN RAY
Proceso de capturar imágenes y luego almacenarlas en un medio material sensible a la luz, que se basa en el principio de la cámara oscura.
Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (1890 - 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista.
Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.
En 1922, Man Ray inventa los “rayogramas” (rayographs). Es una técnica de obtención de imágenes sin cámara fotográfica. Las imágenes que se obtienen utilizando como fuente de luz la ampliadora; cuando ésta se enciende proyecta una serie de sombras que se reproducen en el papel y dan lugar a la imagen.
“Me revelé contra mi cámara fotográfica y la tiré”.
FOTOGRAFÍA “ESCRITURA CON LUZ”�MOHOLY-NAGY�
László Moholy-Nagy (Hungría 1895 – Chicago 1946) Aunque su verdadera pasión fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos de los años 20, pionero en este campo.
Profesor de la escuela alemana de la Bauhaus elabora una teoría estética de la luz (La luz como matriz del arte, el arte como arte de la luz) que aplicará tanto a la pintura como a la fotografía, la escenografía y el diseño. La luz fundamenta toda su obra, ya que para él, cualquier arte adquiere sentido en la medida en que refleja la luz.
En su faceta como profesor de la Bauhaus se mantuvo siempre fiel a su ideal pedagógico concebido como educación moral del ser humano que integrara lo racional, lo afectivo y lo sensorial.
Trató de acercar la comprensión del arte contemporáneo al espectador. “Si nos gusta lo que comprendemos podremos también comprender el arte contemporáneo si nos adentramos en él y entendemos sus reglas”
CINE “EL CINE, RELACIONES DE MOVIMIENTOS ENTRE PROYECCIONES DE LUZ”�EXPRESIONISMO ALEMAN: MURNAU “Nosferatu”
Periodo artístico que abarca desde la finalización de la Primera Guerra Mundial hasta comienzos de la década de los 30. La expresión cinematográfica era la conversión del séptimo arte en una herramienta con la que escapar de la realidad.
Prueba de ello es Nosferatu (F.W. Murnau, 1922), la primera adaptación cinematográfica de la novela de Bram Stoker. Fue la primera película rodada en exteriores. En ella MURNAU utilizó recursos técnicos vanguardistas, como el empleo de película negativa para señalar el paso del mundo real al ultrarreal y para lograr los efectos especiales realiza fundidos y sobreimpresiones en las apariciones sobrenaturales del vampiro. NOSFERATU muere desintegrado con la luz del sol.
CINE �CINE NEGRO AMERICANO: C.REED “ El tercer hombre”
Subgénero dramático nacido en Estados Unidos entre la década de los 40 y 50. Es el llamado noir, en cuya estética predominan las sombras duras de personajes y/u objetos potenciados por una iluminación influenciada artísticamente por el expresionismo. Una de las escenas más memorables, calificada como la mejor introducción de un personaje en la historia del cine es la aparición de Orson Welles en El tercer hombre. Bajo un claroscuro tan notable que apenas se le distingue la silueta, su personaje se descubre inesperadamente al revelar su rostro por una luz de habitación. Los personajes se mueven de luz en luz, es decir, los actores debían de conocer exactamente donde moverse, pero sobre todo, saber detenerse justo en la zona iluminada. Robert Krasker , director de fotografía de la película, es el responsable de esa maravilla. Se encargó personalmente de que los exteriores, en concreto, las escenas nocturnas de Viena, y los pavimentos estuvieran mojados, creando así un magnético brillo gracias al reflejo del agua. La luz en la oscuridad.
¿Hasta qué punto influye la iluminación en las interpretaciones de los actores?¿Y en una película?
ESCULTURA�ISAMU NOGUCHI
(1904-1988)
Fue hijo del poeta japonés Yone Noguchi y la escritora americana Leonie Gilmour, pasó su infancia en Japón y a partir de su adolescencia en América. Empezó los estudios de medicina en la Universidad de Columbia, estudiando paralelamente cursos sobre escultura.
Artista y diseñador americano- japonés, dedicó su vida a la experimentación artística. Creó esculturas, jardines, diseños de mobiliario e iluminación, cerámica, arquitectura y escenografía. Su obra, a la vez sutil y audaz, tiene una fuerte creencia en la escultura de importancia social.
En 1951 creó las Akari Light Sculptures, más de 100 modelos en total. Para designarlas, eligió la palabra “akari”, expresión japonesa que significa claridad y luz y que también incluye el concepto de ligereza. Inspirado en los farolillos japoneses, sus Akari no eran tanto objetos funcionales como una exploración artística de la luz y de la forma, convirtiéndose en las primeras esculturas luminosas jamás creadas.
MINIMALISMO “MENOS ES MÁS”�DAN FLAVIN
Dan Flavin ( Nueva York 1933 –1996) fue un artista conceptual de mediados del siglo XX que se desarrolló bajo la corriente minimalista. Fue un pionero en la utilización de luces fluorescentes como instrumentos artísticos. Definido como
«el escultor de la luz fluorescente», continuó trabajando con la luz y sobre todo con el color, ayudado por las nuevas tecnología industriales, centrado en que sus esculturas transformaran la atmósfera donde se instalasen, a través de los efectos ópticos creados por los tubos de neón de color.
INSTALACIONES�BRUCE NAUMAN
Indiana 1941. Artista multimedia, se expresa a través del videoarte, de la escultura, de las instalaciones o de la performance. Es uno de los cinco artistas vivos más cotizados del momento. En 1960 ingresó en la Universidad de Madison (Wisconsin), donde estudió matemáticas, física y arte, y entró en contacto con los textos del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein, cuya preocupación sobre la influencia del lenguaje en la formación de la percepción ejercieron una fuerte influencia en su obra.
A finales de los ochenta, introduce el neón y la luz definitivamente como elemento base de sus obras, lo que le permite también jugar con el lenguaje creando contradicciones entre la palabra y la imagen.