LA PINTURA DEL CINQUECENTO

Características de la pintura:

​

Mayor idealismo y subjetivismo

​

Se abandona lo anecdótico. El tema central se unifica. Los marcos

arquitectónicos casi desaparecen.

​

Preocupación por la composición: sencillas y geométricas

​

Logro de la perspectiva y la tridimensionalidad. Adquiere una profundidad más natural: perspectiva aérea.

​

Estudio del juego de luz y sombra.

​

Dominio Absoluto del dibujo, del movimiento, del color.

​

Rafael Sanzio

Los desposorios de la Virgen Óleo sobre tabla. Pinacoteca de Breda. Milán

• El tema está tomado del evangelio apócrifo de Santiago. Según la leyenda, la elección de pretendiente para la Virgen María era complicada porque había unos cuantos interesados. El sacerdote Zacarías pidió a los jóvenes interesados que llevaran todos una vara y el dueño de la que floreciera cuando fueran colocadas sobre el altar sería el que se desposaría con la Virgen. José fue el que tuvo tal ventura, por eso se le representa con una vara florecida.

• El templo circular es como el templete de san Pietro in Montorio, en Roma, realizado por Bramante.

• San José tiene seis dedos en el pie, no por un error, sino porque se creía que esta anomalía indicaba un sexto sentido para interpretar acontecimientos o sueños.

La Escuela de Atenas

Estancia de la Signatura

Heráclito

�Euclides

Pitágoras

Autorretrato

Baltasar de Castiglione

El papa León X y dos cardenales. Óleo sobre lienzo

El Cardenal. Óleo sobre tabla

La Fornarina o retrato de una joven

• Tradicionalmente se ha considerado que se retrata aquí a la amante semilegendaria de Rafael.  La mujer fue identificada durante el siglo XIX con la fornarina (panadera) Margherita Luti, hija del panadero Francesco Luti da Siena.

La Virgen del Jilguero�

La Madonna del Gran Duque. Óleo sobre tabla

La Transfiguración Temple y óleo sobre madera. Museos Vaticanos

La parte superior de la pintura muestra la transfiguración de JesucristoLa parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte TaborLa parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con CristoLa parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para transformarse en Espíritu SantoLa parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para transformarse en Espíritu Santo entre los profetasLa parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para transformarse en Espíritu Santo entre los profetas MoisésLa parte superior de la pintura muestra la transfiguración de Jesucristo en el monte Tabor, con Cristo transfigurado flotando en frente de nubes suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para transformarse en Espíritu Santo entre los profetas Moisés y Elíascon quienes está conversando, según el relato del evangelista Mateo. Debajo de él hay tres discípulos, en tierra, asustados.

Las Tres Gracias. Óleo sobre tabla. Museo Condé Chantilly. Francia

El sueño del caballero

• Fue una obra de encargo de Scipione di Tomaso Borghese con motivo de su Confirmación que forma pareja con El sueño del caballero (National Gallery de Londres)

• Formaría pareja con las tres gracias aludiéndose a la elección entre la vida virtuosa o la vida placentera, simbolizadas ambas como Atenea y Venus respectivamente.
• Las Gracias aparecen desnudas y agrupadas como en la antigüedad.   Las figuras forman un conjunto encantador por la elegancia de las actitudes y la pureza de las líneas que se destacan sobre el fondo de un paisaje accidentado. Se puede afirmar que la fisonomía de las tres doncellas se hallan a la altura de las mejores realizadas por el pintor y representan el prototipo de la belleza de la escuela clásica italiana.

El Triunfo de Galatea Fresco Villa Farnesilla. roma

La bella nereida fue pretendida por Polifemo pero ella prefirió el amor del pastor Acis que fue aplastado por el gigante bajo el peso de una roca.

Galatea ha sido representada por Sanzio siguiendo a Poliziano escapando, montada en una concha tirada por delfines, de las flechas que lanzan los amorcillos. La nereida está rodeada de ninfas y tritones que no pueden escapar de los dardos del amor y se contagian de la sensualidad que envuelve al conjunto. 

La composición está presidida por el dinamismo del momento, creando Rafael un espectacular movimiento hacia el exterior del que se contagian todos los personajes, en variados escorzos. 

Santa Catalina de Alejandría

Puttis

Madonna Sixtina Virgen acompañada de San Sixto y Sta. Bárbara. cuadro realizado para el altar mayor de San Sixto en Piazenta,

Madonna Sixtina Virgen acompañada de San Sixto y Sta. Bárbara. cuadro realizado para el altar mayor de San Sixto en Piazenta,

Leonardo

Da Vinci

1452-1519

El hombre de Vitrubio, canon del cuerpo humano

La adoración de los magos

San Jerónimo.- Cuadro inacabado. Museos Vaticanos

La Virgen de las Rocas. Óleo sobre lienzo- Museo del Louvre

• La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del Museo del Louvre  fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en Londres aún permanece sobre tabla.

Óleo sobre tabla. National Gallery Londres

Leonardo eligió pintar un momento apócrifo de la infancia de Cristo, cuando Juan el Bautista niño (San Juanito), huérfano, refugiado dentro de una gruta y protegido por un ángel, encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto.�De acuerdo con la interpretación tradicional de las pinturas, representan a la Virgen María en el centro, empujando a Juan hacia Jesús, que está sentado con el ángel Uriel. Jesús está bendiciendo a Juan, que extiende su mano en un gesto de oración.

La última cena �(fresco.- Refertorio del Convento de Santa María de la Gracia.- Milán).

No es un fresco  tradicional, sino un mural  ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido.

Desgraciadamente, el empleo experimental del óleo sobre yeso seco provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro hacia el año 1500 lo cual provocó numerosas restauraciones en la magnífica obra

Retrato de un músico.- óleo sobre tabla..- Milán

La Dama del Armiño.- (Óleo sobre tabla. Cracovia-Polonia)

• Se cree que la obra representa a Cecilia Gallerani, la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán.
• Es uno de los cuatro retratos de mujer pintados por Leonardo.

Ginebra de Benci.- temple y óleo sobre tabla. Galeria Nacional de Arte. Washington

Fue una dama de la clase aristocrática del siglo XV  de Florencia, admirada por su excepcional inteligencia por sus contemporáneos florentinos.

La Belle Ferronière.- Óleo sobre tabla. Museo del Louvre.

Fue una de las amantes del rey Francisco I de Francia. Era una burguesa de París, y recibiría su nombre de la profesión de su marido,ferronnier (ferretero, persona que comercia con hierro), o simplemente del nombre de su marido, llamado Ferron. Este hombre fingió tolerar la conducta de su mujer, pero secretamente ideó una forma odiosa de deshacerse de ella y su amante real, contrayendo la sífilis. Ella murió pronto y Francisco I no se curó jamás. �Esta mujer dio su nombre (ferronière) a una joya que consistía en una cinta o cadena que rodea la cabeza, inmovilizando el cabello, y que se cierra sobre la frente con un camafeo o una piedra preciosa. Este adorno se puso de moda entre las mujeres de Francia e Italia delSiglo XVI, usándose para ocultar lesiones sifilíticas.

La dama de esta obra de Da Vinci usa esa joya, lo cual dio lugar a un error de catalogación. En realidad, se ignora quién es la retratada.

La Gioconda.- Óleo sobre tabla.�Múseo del Louvre�

• Estamos ante la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre. Leonardo con su gran domino de las luces y las sombras genera una sonrisa desconcertante. Una sonrisa que no aprecias si te fijas en ella directamente, te das cuenta de esa amarga sonrisa cuando contemplas la globalidad del cuadro. Es una sonrisa sutilmente insinuada que más parece indicar desasosiego y melancólica que alegría. 

LEDA Y EL CISNE.- Temple sobre tabla.

Representa a Leda, reina de Esparta y Zeus, metamorfoseado en cisne , a los pies de Leda se encuentran los cascarones que ella ha puesto y de los que salen Helena , Clitemnestra  y los dioscuros gemelos Cástor y Pólux.  

Hoy se asume que es una copia y no precisamente del original, sino una recreación a partir del cartón realizada por un discípulo leonardesco.

Cabeza de Medusa

La Virgen, el niño y Santa Ana.- Óleo sobre tabla.- Museo del Louvre.

Es la tercera de las versiones que hiciera tratando el mismo tema

 La obra aparece inacabada, pues, como en muchas de sus obras, Leonardo trabajaría en la pintura durante largo tiempo antes de entregarla, siendo un buen ejemplo de la continua búsqueda del genio renacentista en la composición de las figuras, en la aplicación de la técnica del sfumato y en la maduración del significado de la escena, de la que se conservan abundantes dibujos preparatorios en el mismo Museo del Louvre, logrando finalmente innovadores modelos y formas de sombreado que definen su genialidad y que serían fuente de inspiración para numerosos artistas de la siguiente generación.

San Juan Bautista.- Óleo sobre tabla. Múseo del Louvre

Fue una de las últimas pinturas del autor y, sin duda, una de las más debatidas. Hay mucha polémica sobre el significado de la mano del santo apuntando hacia arriba, y su sonrisa enigmática ha provocado discusiones semejantes a las de la Mona Lisa.

Leonardo

Madonnas

Virgen del Clavel. Óleo sobre tabla. Munich

• La figura de la Virgen parece aflorar de la penumbra de la estancia en contraste con el luminoso paisaje que aparece en el fondo a través de dos ventanas geminadas, esto es, partidas en dos Este magnífico paisaje, con montañas o cordilleras que parecen reflejar la luz del sol. En este paisaje se observa la utilización del color y de la perspectiva aérea propia de Leonardo.

Virgen de la Rueca o Virgen del huso.- Óleo sobre lienzo. Colección privada Nueva York

• Es el título de varias pinturas (al menos tres) ejecutadas copiando un original (hoy perdido) de Leonardo.

Madonna Litta.- Temple sobre tela. M. Hermitage

Es una pintura atribuida por muchos especialistas a Leonardo. La extraña postura del Niño, sin embargo, ha llevado a algunos autores a atribuir partes de la pintura a alguno de sus alumnos

Madonna Benois.- Óleo sobre tabla. M. Hermitage

La pintura representa a María y a su hijo en un juego de miradas que resulta muy natural y que no puede encontrarse en ninguna pintura italiana de la época. En particular resultaban novedosos, la expresión de la Virgen y su rostro en forma de triángulo invertido; posteriormente, Leonardo perfeccionará el modelo en  “La Virgen de las Rocas”. Es una madre con su hijo en momentos privados, reflejando una preciosa emoción entre ellos, a través de las miradas y los suaves ademanes de las manos. Esta era la intención del autor, que pareciesen naturales

Hallada una posible obra inacabada de Leonardo da Vinci�

• Los expertos han anunciado este lunes el posible hallazgo de un fresco inacabado de Leonardo da Vinci. Se trata al parecer de la obra La batalla de Anghiari, un fresco de 1505 que mostraba los horrores de la guerra y que Da Vinci no tuvo tiempo de finalizar. La pieza se ha localizado con la ayuda de microcámaras bajo un fresco de Giorgio Vasari que decoraba una de las salas principales del Palazzo Vecchio, sede de la alcaldía de Florencia.

'La batalla de Anghiari', en la copia que hizo Peter Paul Rubens en 1603.

Uno de los elementos determinantes que hace pensar a los historiadores que se trata realmente de una pieza de Da Vinci es que la pintura negra utilizada es la misma que empleó el artista para pintar La Gioconda.

La pista de La batalla de Anghiari se perdió hacia finales del siglo XVI pero la obra se hizo famosa por artistas como Peter Paul Rubens que se inspiraron en ella e incluso la reprodujeron. Las autoridades culturales de Florencia están convencidas de que Vasari pintó en 1563 su Batalla de Marciano encima del fresco de Da VInci.

Esta investigación ha despertado una enorme controversia en Italia, donde un centenar de historiadores han firmado un manifiesto en el que denuncian que se trata de una operación publicitaria "a lo Dan Brown", el autor del best-seller El código Da Vinci. Los expertos han criticado, además, que las microsondas utilizadas han dañado el freso de Vasari.

"Este hallazgo es estimulante, más si tenemos en cuenta que estamos en una fase preliminar de la investigación y que queda mucho trabajo para resolver el misterio. Pero las pruebas nos sugieren que vamos por el buen camino", ha explicado en rueda de prensa Maurizio Seracini, profesor de Historia del Arte en la Universidad de San Diego (California) e impulsor de la investigación.

La otra Gioconda

Esta copia fue pintada en el taller de Leonardo da Vinci  El cuadro comparado con el original presenta algunas pequeñas diferencias pero lo más interesante, según Falomir, demuestra que el cuadro, "con absoluta certeza", está hecho en el entorno de Leonardo da Vinci o en el propio del taller del pintor. 

Miguel Ángel

Sagrada Familia�Tondo Doni Óleo y temple sobre tabla. Galería Uffizi.Florencia

Capilla Sixtina

• La famosa capilla se encuentra a la derecha de la Basílica de San Pedro. Fue construida entre 1477 y 1480 por orden del papa Sixto IV , de quien toma su nombre Recién terminadas las obras, un grupo de pintores que incluía a Botticelli pintaron una serie de paneles laterales al fresco. Desde la época de Sixto IV, la capilla ha servido como lugar de diversas actividades papales. Hoy es la sede del cónclave, la reunión en la que los cardenales eligen a un nuevo Papa.  

La Sibila de Delfos

Isaías

Daniel

Zacarías

Ezequiel

Isaías

Sibila libanesa

La batalla de Cascina

• Miguel Ángel nunca llegó a pintar esta obra, sino que solo hizo el cartón (modelo) previo, que fue destruido y la obra es conocida por la copia realizada por Bastiano da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio Raimondi.
• La obra nació cuando, en 1503, la Señoría de Florencia ideó una gran decoración para la Sala del Consejo (actualmente sala del Cinquencento) del Palazzo Vecchio. Encargó a Leonardo da Vinci un fresco celebrando La batalla de Anghiari y la victoria sobre los milaneses, y otro a Miguel Ángel, de La batalla de Cascina y la victoria sobre los pisanos.
• Para la obra, Miguel Ángel no eligió como motivo la lucha sangrienta de florentinos y pisanos, sino el instante previo cuando aquéllos fueron alertados del ataque. Demostró su gran dominio del desnudo, junto con el movimiento dinámico y de creación hasta agotar todas las posibilidades expresivas con gran variedad de técnicas

Leda y el cisne.- Copia del siglo XVI de un cuadro desaparecido de Miguel Angel

• Leda y el Cisne es un tema de la mitología griega, según la historia, Zeus tomó la forma de un cisne y violó o sedujo a Leda en la misma noche que ella se acostó con su esposo, el rey Tíndaro.  En algunas versiones, ella puso dos huevos de los que nacieron los niños.
• Este tema era uno de los más controvertidos y peligrosos de representar en el Renacimiento, de ahí que varias representaciones pictóricas del mismo fuesen destruidas. Este sería el fin que tuvo la representación de Miguel Ángel. Tanto la pintura de Leonardo como la Miguel Ángel desaparecieron en la colección de la familia real francesa, y se cree que han sido destruidas por las viudas moralistas o por los sucesores de sus dueños.