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MESA 7: FEMINISMOS Y DANZA
II CONGRESO INTERNACIONAL DE FILOSOFÍA DE LA DANZA
MESA 7: FEMINISMOS Y DANZA (Salón de Grados UNED, jueves 6 de junio de 9 a 11)

Por razones de aforo, es necesario inscribirse en cada una de las actividades a las que vas a asistir. Lamentamos los inconvenientes que esto pueda ocasionar. Por favor, ten en cuenta que reservas una plaza que no podrá ser ocupada por otra persona si no asistieras. Incidencias: filosofiadeladanza@gmail.com

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FEMINISMOS Y DANZA Moderación: Nuria Sánchez Madrid
ADELINE MAXWELL "HACER DANZA EN LOS TIEMPOS DEL #YOSITECREO: RELACIONES DE PODER, FEMINISMOS Y DECONSTRUCCIÓN"

Doctora en Artes Escénicas (CTEL-UNICE), Master en Danza (UNSA), diplomada en Investigación Social sobre el Cuerpo (UdeChile) y en Historia del Arte (Lille III). Creadora y co-directora del Núcleo de Investigación sobre Corporalidad y Artes Escénicas (N.I.C.E.), ha concebido los Encuentros sobre Danza y Género y el Festival en Espacio No-urbano. Editora/autora de la plataforma y red DanzaSur y directora del taller nómade Cartografías Imaginarias, actualmente organiza los Nuevos Talleres Colaborativos FeminismoSdanzaDecolonialidad (NTC FdD) con la complicidad del Centro Nacional de la Danza (CND, Francia) y termina su post-doctorado sobre «Post-identidad y decolonialismo en la danza contemporánea Latino-Americana» en la Universidad Montpellier III en Francia.

El nexo entre los estudios en danza y los estudios de género ha posibilitado variadas reflexiones sobre la paradoja que contiene el campo de la danza, al ser generalmente comprendido y mitificado como un arte “femenino” siendo, sin embargo, ceñido por un poder indiscutiblemente “masculino”. Somos, en cantidad, muchas más mujeres. Pero este fenómeno cuantitativo no aparece hasta mediados del siglo 19, y hasta hoy, los hombres no han sido destronados. Existen estereotipos de género en la representación dancística y en sus “sub-textos”, en los estados del cuerpo, en la ejecución de los movimientos, en los modos de transmitir y en las relaciones construidas en sus ficciones. Cuando practicamos, estudiamos y creamos danza: ¿Cómo nos relacionamos? ¿Qué sucede entre nosotros.as en el cotidiano que le dedicamos? ¿Cómo se manifiestan las relaciones de poder? ¿Podría existir la danza que conocemos sin esas relaciones? ¿Dónde ponemos sus límites? ¿Podríamos encontrar otros modos? ¿A quién le convendría y a quién no? ¿Por dónde empezar? ¿Y si hablamos de nuestras heridas?


ARNO PLASS "DANCING QUEER TANGO TO CHANGE THE FUTURE? - THE BODY SCHEMA AND ITS VIRTUALITY"

Austrian, based in Vienna, dancing since childhood, unconventional way of professional life, actually working in mental health and teaching at several Austrian universities - and hopelessly fallen into Queer Tango.

In Russia two women were expelled from a milonga, just because they were two women dancing together. Though the situation for queers in Russia is dificult, heteronormativity acts on a deeper level – the body schema. Power structures work behind the scenes, gendered norms restrict the ways that allow individuals to act. Practices like Queer Tango have the potential for integration. It breaks with conventional gendered role stereotypes and allows to integrate different qualities within each dancer. The theoretical concept of the body schema (Bernhard Waldenfels) depicts how our bodily knowledge allows to project past experiences as possible future consequences, and therefore allows to anticipate possible harm and possible joy. I do think Queer Tango, focussing here on the aspect of switching roles and playing with the different qualities, is actually a practice that has positive impact on the body schema concerning difference. It is a practice that teaches to stay in contact playing respectfully with the other because both dancers know the qualities of leading and following, of proposing and interpreting. Queer Tango creates a dialogue acknowledging the other.

EDUARDO BLÁZQUEZ MATEOS "ESCENOGRAFÍA Y MITOLOGÍA FEMENINA"

Profesor titular en Artes Escénicas por la URJC, docente en el Instituto Universitario de Danza Alicia Alonso. Doctor en Historia del Arte. Ha sido docente en la UAM y en la Universidad de Salamanca. Imparte clases en el Máster y en el Grado Superior de Artes Escénicas. Ha sido director de tesis sobre zapateado flamenco, Balanchine, El Performance Art en Viena, Carlos Saura, Nacho Duato,… Entre sus libros destacan: Claves de la Escenografía, Iconografías de lugar en la danza, Ofelias en el Cine, Divino Escenario, Mito y Artes Visuales… Es director del Museo de Diosas y de Ninfas.
Las fábulas de Dafne y de Ariadna, bailarinas en la mitología pagana, forman parte de la historia de la danza, ambas generan una estética marcada por la presencia de los ideales feministas que, apoyándose en la antropología de lo imaginario y en la mitología, construyen un espacio escénico vegetal orquestado por el concepto de Laberinto. Las arquitecturas simbólicas y las construcciones soñadas, el Teatro de la Naturaleza y el jardín-escenario, el parnaso o la gruta, la pérgola o la fuente, se presentarán en las artes escénicas y en el arte efímero bañadas por ideales femeninos, destacando la iconografía de lugar y de tiempo en la imagen de la Mujer, que remiten a las utopías del Renacimiento y a los poemas abismales del Romanticismo. Se construye el escenario para el cuerpo solar femenino de los ballets dedicados a las humanistas Circe, Armida, Tetis o Julieta. Las escenografías femeninas, inmortalizadas por los humanistas italianos en las cortes del Renacimiento, se amplían con la vanguardia, para definir universos relacionados con los cuatro elementos, en los que surge la representación de Ofelia, de Venus y de las alegorías de las Estaciones conciliadas en la danza expresionista.


MARIANA LORENA SIGNORELLI "MALAMBO, ¿COSA DE HOMBRES? IMAGEN Y REPRESENTACIÓN DE GÉNERO, IDENTIDAD Y DANZA ARGENTINA"

Licenciatura en Artes, orientación Música de la Universidad de Buenos Aires. Profesora de Danza clásica (escuela municipal de danzas José Neglia, Morón, Buenos Aires). Cursa el doctorado en "Teoría e Historia de las artes" en UBA. Se desempeña como docente en Historia de la danza en profesorados de danza clásica y contemporánea, folklore y tango. Participó de congresos de musicología de historia del arte en Argentina y en el exterior. Sus líneas de investigación se centran en torno a las puestas en escena del ballet Estancia de Ginastera, la relación entre música, danza, identidad, política y género. Algunos de sus artículos publicados han sido: Transparencia y opacidad en la representación musical; Campo-ciudad: enigma, política y verdad de puestas en escena del ballet Estancia de Alberto Ginastera; Análisis indiciario del ballet Estancia (Ginastera-Borowski 1952); Imágenes musicales y horizontes de expectativas. Las representaciones folclóricas en las versiones del ballet Estancia de Ginastera.

La danza folclórica argentina específica del estereotipo masculino es el malambo. Esta práctica es exclusiva del hombre: “danza varonil y recia”, una especie de competencia de demostración de virilidad (Vega, Aretz, Lynch). ¿Hay algo en sus elementos musicales (ritmo, giros melódicos, armonías), expresivos o simbólicos que determine esta exclusión femenina? La ausencia y proscripción de las mujeres en esta danza puede vincularse con la diferenciación entre roles y la subordinación del femenino respecto al masculino en el resto de las danzas folclóricas argentinas, e incluso en la estética gauchesca en general. En el poema nacional, Martín Fierro de José Hernández, la mujer de Fierro es un personaje notablemente secundario, casi un objeto de pertenencia como puede ser la guitarra, un perro o el caballo y ni siquiera tiene identidad, “la china”. Carlos Vega (1953) registró que en el tipo de malambo “norteño” de la provincia de Buenos Aires, las mujeres zapateaban como variante de danza de pareja suelta, sin competencia. ¿Y en la actualidad? ¿Por qué sigue sin estar aceptada la participación femenina en algunos certámenes, por ejemplo en el Festival Nacional de Malambo en Laborde, Córdoba?


OCTAVIO JOSÉ CARBONARA RUIZ "LA MARCA DEL TANGO"

Grado y Máster en Filosofía en la "Università Statale di Milano". Doctorando en la Universidad de Barcelona.
Su interés por el baile como práctica se desarrolló paralelamente al descubrimiento su importancia política. Inicialmente en la “Universitat Lliure la Rimaia” donde estudió la danza del Rebétiko con Theodoro Evengeloudis, y el Tango y el Tinku con Pablo Bravo, junto a los cuales fundó el grupo “Rebétiko-Tango”. Sucesivamente siguió estudiando Tango con Dafne Saldaña en el grupo “Tango Queer Barcelona” y entre otros maestros ha estudiado con Maximiliano Martincich, Carlos Baruque y Olga Vall en la escuela “El Desbande” donde recientemente ha comenzado a participar también como docente, y con Alejandro González y Gisela Navonit con los cuales he tenido largas conversaciones muy inspiradoras para mis estudios de Filosofía.

En este estudio queremos operar una genealogía de la idea de marca en el Tango a partir de la noción semiótica de marca que encontramos en el último pensamiento de Charles Sander Peirce. ¿Cómo es posible improvisar entre dos? La solución tradicional a través de la atribución de roles, leader/follower, resulta insuficiente. Para Peirce la marca es algo que rompe una continuidad, aunque al mismo tiempo la produce, ya que esta continuidad es pensable solo como un efecto de retroflexión del evento de la marca. La marca es el lugar de tránsito entre la esencia y la existencia ya que señala un puro aquí y ahora que abre una dimensión espacial y temporal que reconocemos ser a posteriori de la ruptura de su continuidad y de su eternidad. La genealogía que queremos hacer piensa la marca como borde entre los cuerpos, y a la vez como borde entre los cuerpos y la palabra. Encontramos así detrás del deseo de bailar el deseo de ser reconocidos. La sexualización de los cuerpos bailantes, culturalmente muy presente en el Tango, ocurre solo en y por esta dinámica de reconocimiento; detrás del deseo de bailar encontramos el deseo de ser reconocidos como cuerpo sexuado, es decir, deseo de performar género.

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