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MESA 10: ESTÉTICA DE LA DANZA
II CONGRESO INTERNACIONAL DE FILOSOFÍA DE LA DANZA
MESA 10: ESTÉTICA DE LA DANZA (Salón de Grados de la UNED, jueves 6 de junio de 16 a 18)

Por razones de aforo, es necesario inscribirse en cada una de las actividades a las que vas a asistir. Lamentamos los inconvenientes que esto pueda ocasionar. Por favor, ten en cuenta que reservas una plaza que no podrá ser ocupada por otra persona si no asistieras. Incidencias: filosofiadeladanza@gmail.com

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ESTÉTICA DE LA DANZA Moderación: Victoria Mateos de Manuel
CAROLINA VOTTO SILVA y LUCILA VILELA "HÉLIO OITICICA: UN DIÁLOGO ENTRE LAS ARTES VISUALES, LA DANZA Y LA FILOSOFÍA"

Carolina Votto Silva es investigadora en las áreas de Artes, Filosofía y Educación. Profesora Departamento de Educación (2018) y Doctoranda en Filosofía de la Educación de la Universidad Federal de Santa Catarina, Brasil. Máster en Artes Visuales (2011) por la Universidad del Estado de Santa Catarina. Licenciada en Filosofía (2006) por la Universidad Federal de Pelotas.

Lucila Vilela es artista visual e investigadora en las áreas de danza y artes visuales. Doctora en Artes Visuales por la Universidad del Estado de Santa Catarina, Brasil (2017). Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte, por la Universidad de Barcelona (2008). Licenciada en Artes Plásticas, por la Universidad del Estado de Santa Catarina (2001). Miembro del equipo editorial de la Revista Digital Interartive (interartive.org), Barcelona, desde 2008. Coordinadora de la escuela “Bia Vilela, Espacio de Danza, (1996-2018). Realizadora del Proyecto CASA, de Artes Visuales y Performances, ganador del premio “Edital Elisabete Anderle”, en Florianópolis (2010) y en Joinville (2014), Brasil.

La comunicación Hélio Oiticica: Un diálogo entre las Artes Visuales, la Danza y la Filosofía presenta una reflexión sobre las relaciones estético-conceptuales presentes en el pensamiento del artista brasileño Hélio Oiticica (1937-1980), a partir de lo que denominaba “hilos del experimental”. La incorporación de la obra de arte como acto total, experimentada en su serie de trabajos titulada “Programa Ambiental o Parangolé”, de 1964, en que proponía la participación del espectador como cuerpo que danza con el color y el espacio. Vestir las capas, dice el artista, es inaugurar una nueva situación, que se aleja radicalmente a la posición de contemplación. Su proximidad con la samba y el Morro da Mangueira fue de extrema relevancia para este trabajo. En su texto de 1966 titulado “A Dança na minha experiência” Oiticica aborda la importancia de las artes visuales y de la danza a través del concepto de Apolíneo y Dionisíaco nietzscheano. Rescata el niño de Zaratustra que, en el juego de la inocencia, nada carga de su tradición, pero, al revés, transborda inventiva en su relación con el mundo.


ESTELA ALARCÓN RODRÍGUEZ "EL MERCURIO VOLADOR DE GIAMBOLOGNA Y CARLO BLASIS"

Investigadora en Ciencias de la Educación, el Lenguaje, la Cultura y las Artes de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Doctora en Artes Escénicas de la Universidad Rey Juan Carlos con "Trabajo de Recopilación, Conservación y Enseñanza de la Danza Tradicional por el Maestro Juan José Linares Martiañez". Máster Oficial en Artes Escénicas, URJC. Licenciada en Pedagogía de la Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Madrid “María de Ávila” de Madrid.

Carlo Blasis, fue discípulo de Dauberval, nació en Nápoles en el año 1795 y falleció en 1878 en Cernobbio. Solista en el Teatro de la Scala de Milán, Blasis continuó el trabajo que hasta ese momento habían realizado sus predecesores, desde el siglo XVI. En 1820 escribe el “Tratado Elemental sobre el Arte de la Danza, la teoría y la práctica”, obra fundamental que estableció las bases de la Danza Académica. En él, refleja un estudio de la geometría en la figura del bailarín, (líneas puras), y la búsqueda de la rotación externa de las extremidades inferiores (dehors). Analizaremos el estudio de Blasis sobre la escultura del Mercurio volador de Giovanni de Giambologna, para llegar a crear la posición del attitude, con el propósito de darle una base científica a la creación de un método de enseñanza de la danza tradicional.


IRINA NEFODOVA SKULSKAYA "LA DANZA Y SU LENGUAJE ARTÍSTICO EN EL PENSAMIENTO ESTÉTICO RUSO"

Irina Nefodova Skulskaya, Doctora en estudios teatrales por la Universidad Complutense de Madrid; licenciada en composición, piano y teoría en el Conservatorio Estatal de Kiev, Máster Oficial en Artes Escénicas (URJC Madrid). Es autora de música instrumental y vocal, además de dos ballets infantiles. Es acompañante pianística de ballet. Colaboradora con el Instituto Superior de Danza Alicia Alonso (URJC) en El Escorial, Russian Ballet Masters Camp y World Dance Fair en Alicante, Asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad de Madrid, ART of en Madrid y Marseille, etc. Ha participado en DANCE OPEN (San Petersburgo, 2010); Congreso Circuitos Teatrales del s. XXI (ITEM UCM Madrid, 2018); Congreso Marius Petipa (CSIC, Seminario de la historia y teoría de la danza UCM Madrid, 2018). Profesora titular del Departamento de la coreografía de la Universidad Eslava (Kiev) desarrollando asignaturas como Dramaturgia musical del ballet y Teoría de la música para los coreógrafos.

El pensamiento estético ruso relacionado con la danza toma su inicio en la segunda mitad del siglo XVIII constituyéndose bajo influencia de la Ilustración europea y nutrido en las ideas de L. Cahuzac y J.-G. Noverre. En aquella época se fundamentan premisas para el posterior desarrollo de la crítica de ballet, continúa la conceptualización teórica del arte coreográfico y, hacia los años treinta del siglo XIX, comienza el estudio de las obras concretas del repertorio corriente. La subsiguiente evolución del pensamiento estético sobre la danza está marcada por las importantes etapas artísticas relacionándose, además, con la necesidad de sistematizar diversas cuestiones históricas y teóricas del bello arte. El objetivo de esta comunicación es descubrir las principales tendencias del legado literario ruso vinculado a la danza y su lenguaje artístico del siglo XIX- primer tercio del s. XX y detenernos en el análisis de las obras clave.

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