Un po’ di classica, un po’ di jazz, un po’ di rock

a cura di Andrea Tubaro

Un po’ di classica

Come con le Sonate di Schubert e l’Impromptu for ECM New Series (6/19), così i suoi concerti di Brahms, autodiretti con un Blüthner restaurato del 1859, servono come un maestro purificatore di vecchi preconcetti e impressioni. Questo non è affatto un lavoro da antiquario – o 'Brahms lite', per usare il termine peggiorativo di Richard Taruskin nel contesto di Historically Informed Performance – anche se Schiff nel suo contributo alle note del libretto parla nei termini logori del restauro del compositore indicazioni e osservazioni spesso trascurate. Quello che lui e l'Orchestra of the Age and Enlightenment offrono non ha tanto a che fare con l'autenticità quanto con la freschezza e la "disintossicazione", qualcosa di simile a far entrare la luce del giorno nella stanza di Miss Havisham e rimuovere le ragnatele dalla sua torta nuziale. Veniamo via rendendoci conto che 'brahmsiano' non è in antitesi alla trasparenza, all'intimità, alla tenerezza o alla fragilità.

Come con il passaggio dal cibo lavorato agli ingredienti freschi, potrebbe volerci un po' di tempo per adattarsi alla finezza del palato, come del resto della tavolozza: i contorni, le linee e i timbri non adulterati. Ecco l'opportunità di accettare e assaporare la vulnerabilità del pianoforte come valida alternativa alla muscolosità conflittuale e al monopolio della ribalta. Com'è commovente, ad esempio, nell'Adagiodel Concerto in re minore (n. 1) è la tenera consolazione dell'orchestra delle confessioni sommessamente angosciose del pianoforte, come se ciascuna fosse diventata un personaggio di un romanzo romantico. Qui e dappertutto, Schiff sostiene le linee di canto e il fraseggio ampio molto più naturalmente di Hardy Rittner con Werner Ehrhardt (anche su strumenti d'epoca, con un Érard del 1854). Il finale di Schiff è anche molto meno instabile, sacrificando poco o niente del lirismo che era il fondamento della sua registrazione di strumenti moderni con Solti. In effetti, il suono piuttosto superficiale del pianoforte in quella registrazione in molti modi crea una prima impressione più imbarazzante, specialmente ascoltata contro il potente supporto dei Wiener Philharmoniker.

L'unità di intenti tra Schiff e l'OAE ha a che fare tanto con la compatibilità degli strumenti quanto con l'intento interpretativo. Il sontuoso corno naturale, completamente in mostra durante la cerimonia di apertura del Concerto in si bemolle (n. 2), è idealmente completato dalla deliziosa elasticità (una volta che ci si è acclimatati) dello storico

Blüthner di Schiff. Questo è uno di quegli strumenti che ha davvero una personalità propria. Il basso parallelo piuttosto che incrociato favorisce la trasparenza rispetto alla risonanza, mentre la "Blüthner Patent Action" (distinta dall'azione del rullo più resistente che facilita la ripetizione) consente un tocco più morbido e leggero. Questo, insieme alla nitidezza dei registri, conferisce al pianoforte una fusione camaleontica con i timbri e i colori orchestrali, conferendogli un ruolo concertante piuttosto che oppositivo, soprattutto nello svolgimento sinfonico del Secondo Concerto. Qui Schiff e l'OAE evitano la dicotomia tra i picchi gemelli dei primi due movimenti ei contorni più modesti degli ultimi due. L'ultimo movimento vivace è per una volta interamente in scala con il resto del pezzo. Sarebbe allettante associare il suo civettuolo à l'hongroise con le stesse radici di Schiff, ma l'affinità immaginativa è al di sopra di tali cliché. Nonostante tutta la loro dichiarata fedeltà al punteggio, Schiff e la sua squadra non ne sono schiavi. Abbondano capricci, rubati flessibili e portamenti di buon gusto, sempre al servizio della nobiltà, dell'eleganza e del dialogo da camera. Molto è stato detto e scritto sull'atteggiamento flessibile di Brahms nei confronti del ritmo e del tempo.Tuttavia, le sopracciglia possono alzarsi all'allargamento in tre fasi per il re maggiore largamente nel secondo movimento del Concerto in si bemolle (da 5'11"), e la successiva emergenza accelerando. Questo cambio di marcia è solo per adattarsi alle doppie ottave scivolose del

pianoforte? È una licenza artistica o forse qualcosa a che fare con i limiti dell'azione pianistica? Schiff ha scoperto qualcosa nel manoscritto del compositore che il resto di noi non conosce? Comunque sia, questo è l'unico passaggio che mi è parso artisticamente discutibile.

Ho cercato di trovare una registrazione precedente del Concerto in si bemolle su strumenti d'epoca, ma senza successo. ECM non pretende di essere la prima in campo. Comunque sia, qualcosa mi dice che troverò difficile tornare alle esecuzioni di strumenti moderni senza un grado di shock culturale. Peccato. Questo è un disco che arriva con grandi aspettative e offre rivelazioni non meno grandi.

https://www.gramophone.co.uk/review/brahms-piano-concertos-schiff

Un po’ di jazz

"La Nevada" significa "nevicata", ma la traccia di apertura di questo classico di Gil Evans inizia come un miraggio musicale del deserto di un treno lontano che si avvicina lentamente, con te seduto sui binari direttamente sul suo percorso. Man mano che il treno si avvicina (e più rumorosamente) il semplice riff di quattro battute ripetuto cresce di intensità aggiungendo ringhi, ringhianti driver di ottoni e ance grazie all'insistente ma sinuoso impulso ritmico di Ron Carter e Elvin Jones. A parte la parte della sezione del trombone che viene annotata, l'esibizione è improvvisata, un punto culminante è la chitarra di Ray Crawford che brucia il canale sinistro dietro il quale le trombe locomotiva del trombone ti avvertono di allontanarti, ma a quel punto è troppo tardi e la musica ti investe!

https://www.analogplanet.com/content/out-cool-verveacoustic-sounds-series-must-have 

Un po’ di rock

I Blood, Sweat & Tears iniziarono come il sogno di Al Kooper di una banda rock con strumenti a fiato. Quando poi realizzarono il concetto- al disco di debutto della banda nel 1968, Child is Father to the Man, era diventata molto di più: un coinvolgente ibrido di New York soul, Greenwich Village folk e arrangiamenti jazz innovativi. Con il produttore John Simon al Timone, Child era una definizione virtuale delle possibilità inerenti alla inebriante sperimentazione musicale degli ultimi anni ’60. I testi e gli arrangiamenti di Kooper per quel disco (inclusa la monumentale I'll Love You More Than You'll Ever Know successivamente un grande successo di Donny Hathaway) è uno dei punti più alti della sua storica carriera …https://www.stereophile.com/content/revinylization-19-more-cowbell-blood-sweat-tears