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(HAUS)

Über das Haus

Die Villa Romana in Florenz ist ein Ort der zeitgenössischen Kunstproduktion und des internationalen kulturellen Austauschs. 1905 von einem Freundeskreis um den Maler Max Klinger gegründet, hat sie sich seit über einem Jahrhundert als Künstlerhaus immer wieder neu profiliert. Hier leben und arbeiten die Villa Romana-PreisträgerInnen, die jährlich ausgewählt werden. Während ihres Aufenthalts vernetzen sie sich mit internationalen GastkünstlerInnen und der regionalen, toskanischen und italienischen Kunstszene. Im Laufe der Jahrzehnte ist die Villa Romana so zu einer einzigartigen, dynamischen und engagierten Schnittstelle für künstlerische Produktion und Diskussion zwischen Deutschland, Italien und dem gesamten Mittelmeerraum, aber auch darüber hinaus geworden.

Dank verschiedener Partnerschaften mit Museen, Kunstakademien, Universitäten und Forschungseinrichtungen sind die KünstlerInnen auf verschiedene Arten und Weisen vernetzt. Die Villa Romana ist ein gastfreundliches, interdisziplinäres und offenes Haus, das jährlich von vielen internationalen KünstlerInnen, KuratorInnen, Kritikern und BesucherInnen besucht wird. Sie wurde vor 118 Jahren von KünstlerInnen und Kunstförderern gegründet, um eine Plattform für den unabhängigen Austausch zu schaffen. Bis heute wird sie von einem gemeinnützigen deutschen Verein getragen, den zahlreiche KünstlerInnen durch Kooperationen und Mitgliedschaften aktiv unterstützen.

Villa Romana ist keine Villa und kein Museum, sondern ein Haus. Sie ist kein Arkadien, sondern ein realer Ort mit seinen Herausforderungen und seinen Rissen; ein physischer und mentaler Raum, in dem man sich sicher und manchmal verunsichert fühlt, wie auch im Leben. Dies ist die grundlegende Überlegung, die im Mittelpunkt der gerade begonnenen, neuen Phase der Institution steht. Als Zentrum für zeitgenössische Kunstproduktion und internationalen Kulturaustausch ist die Villa Romana zu einer einzigartigen und dynamischen Schnittstelle geworden, zu einem Knotenpunkt kritischer Reflexion, der sich der Förderung der Debatte und des kulturellen Austauschs zwischen Europa und dem Mittelmeerraum verschrieben hat. Unter der neuen Leitung von Elena Agudio erneuert die Villa Romana ihre engagierte Agenda und öffnet sich radikaler Prozessen der Veränderung. Sie möchte sich so einigen der drängendsten sozialen und ökologischen Notlagen der Gegenwart stellen. Die Krisenzeiten, in denen wir leben, zwingen uns dazu, die Art und Weise, wie wir den Planeten gemeinsam bewohnen, zu überdenken und einige der Grundwerte der westlichen Kultur zu hinterfragen — einer Kultur, die sich als ökozidal und epistemizidal gegenüber Wissenssystemen erwiesen hat, die immer jenseits eines eurozentrischen Narrativs existiert haben. Um sich einer ökologisch und sozial nachhaltigen Zukunft zuzuwenden, verwandelt sich Villa Romana in ein Labor für kritische Reflexion und Konfrontation, in einen Raum für sozio-künstlerisch-kulturelle Experimente und gleichzeitig in eine Werkstatt und ein Zuhause für die Entwicklung von Werkzeugen und Praktiken, die es uns ermöglichen, die schwierige Reparaturarbeit, zu der wir berufen sind, in Angriff zu nehmen. Das neue Programm beschreitet somit einen Weg der institutionellen Selbstreflexion und des infrastrukturellen Wandels. Ein Programm, das von der Praxis des Zusammenlebens, von ökologischem Denken und antirassistischem, antidiskriminierendem Handeln ausgeht, um Praktiken radikalen Zusammenlebens, der Inklusion, des Teilens und der Restitution auszuarbeiten. Aber auch, um Verwundbarkeit und Zweifel zu akzeptieren. Um eine Agenda zu formulieren, die nicht universell ist, sondern situiert ist.

Das Programm der Villa Romana - Ein Haus zum Ausbessern, Beunruhigen und Reparieren -  steht für einen Raum, der Dissens willkommen heißt und für kollektive Reflexion offen ist; ein Ort, an dem Normativität und Kanon in Frage gestellt werden; ein Haus, in dem künstlerisches Experimentieren mit sozialer Reparatur einhergeht. Als Ein Haus zum Ausbessern, Beunruhigen und Reparieren ist die Villa kein Ort der reinen Kontemplation, sondern ein Ort des Handelns und der Relationalität, der Transformation und des Bewohnens. In einem solchen Haus drehen sich die Tische oft um, Stühle werden versetzt, Gegenstände bewegen sich, gehen verloren und tauchen manchmal wieder auf. Auch die Stimmungen ändern sich, denn Sonne, Schatten und Licht verändern die Form des Hauses und seine Erfahrung im Laufe der Tage und Jahreszeiten. In den meisten Kulturen ist das Domestische - ein Zuhause - selten ein definiertes Konzept, sondern eine Erfahrung. Eine Erfahrung, die jenseits des Westens größtenteils kollektiv ist und sich nicht innerhalb der individuellen oder nuklearen und biologischen Familiengrenzen erschöpft. Es handelt sich vielmehr um eine Kette miteinander verbundener und stets inklusiver Intimitäten, die von gegenseitiger Abhängigkeit und Geselligkeit geprägt sind.

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(HAUS 🡪 Geschichte)

Die Villa Romana wurde 1905 von einem Künstler für KünstlerInnen gegründet, um ein unabhängiges Forum zu schaffen und allen künstlerischen Ausdrucksformen gerecht zu werden. Die Villa Romana war ein Gegenmodell zur Formalität der anderen staatlichen Akademien.

1905 erwarb der Maler Max Klinger mit Mitteln seines Künstlerfreundeskreises die neoklassizistische Villa mit ihren 40 Räumen und 15.000 Quadratmetern Freifläche am Stadtrand von Florenz, um dort ein Künstlerhaus zu errichten. Im gleichen Jahr initiierte der Deutsche Künstlerbund den Villa-Romana-Preis, um Künstlern ein Forum für die künstlerische Produktion in Florenz zu bieten. Die Deutsche Bank ist seit den 1920er Jahren der Hauptsponsor der Villa Romana.

Von Anfang an wurde das Florentiner Haus mit Künstlern in Verbindung gebracht, die später große Anerkennung fanden. So gehörten beispielsweise Georg Kolbe, Max Beckmann, Käthe Kollwitz, Ernst Barlach und Max Pechstein zu den frühen Gästen der Villa Romana vor dem Ersten Weltkrieg.

Ab 1939 drängte das Propagandaministerium der Nationalsozialisten der Villa seine Empfehlungen für Stipendiaten auf. Dennoch gelang es Hans Purrmann, dem damaligen Leiter der Villa Romana, einen Zufluchtsort für Künstler zu schaffen, die während des Zweiten Weltkriegs beim NS-Regime in Ungnade gefallen waren. Die Villa wurde 1944 von den Alliierten beschlagnahmt.

1954 initiierte der deutsche Bundespräsident Theodor Heuss die Wiedergründung des Fördervereins Villa Romana. Die Villa selbst wurde 1958 wiedereröffnet. Seitdem haben renommierte KünstlerInnen wie Georg Baselitz, Anna Oppermann, Markus Lüpertz, Horst Antes, Christiane Möbus, Michael Buthe, Katharina Grosse und Amelie von Wulffen zum Ruf der Institution beigetragen.

Von 1972 bis Juni 2006 war Joachim Burmeister Direktor der Villa Romana. Er belebte die Villa wieder und eröffnete Gaststudios, während Katalin Burmeister den Salone als Ausstellungsraum umfunktionierte, in dem sie von 1979 bis 2004 zahlreiche Ausstellungen italienischer und deutscher KünstlerInnen kuratierte. Angelika Stepken übernahm am 1. November 2006 die Leitung der Villa. Nach umfangreichen Sanierungsmaßnahmen wurde die Villa Romana im Mai 2007 wiedereröffnet.

‍Seit Dezember 2022 ist Elena Agudio die erste italienische Direktorin der Villa Romana. Die Institution hat sich seitdem in Ein Haus zum Ausbessern, Beunruhigen und Reparieren verwandelt, um eine neue Vision und ein neues Programm für die historische Künstlerresidenz und das Künstlerhaus zu entwickeln. Das Programm widmet sich der Entwicklung eines gastfreundlichen und kritischen Labors für KünstlerInnen, AktivistInnen, Kulturschaffenden, diasporischen Gemeinschaften, Kinder, Tieren und Pflanzen. Es sieht eine Agenda und ein Klima vor, das sich mit dem Kern der Institution Villa Romana auseinandersetzt: Infrastruktur, Haushalt, Gemeinschaft, Ort und Garten. Die Villa soll ein Zuhause werden für die Herstellung von Werkzeugen und Praktiken, um sich mit Zeiten zu konfrontieren, die von uns eine radikale und planetarische Reparatur dieser asymmetrischen Welt verlangen. ‍

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(HAUS Team)

Dr. Elena Agudio

Elena Agudio ist Mutter, Kunsthistorikerin und Kuratorin und beschäftigt sich in ihrer Praxis mit Fragen der Dekanonisierung, der Migration und der diasporischen Zugehörigkeit, der ökologischen und planetarischen Bewohnbarkeit sowie der Schaffung nachhaltiger Infrastrukturen für und mit gefährdeten Gemeinschaften. Ihr besonderes Interesse gilt der Erforschung des Potenzials kuratorischer Praktiken als Formen der Beunruhigung, wobei der Schwerpunkt auf deren performativen und relationalen Aspekten liegt. Zwischen 2013 und 2023 war sie künstlerische Co-Direktorin des Kunstraums SAVVY Contemporary in Berlin. Derzeit ist sie Direktorin der Villa Romana in Florenz, wo sie das Programm A House for Mending, Troubling, Repairing entwickelt.

Mistura Allison

Mistura Allison ist Forscherin, Kuratorin und Kunsthistorikerin. Sie ist die Gründerin von ashikọ, einer visuell orientierten Forschungsplattform, die von Afrika und seiner Diaspora inspiriert ist. Derzeit ist sie als Kuratorin und Projektkoordinatorin in der Villa Romana in Florenz tätig und beschäftigt sich mit transnationalen künstlerischen Praktiken mit einem Schwerpunkt auf zeitgenössischer Kunst und der Förderung von Methoden des dezentralen Ausstellungsmachens. Ihre Arbeit konzentriert sich auf forschungsbasierte Praktiken, die sich mit der Pluralität zeitgenössischer visueller und mündlicher Produktionen der Diaspora befassen.

Claudia Fromm

Claudia Fromm stammt ursprünglich aus Deutschland und zog 1999 mit einem Stipendium nach Italien, um Kunstgeschichte zu studieren. Sie verliebte sich in das Land und ließ sich vom natürlichen Rhythmus der italienischen Landschaft inspirieren, bevor sie sich in Florenz niederließ. Dort unterrichtete, übersetzte und arbeitete sie für Feltrinelli International, wobei sie ein großes Interesse daran hat, unübersetzbare Wörter in verschiedenen Sprachen zu vermitteln. In ihrer Freizeit geht Claudia gerne wandern, gärtnern und experimentiert mit Kräutern, singt und bastelt. In der Villa Romana arbeitet sie als Verwalterin, verhandelt die pragmatischen und bürokratischen Aspekte der Institution und stellt dessen intellektuelle Integrität sicher. Claudia versucht jede Unannehmlichkeit mit Anmut und einem Lächeln zu lösen. Sie schätzt die inspirierende Gemeinschaft der Villa, sowie den Garten und die Bibliothek.

Ala Turcan

Ala Cebotaru, ursprünglich aus Moldawien, war eine engagierte Französischlehrerin, bevor sie 2004 nach Italien zog. Seit 2007 lebt sie mit ihrem Mann Victor und ihren Kindern in der Villa Romana, kümmert sie sich um die Instandhaltung dieser historischen, grünen Oase etwas außerhalb des Stadtzentrums. In ihrer Freizeit näht und backt Ala gerne und chattet per Video mit ihrem Enkel in Moldawien. Sie schätzt die lebendige Gemeinschaft der Villa Romana, aber ihre größte Freude findet sie zu Hause bei Victor. Ala, die liebevoll die Königin der Villa Romana genannt wird, ist durch ihre kompetente Anwesenheit und ihre Herzlichkeit ein wesentlicher Bestandteil dieses von allen so geschätzten Ökosystems.

Victor Cebotaru

Victor Cebotaru, ebenfalls ursprünglich aus Moldawien, teilt sein Leben und seine Arbeit in der Villa Romana mit seiner Frau Ala. Obwohl er zurückhaltend zu sein scheint, bringt Victor die BewohnerInnen häufig mit seiner subtilen Ironie zum Lachen. Er scherzt oft, dass er in der Villa gelandet ist, weil "Ala sie gefunden hat", und behauptet humorvoll, dass sein Hobby das Schlafen sei. In Wirklichkeit ist Victor ein unermüdlicher Arbeiter, der für seinen Erfindungsreichtum, seine Sorgfalt und seine Problemlösungsfähigkeiten bekannt ist. Er beweist immer wieder die Kompetenz, jede Situation mit seinen einzigartigen Talenten zu meistern. Victor hat eine tiefe Wertschätzung für die Natur, insbesondere für den Garten und die Bäume, einschließlich des Olivenhains, in dem er häufig bei der Arbeit anzutreffen ist. Victors Hingabe und sein Einfallsreichtum machen ihn zu einem unschätzbaren Teil der Villa Romana-Gemeinschaft.

INHABITANTS

Radio Papesse

Seit 2006 widmet sich Radio Papesse dem Radio als Medium und als Sprache.  Es arbeitet mit Kultureinrichtungen zusammen, um über das Kunstmachen und die Kunstpraktiken von heute zu sprechen, es veranstaltet und gibt experimentelle Klang- und Radiowerke in Auftrag und lädt Künstler, Produzenten und Macher ein, die Regeln des Audio-Storytellings zu erneuern. 2019 rief Radio Papesse LUCIA ins Leben, ein Festival, das die Kunst des Geschichtenerzählens in Ton feiert, und ein Jahr später wurde als Teil von LUCIA YASS! ins Leben gerufen, ein fortlaufendes internationales Meisterklassen- und Mentorenprogramm.

Radio Papesse wurde 2006 offiziell von Carola Haupt und Ilaria Gadenz gegründet, ist eine Vereinigung von vielen und wird seit Juni 2024 von Carola Haupt und Luisa Santacesaria kuratiert. Seit 2011 ist es Teil der Villa Romana Familie.

Dr. Jonas Tinius

Jonas Tinius ist soziokultureller Anthropologe, forscht zu schwierigem Kulturerbe und öffentlichen Kultureinrichtungen, schreibt ein Buch über Museen, ist der Lebensgefährte von Elena Agudio, hat seine adoptierte Rolle als Versorger der Hauskatzen akzeptiert und versucht, wann immer möglich, in der Villa Romana zu sein.

Die Bienen

Seit Mai 2023 beherbergt die Villa Romana vier Bienenstöcke in ihrem Garten. Die Bienen sind freundliche MitarbeiterInnen unseres Gartenteams und aktive Mitglieder des Ökosystems des Hauses zum Flicken, Stören^[a] und Reparieren. Sie arbeiten intensiv daran die Artenvielfalt in der Umgebung zu erhöhen, und sie lehren uns anspruchsvolle soziale Fähigkeiten des Zusammenlebens.

Die Katzen

Yannis und Marie sind die beiden Katzen, die seit fünfzehn Jahren in der Villa Romana herrschen. Viele Künstler sagen, dass sie den Geist des Hauses verkörpern. Sie tragen Erinnerungen und übersinnliche Verbindungen zum Garten, zum Haus und zu den vielen Menschen, die hier vorbeikommen.

Isabella Devetta

Isabella Devetta, geboren in der Stadt, erfüllte sich ihren Kindheitstraum vom Leben in der Natur. Seit 40 Jahren wohnt sie auf dem Land, wo sie ihre Kinder großzieht und ihrer Leidenschaft für Pflanzen nachgeht. Als Agrarwissenschaftlerin, Züchterin von antiken Rosen, Gärtnerin und Sammlerin ist Isabella auch eine Expertin für Wildpflanzen. Heute vertieft sie ihr Wissen über Ökologie und Artenvielfalt und gibt ihre Erkenntnisse über die Natur weiter.

Marleen Boschen

Marleen Boschen ist Kuratorin, Dozentin und Künstlerin und arbeitet an den Schnittstellen von Kunst und Ökologie. Im Jahr 2019 war sie Ko-Kuratorin des Forschungs-, Performance- und Ausstellungsprojekts Soil is an Inscribed Body: On Sovereignty and Agropoetics bei SAVVY Contemporary, Berlin mit Elena Agudio. Die Ausstellung befasste sich mit Landbeziehungen, antikolonialen Kämpfen und artenübergreifenden Kooperationen durch künstlerische Praxis. Seit Januar 2023 setzt sie die Zusammenarbeit mit Agudio fort, um Testing Grounds zu entwickeln, ein künstlerisches Programm über Anbau, Migration und agroökologisches Lernen für den Garten der Villa Romana in Florenz. Seit September 2023 ist sie Adjunct Curator für Kunst und Ökologie an der Tate im Forschungszentrum HTRC:T. Marleen unterrichtet regelmäßig an Kunstschulen und war 2023/24 Dozentin für den BA Fine Art am Chelsea College of Art. Vor kurzem hat sie ein Postdoc-Stipendium in Kew Gardens, London, angetreten, um zu erforschen, wie Künstler in botanischen Gärten arbeiten können, mit besonderem Schwerpunkt auf Klimagerechtigkeit und sozialer Gerechtigkeit.

Villa-Romana-Preis

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Fellows

Rubén D'Hers

Künstler

Venezuela

Rubén D'Hers ist ein venezolanischer Künstler. Er lebt und arbeitet in Berlin. Im Spannungsfeld von Musik, Klanginstallationen und Malerei untersucht er stationäre Geräusche aus der häuslichen Umgebung. Dabei versucht er das Potenzial von solch gefundenem musikalischen Material zu entdecken. Er untersucht aber auch, wie sie zu unserer unwillkürlichen auditiven Bilderwelt sprechen. Er hat einen MFA in Sound Studies an der Universität der Künste Berlin absolviert, sowie einen BFA in Medienkunst und Design von der Bauhaus-Universität Weimar und einen BFA in Malerei von der Cristóbal Rojas Technical School of Visual Arts in Venezuela.

Tuli Mekondjo

Künstlerin

Namibia

Tuli Mekondjo ist eine autodidaktische namibische Künstlerin, die in Berlin lebt. Im Jahr 2022 wurde sie durch das renommierte Berliner Künstlerprogramm DAAD ausgezeichnet. Sie arbeitet in verschiedenen Medien und Materialien, wie z.B. Stickerei, Fototransfer, Harz und Mahangu (Hirse), einem Grundnahrungsmittel in Namibia. Mekondjo stützt sich in ihrer Praxis auf fotografische Archive aus Kolonial- und Kriegszeiten und untersucht durch sie namibische Geschichte und Identitätspolitik. Ausgehend von Geschichten der Veränderung, Verlust und Unterwerfung — insbesondere mit Hinblick auf Frauen — näht sie zwischen Vergangenheit und Gegenwart. In vielen neueren Arbeiten positioniert sich die Künstlerin im Dialog mit ihren Vorfahren, wobei sie ihren Schmerz direkt anerkennt und gleichzeitig multiple afrikanische Traditionen der Folklore zitiert.

Monai de Paula Antunes

Künstlerin

Deutschland

Monai de Paula Antunes ist eine in Berlin lebende künstlerische Forscherin, eine Übertragungskünstlerin und Radiomacherin. Sie interessiert sich für Kommunikation und Komplexität sowie deren materielle, räumliche und politische Verflechtungen. Ihre Arbeit beschäftigt sich mit den komplexen Materialitäten und vielfältigen kulturellen Traditionen des Radios und lenkt damit die Aufmerksamkeit auf periphere Erscheinungsformen der Kybernetik und Ökologie. Ihre Praxis, die sich als Infrastruktur präsentiert, dezentralisiert und verbindet, indem sie partizipative Kunstwerke produziert, aber auch Dinge als Kunstform reformiert und miteinander verwebt. Als Teil von Radio Otherwise ist sie auch Direktorin und Gründerin von Archipel Stations Community Radio sowie Gründerin und Vorstandsmitglied von Archipel e.V und FR-BB e.V., neben anderen NGOs, die sich mit Kunst, Bildung, Kommunikation, Philosophie und Ökologie beschäftigen.

Sergio Zévallos

Künstler

Peru

Sergio Zévallos ist ein multidisziplinärer Künstler, der zwischen Lima und Berlin lebt und arbeitet. Er war Mitbegründer von Grupo Chaclacayo, einem Kollektiv der 1980er Jahre, das sich mit der Schnittstelle von Religion, Geschlecht und bewaffneten Konflikten befasste. 1989 emigrierte die Gruppe nach Deutschland, bis sie sich 1994 auflöste. Zevallos arbeitet an Fragen der transkulturellen Identität, des Geschlechts und der Beziehung zwischen Individuum und Macht oder zwischen Intimität und Institutionalität. Ein grundlegendes Konzept für seine Arbeit ist das Hybride, sowohl im organischen und sexuellen Sinne als auch im theoretischen und konzeptionellen Sinne. Für Installationen, Fotografien, Zeichnungen, Performances und Klangkompositionen verwendet er vor allem Bilder und Texte aus der öffentlichen Zirkulation, der Presse, populären Zeitschriften oder Lehrbüchern.

Kommende Veranstaltung

Alle Ereignisse

PROGRAMME

11 August 1944 / 11 August 2024

(VERANSTALTUNG)

11. August 1944 / 11. August 2024

Anlässlich des 80. Jahrestages der Befreiung von Florenz vom Nazifaschismus findet in dem

Künstlerhaus in der Via Senese – dessen Träger seit 1905 der deutsche Verein Villa

Romana e.V. ist – eine Reihe von Veranstaltungen und Diskussionen statt, um dieses

bedeutende Ereignis mit Musik und historischen und künstlerischen Betrachtungen zu

begehen. Sie bieten die Gelegenheit, sich mit der komplexen Vergangenheit dieses

traditionsreichen Künstlerhauses in Florenz zu befassen, das Archiv zu öffnen und die

ambivalente Geschichte einer deutschen Institution zu beleuchten, die unter der Leitung von

Hans Purrmann und in der Zeit nach der Befreiung „entarteten“ Künstlern und Antifaschisten

Zuflucht bot.

Darüber hinaus stellt die Villa Romana in Zusammenarbeit mit der ANPI (Associazione

Nazionale Partigiani Italiani/ Verband der PartisanInnen Italiens) den Bewohnern des

Hauses, den Unterstützern und dem Publikum bibliografisches Material des Atlante delle

stragi nazifasciste zur Verfügung.

Der Künstler Theophilus Imani wiederum präsentiert seinen Betrag zum Projekt „Troubling

the Villa Romana Library“ und seine Auswahl von neuen Büchern über den italienischen

Kolonialismus, die für die Institution angeschafft wurden.

PROGRAMM

18:30 Uhr: Einführung und Begrüßung durch das Team von Villa Romana: Elena Agudio

(Leiterin), Mistura Allison (Kuratorin) und Claudia Fromm (Verwaltung).

19:00 Uhr: Villa Romana, 11. August 2024. Die Fäden der Erinnerung neu verknüpfen,

wider das Vergessen: das Archiv der Villa Romana und die Jahre des Nazifaschismus

Die Villa Romana gedenkt der Befreiung von Florenz vom Faschismus am 11. August, dem

Tag des heldenhaften Aufstands der „Battaglia di Firenze“, und erinnert an einige Menschen,

die gegen das Unrecht der Diktatur kämpften. Anhand einer Reihe von Dokumenten aus

dem Archiv der Villa Romana schildert Alyssa Magnifico von der Universität Carlo Bo in

Urbino im Gespräch mit Carlotta Castellani das Schicksal einiger Italiener und Deutscher,

die während der tragischen Jahre von Faschismus und Nationalsozialismus in der Villa

Romana lebten oder ihr eng verbunden waren, darunter Hans Purrmann, Rudolf Levy, Emy

Roeder, Heinz Battke, Flavia Arlotta und Giovanni Colacicchi. Durch die Präsentation sollen

diese Dokumente neues Leben erhalten, wenn erzählt wird, wie diese Menschen

versuchten, sich dem Regime zu widersetzen, und welchen Angriffen sie daraufhin

ausgesetzt waren, über gesetzliche und bürokratische Einschränkungen, Isolierung und

Gefangenschaft.

Die Präsentation ist Teil der Aktivitäten im Rahmen der Zusammenarbeit von Villa Romana

mit der Universität Carlo Bo in Urbino, deren wissenschaftliche Leiterin Prof. Carlotta

Castellani ist.

19:30 Uhr: Historische Betrachtungen, ausgehend vom Atlante delle stragi nazifasciste, in

Florenz. Mit Clara Stavro, Rosa Sancarlo und Alessandro Pini von der ANPI Oltrarno.

In Zusammenarbeit mit der ANPI Oltrarno.

Der Atlante delle stragi nazifasciste ist eine interaktive Datenbank und macht die

Forschungsarbeit Dutzender Historiker und Historikerinnen zugänglich, die seit 2009 alle

zwischen 1943 und 1945 von deutschen Truppen und Faschisten begangenen

Gewaltverbrechen gegen Wehrlose erfasst haben. Das von Anpi und Insmli (Istituto

Nazionale per la Storia del Movimento di Liberazione in Italia/Nationales Institut für die

Geschichte der Befreiungsbewegung in Italien) unterstützte Projekt wurde von der

Regierung der Bundesrepublik Deutschland aus dem deutsch-italienischen Zukunftsfonds

finanziert. Die Forschungsarbeit hat eine bis dahin fehlende Erhebung aller Gewaltakte

gegen unbewaffnete Zivilisten und Partisanen vorgenommen und so Forschenden große

Mengen an wichtigen Daten und Informationen zur Verfügung gestellt. Ihnen ist ein eigenes

Portal und eine Datenbank mit GIS gewidmet, durch das sämtliche Ereignisse lokalisiert

werden können: www.straginazifasciste.it.

Clara Stavro und Rosa Sancarlo, - die in diesen Monaten mit der Villa Romana

zusammenarbeiten – nehmen einen Dialog mit Alessandro Pini auf. Sie haben ein Projekt

entwickelt, das eine vielschichtige Unterhaltung über mit dem Nationalsozialismus und dem

Faschismus verbundene Themen, die mehr oder weniger verschüttete historische

Erinnerung und die zeitgenössische Stadt anregen soll.

Ausgehend vom Atlante werden mit Hilfe eines Stadtplans von Florenz einige der

dramatischsten Fälle von faschistischer Gewalt erzählt, um ein Netz von individuellen und

gemeinschaftlichen Erinnerungen, Verbindungen und Überlegungen zu knüpfen, die nicht

immer Aufnahme in die offizielle Geschichtsschreibung finden.

Dann wird der Blick auf ganz Italien erweitert und eine visuelle Parallele zwischen der

Geografie der Massaker und der im ganzen „Bel Paese“ verbreiteten faschistischen und

kolonialen Topografie hergestellt. Der Atlante delle stragi nazifasciste und die aus dem

Projekt „Viva Zerai!“ – mit dem die Verbrechen, die Orte und die Protagonisten des

italienischen Kolonialismus identifiziert und an sie erinnert werden soll – hervorgegangene

Karte werden nebeneinander gestellt.

Den Abschluss bildet keine visuelle Arbeit, sondern ein Text. Eine Reflexion über den Begriff

Mapping und die Kartografie als Machtinstrument und Instrument des Widerstands, aber

auch der kulturellen Bildung. Weltkarten und Landkarten verkörpern nicht nur die

geografische Egozentrik eines großen Teils unserer Gesellschaft, sondern können auch

dazu beitragen, dass wir uns entfremdet fühlen, und unsere Wahrnehmung und Kenntnis der

Welt in Frage zu stellen.

Die für die Entwicklung des Projekts und die weitere Veranstaltung verwendeten Materialien

und Bücher werden in der im gleichen Raum eingerichteten temporären Bibliothek

bereitgestellt.

20:00 Uhr: Reading und Einführung des Künstlers Theophilus Imani in das Projekt

„Troubling the Villa Romana Library“.

Der Künstler und Wissenschaftler Theophilus Imani führt uns durch eine kritische Reflexion

über die italienische Kolonialgeschichte. Dafür verwendet er Auszüge aus dem 1888

erschienen Pamphlet La questione affricana von Sebastiano Martini Bernardi, das ganz in

der Nähe des Ponte Vecchio gedruckt wurde. Diese Schrift verkörpert einen

Schlüsselmoment für das Verständnis der ersten italienischen Forschungsreisen in Afrika

und die aus ihnen hervorgehende Ideologie der kolonialen Expansion. Imani erkundet, wie

diese Reisen zur Entstehung einer kolonialen Ideologie in Italien beigetragen haben, und

umreißt den Kontext der italienischen Niederlagen in den Schlachten von Dogali und

Saganeiti. Diese Niederlagen veranlassten Martini, die kolonialen Bestrebungen zu

überdenken, während er in seiner Schrift Unmut und Bestürzung zum Ausdruck brachte.

Martinis Kritik richtete sich an Regierung, Presse und Volk und zeigten die Täuschungen

auf, welche dazu geführt hatten, dass sich Italien nicht nur mit einer afrikanischen, sondern

auch mit einer italienischen Frage auseinandersetzen musste.

Imanis Arbeit beleuchtet, wie sich die Beziehung zwischen Italien und seinen ehemaligen

Kolonien in Afrika durch verschiedene Phasen und sowohl italienische wie afrikanische

Akteure entwickelte. Diese Beziehung hat durch Verschweigen entstandene Lücken und

Geschichtsverfälschungen hervorgebracht, die den Mythos der „italiani brava gente“, der

anständigen Italiener, genährt und ein echtes Verständnis der italienischen

Kolonialgeschichte verhindert haben.

Imanis Überlegungen fügen sich in einen größeren Kontext von literarischen und

künstlerischen Stimmen ein, denen es darum geht, die italienische Kolonialgeschichte zu

enthüllen und neu zu schreiben. Von Maaza Mengiste über Igiaba Scego, Angelica Pesarini

und Uoldelul Chelati Dirar bis zu den Installationen von Jermay Michael Gabriel und Dawit L.

Petros setzen sich diese Arbeiten mit den Prozessen des Verschweigens durch die offizielle

Geschichte auseinander und schlagen eine neue Ausdruckssprache vor, die imstande ist,

sich die Geschichte wieder anzueignen und eine andere Zukunft zu entwerfen. Theophilus

Imanis Einführung in das Projekt Troubling the Villa Romana Library bietet eine einzigartige

Gelegenheit, über unsere Geschichte und unsere Identität nachzudenken und lädt uns ein,

unsere Haltung gegenüber der Vergangenheit und der Gegenwart zu betrachten.

Trattoria Guaiana

(EXHIBITION AND PUBLIC PROGRAMME)

Ein Projekt von Niccolò Moronato, Prince Asford und Alice Jasmine Crippa. Im Gespräch mit den PreisträgerInnen der Villa Romana 2024 und geladenen Gästen.

Kuratiert von Elena Agudio und Mistura Allison.

Soundscapes von SADI.

Grafiken von Marcelo Vendramel.

Die Trattoria Guaiana ist eine partizipatorische Küche, die erforscht, wie es schmeckt, aussieht und sich anfühlt, die Vielfalt von Stimmen in einer Gesellschaft zu erfahren; eine Küche, die sich der Alterität und dem Dialog widmet.

Die Trattoria Guaiana entstand aus Auseinandersetzung mit einem bedeutenden historischen blinden Flecken: dem Versuch der Medici im Jahre 1608 den Amazonas im heutigen Französisch-Guayana zu kolonisieren, und der Geschichte der sechs Tupì, die an Bord der toskanischen Expedition zurück nach Florenz reisten und nie wieder in zurückkehrten.

Die Trattoria versucht mit Hilfe von Aromen und sensorischen Erfahrungen einen experimentellen Raum an den Rändern der italienischen Tradition und Identität zu schaffen, um somit auch diejenigen Kulturen und Naturen erfahrbar zu machen, aus dieser ausgeschlossen sind.

Der Sala Giardino der Villa Romana verwandelt sich in eine toskanisch-guyanische Trattoria und wird zu einem Ort der Begegnung, des gemeinsamen Austauschs und der kritischen Reflexion. Sie beherbergt eine Installation über "Guaiana Toscana", der laufenden, vom Italian Council unterstützten Forschung von Niccolò Moronato, aus der die Trattoria hervorgegangen ist, sowie Bücher und eine pflanzlich-organische Klanglandschaft, die vom Klangkünstler SADI im Dialog mit Moronatos Archiv aus Klängen, die in Uruguay, Brasilien, Französisch-Guyana, Dominica, Barbados, der Toskana und Martinica aufgenommen wurden, geschaffen wurde. Wir sehen uns beim Mittag- oder Abendessen!

Konviviale Mahlzeiten - 2., 6. und 8. Juni

Öffentliches Programm - 4. und 5. Juni

Einweihung des Guaiana Toscana Gartens - 9. Juni

Finissage - 14. Juli

RSVP

Aufgrund des künstlerischen Charakters der Küche können wir nicht alle diätetischen Einschränkungen auf einmal berücksichtigen (aber wir werden unser Bestes tun, um das Erlebnis so umfassend wie möglich zu gestalten! Das Menü ist überwiegend vegetarisch).

TEAM

InitiatorInnen des Projekts: Niccolò Moronato, Prince Asford und Alice Jasmine Crippa

KuratorInnen: Elena Agudio und Mistura Allison

Produktion: Giulia Del Piero

Verwaltung: Claudia Fromm

Gestaltung der Klanglandschaft: SADI

Grafiken: Marcelo Vendramel und Niccolò Moronatos Archiv „Guaiana Toscana"

Gestaltung der Website: Giorgia Belotti

Lokale Agronomin: Isabella Devetta

Betrieb: Ala und Victor Cebotaru

Pressearbeit: Metis PR

Weitere Informationen über das Projekt der Trattoria Guaiana.

https://www.trattoriaguaiana.org/

Notes On The Wake. Rhapsody and Lamentations in Three Acts (dt: Anmerkungen zu The Wake. Rhapsodie und Klagelieder in drei Akten)

Von Mistura Allison

Wake: grief, celebration, memory, and those among

the living who, through ritual, mourn their passing and celebrate their life in particular the watching of relatives and friends beside the body of the dead person from death to burial and the drinking, feasting, and other observances incidental to this.

In the wake, the past that is not past reappears, always, to rupture the present.

Christina Sharpe, In The Wake: On Blackness and Being (2016)

Ein leises Summen.

In der Stille der Kontemplation, in der Vergangenheit und Gegenwart zusammenfließen, entfaltet sich die Ausstellung wie eine Elegie, eine reflektierende Hommage an den komplizierten Tanz zwischen Erinnerung, Identität und Zeit in der afrikanischen Diaspora. Die Ausstellung bewegt sich im Spannungsfeld von Zeugenschaft, Wachsamkeit und Trauer - jeder Künstler trägt einen Vers zu dieser elegischen Erzählung bei.

Christina Sharpes Meditation über das Leben „im Kielwasser" bietet einen ergreifenden Rahmen für unsere Überlegungen. "Wake work", wie sie es beschreibt, ist eine Praxis der Aufmerksamkeit für das anhaltende Echo der Vergangenheit in unserem heutigen Leben, eine Form des Widerstands gegen die Flut des Vergessens. In diesem Kielwasser befindet sich Leo Asemotas Map of a City (2001), eine verschlungene Kartierung von Erinnerung und Zeugnis in der Londoner Stadtlandschaft. Asemotas Fotografien der über die ganze Stadt verstreuten Zeugenaufruf-Tafeln dienen nicht nur als Dokumentation, sondern als visuelle Elegie auf die unzähligen namenlosen Leben, die die Geschichte der Stadt geprägt haben und von ihr geprägt wurden. Indem diese Arbeit die flüchtigen Botschaften der Appelle festhält, unterstreicht sie den Akt der Zeugenschaft als ein gemeinschaftliches und zugleich zutiefst persönliches Unterfangen und greift damit Sharpes Behauptung auf, dass „die Totenwache" ein gemeinsamer Raum der Trauer und Erinnerung ist.

Mit Gaufi und Kgakala (2023) verkörpern Lerato Shadis große Leinwände aus rohem Leinen, die in rot mit einem Gedankenfluss beschriftet sind, die zeitlichen und taktilen Dimensionen der Erinnerung. Jeder Strich und jedes Wort, das in die Leinwände eingeschrieben ist, spricht zu den persönlichen und kollektiven Erzählungen der Diaspora, Erzählungen, die, wie uns Bell Hooks erinnert, tief mit der Politik der Anerkennung und Zugehörigkeit verwoben sind. Shadis Arbeit lädt uns in ihrer rohen und evokativen Form dazu ein, uns die Möglichkeiten der Heilung und Verbindung durch den Akt des Zeugnisgebens für unsere eigenen Geschichten und die der anderen vorzustellen.

Helena Uambembes Installation Booming in Statis (2023) bietet einen Kontrapunkt zu den Themen Bewegung und Veränderung. Hier ist der Stillstand nicht gleichbedeutend mit Stille oder Abwesenheit, sondern ein Resonanzraum, der mit dem Echo vergangener Kämpfe und Triumphe gefüllt ist. Diese Arbeit verkörpert Akwaeke Emezis Überlegungen zum Selbst als einem Ort des ständigen Werdens, an dem die Identität weder feststeht noch einzigartig ist, sondern vielmehr eine ständige Verhandlung mit der Vergangenheit und der Gegenwart darstellt. „Ich bin immer eine Vielheit von Vielheiten", schreibt Emezi und lädt uns ein, darüber nachzudenken, wie unsere Identitäten durch die Geschichte, die wir in uns tragen, und die Zukunft, die wir uns vorstellen, geformt werden.

In Anlehnung an Naomi Di Meos Elegie an ihr jüngeres Ich fordert die Ausstellung den Betrachter zu einer ähnlichen Selbstreflexion auf. Di Meos elegische Prosa, eine zärtliche Reflexion über Wachstum, Verlust und den Lauf der Zeit, spiegelt die Auseinandersetzung der Ausstellung mit dem Gedanken wider, nicht nur Zeugnis von der äußeren Welt abzulegen, sondern auch von den Landschaften in uns selbst. Sie ist eine Erinnerung daran, dass Trauer und Erinnerung nicht nur ein Blick zurück sind, sondern auch ein Akt des Selbstmitgefühls und der Anerkennung, eine Art, die Reise des Werdens zu würdigen.

Im subtilen Wechselspiel von Licht und Schatten webt „Notes on the Wake: Rhapsody and Lamentations in Three Acts" einen Wandteppich aus Verlust und Liebe, eine kollektive und individuelle Elegie auf die Erfahrung der Diaspora. Mit den Werken von Asemota, Shadi und Uambembe und den nachdenklichen Worten von Sharpe, Hooks, Emezi und Di Meo zeugt die Ausstellung von der Kraft des Raums für Trauer, für Erinnerung und für die unzähligen Möglichkeiten, die Echos unserer gemeinsamen und einzigartigen Geschichte zu bewachen. In diesem Raum verkörpert sich Zeit nicht als linearer Verlauf, sondern als ein reiches Palimpsest, ein lebendiges Archiv dessen, was gewesen ist, was ist und was noch sein könnte.    

Biografien

Leo Asemota stammt aus Edo. Er wohnt in London und in seinem Geburtsort Benin City, Nigeria.

Lerato Shadi ist eine in Mahikeng geborene Künstlerin, die derzeit in Berlin lebt und arbeitet. Sie studierte Bildende Kunst an der University of Johannesburg und erwarb 2018 einen MA in Spatial Strategies an der Kunsthochschule Weißensee Berlin. Sie erhielt 2018 den Alumni Dignitas Award der University of Johannesburg und war im selben Jahr Stipendiatin der Villa Romana in Florenz, Italien. Ihre Arbeiten wurden international in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem in der Bundeskunsthalle, Bonn, Deutschland (2023), im Kunstmuseum Wolfsburg, Deutschland (2022), im Palais de la Porte Dorée und im Musée d'art moderne, beide in Paris, Frankreich (2021); in Einzelausstellungen im KINDL - Zentrum für zeitgenössische Kunst, Berlin und im Kunstverein in Hamburg, Deutschland (2020); während der 14. Curitiba Biennale in Brasilien und bei SAVVY Contemporary, Berlin, Deutschland (2019); Kunsthal Amersfoort, Holland, Zeitz Museum of Contemporary Art Africa in Kapstadt, Südafrika (2018). Ihre Videoarbeit Mabogo Dinku war Teil des von der Whitechapel Gallery London organisierten Artists' Film International Programms 2020 und wurde in Kunstinstitutionen auf der ganzen Welt gezeigt. Im Frühjahr 2022 wurde ihre Monografie bei Archive Books, Berlin, veröffentlicht.

Helena Uambembe ist eine angolanisch-südafrikanische Künstlerin, die in ihren Arbeiten die dyadische Beziehung zwischen dem Politischen (Weltpolitik) und dem Häuslichen (persönliche Politik) hinterfragt. Ausgehend von der persönlichen und familiären Geschichte kartiert Uambembe den ideologischen und intimen Raum, der durch die historischen und kolonialen Verbindungen zwischen der angolanischen, südafrikanischen und globalen Geschichte geschaffen wurde. Diese komplexe Familiengeschichte (die selbst ein Bruch mit den gängigen Erzählungen über das postkoloniale Afrika ist), das 32. Bataillon, Pomfret und ihr angolanisches Erbe sind die beherrschenden Themen in ihrem multidisziplinären Ansatz. Im Jahr 2022 erhielt Uambembe den Baloise Art Prize 2022 für ihre Installation What you see is not what you remember, die auf der Art Basel in der Sektion Statements gezeigt wurde. Derzeit lebt sie in Berlin, wo sie Stipendiatin des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) ist.

a house is a house is a home (ein Haus ist ein Haus ist ein Zuhause)

Der Tag der offenen Tür und die Open Studios am 16. und 17. September 2023 markieren die Wiedereröffnung der Villa Romana als "A House for Mending, Troubling, and Repairing". Das Haus öffnet seine Türen für ein breiteres Publikum, das sich nicht nur mit Kunstdiskursen und -praktiken befasst, sondern sich auch für verschiedene Formen der engagierten Zivilbeürgerschaft, der Forschung und des kritischen und ökologischen Denkens einsetzt.

Sie eröffnet und stellt die Arbeit der vier Stipendiaten in den Mittelpunkt, die seit Februar und März 2023 in der Casa leben: Diana Ejaita, Jessica Ekomane, Samuel Baah Kortey und Pınar Öğrenci. Sie haben in den letzten Monaten den Prozess des Übergangs und der Kontinuität der Institution mitgestaltet. Ihre Präsenz, ihre künstlerische Forschung und ihr aktives Engagement waren von grundlegender Bedeutung für die Neugestaltung der Agenda der Villa Romana und haben den Weg für einige der wichtigsten Überlegungen geebnet, die in dieser Ausstellung zum Ausdruck kommen. Wie unsere Kuratorin Mistura Allison anmerkt, haben sie das Echo, das in der Villa und darüber hinaus schwingt, verkörpert und vervielfacht, indem sie vergangene und künftige Energien dieses Künstlerhauses kanalisiert und sich gleichzeitig mit ihrer eigenen Forschung und Praxis auseinandergesetzt haben.

Während die KünstlerInnen am Vernissage-Wochenende ihre Ateliers öffnen, findet in den Räumen der Villa und im öffentlichen Raum eine vielgestaltige und wachsende Ausstellung unter dem Titel a house is a house is a home statt, um den Widerhall des Echos in mehrere Richtungen zu unterstützen. Und um Samen zu sähen. So wie das Haus von den KünstlerInnen und dem Team, das darin wohnt, gelebt, erlebt und belebt wird - und von den vielen FreundInnen, die an seinem Alltag teilnehmen -, so ist auch die Ausstellung als lebendiger Organismus konzipiert: nicht als etwas Statisches und Kristallisiertes, das die BesucherInnen über Wochen hinweg unverändert betreten und erleben können, sondern als ein poröses Gefüge, das sich entsprechend dem Rhythmus des Hauses und den Bedürfnissen und Stimmungen seiner BewohnerInnen verwandelt, bewegt und wächst. Denn als Ein Haus zum Ausbessern, Stören und Reparieren ist die Villa kein Ort der theoretischen Kontemplation, sondern des Handelns und der Relationalität, der Transformation und des (Be-)Wohnens. In einem Haus werden oft Tische gedreht, Stühle umgestellt, Gegenstände werden verschoben, gehen verloren und tauchen manchmal wieder auf. Auch die Stimmungen ändern sich, denn Sonne, Schatten und Licht verändern die Form des Hauses und dessen Erfahrung über Tage und Jahreszeiten hinweg.

Ein Haus ist ein Haus ist ein Zuhause, und seine Wände sind nicht statisch, sondern können zuweilen sprechen und tanzen, bröckeln und verstauben, schützen und bedrücken. In allen Kulturen ist das Zuhause nie ein festes Konzept, sondern eine Erfahrung. Eine Erfahrung, die jenseits des Westens meist kollektiv ist und sich nicht im Individuum oder in den Grenzen der Kernfamilie und der biologischen Familie erschöpft. Stattdessen stellt sie eine Kette von miteinander verbundenen und stets umfassenden Intimitäten dar, die von gegenseitiger Abhängigkeit und Geselligkeit geprägt sind.

Während wir bei SAVVY Contemporary in Berlin gelernt haben, ein Njangi-Haus zu leben und zu verkörpern (Ndikung 2017), als eine Übung ständiger Solidarität, sind wir hier in der Villa Romana daran interessiert, mit der Notwendigkeit zu experimentieren, die Ordnung eines Zuhauses zu hinterfragen un zu stören. Um es mit den Worten von Giulia Palladini zu sagen, sehen wir dies als eine Gelegenheit an, um zu überdenken, was ein Zuhause sein könnte, und um deutlich zu machen, dass „es die Beziehung zwischen dem 'Politischen' und dem 'Häuslichen' ist, die sorgfältig überdacht werden muss, in der Politik ebenso wie in der Kunst." Wie sie weiter ausführt: „...eine andere Politik der Verwendung des Häuslichen zu erfinden, die das Schicksal seines Dilemmas behebt und eine mögliche Zukunft der Erlösung für alle Aktivitäten vorstellt, die dieses Wort hervorrufen könnte. (...) ein nicht-domestiziertes häusliches Leben zu fordern, ein wildes häusliches Leben, ein fantasievolles und unberechenbares häusliches Leben. (...) ein häusliches Leben jenseits von Familie und Psychoanalyse zu beschwören, ein häusliches Leben, das bereits in vielen Realitäten existiert, das von einer Vielfalt aufgebaut, verteidigt und aufrechterhalten wird. Ein Zuhause, das nicht auf Identität beruht, sondern auf einer Seinsweise, die das menschliche Leben möglich und wünschenswert macht."

Die aktuelle Ausstellung ist nicht als Inszenierung von Aussagen und theoretischen Positionen zu verstehen. In Anlehnung an das „take-over“ Projekt und das freie Experimentieren der Kinder vor einigen Wochen oder unsere Mitgestaltung eins Codex des Respekts und des Zusammenlebens schaffen wir eine Anhäufung von Beziehungen, eine Möglichkeit gelebter Komplexität und offener Verbindungen, in denen auch konfliktreiche Pluralisierung und Prozesse ausgetragen werden, wie in unseren „Gesellschaften der Verhandlung", um es mit den Worten von Naika Foroutan zu sagen.

Das Zuhause ist nicht nur ein Gebäude, ein Ort oder eine physische Einheit, sondern vielmehr ein Ergebnis kontinuierlicher Aushandlungsprozesse, bei denen soziale Normen und Machtstrukturen in Frage gestellt werden.

A House for Mending, Troubling, Repairing steht für einen Raum, der Dissens zulässt und offen ist für kollektive Reflexion; ein Ort, an dem Normativität und Kanondenken in Frage gestellt werden; ein Haus, in dem künstlerisches Experimentieren Hand in Hand mit sozialer Reparatur geht.

Es gibt viele Türen und Fenster, die Sie beim Gang durch die vielen Räume dieses Hauses entdecken und öffnen werden. Betrachten Sie jede von ihnen als eine Schwelle, die Sie in einen persönlichen Raum führt, aber auch als einen Hyperlink, der es Ihnen immer wieder ermöglicht, einen Schritt zurückzutreten und zum relationalen Rhizom der Verbindungen zurückzukehren, das das Haus durch seine Geschichte und seine Anwesenheit bildet.

Auch der öffentliche Raum wird mit einbezogen, um die Grenzen zwischen dem Persönlichen und dem Politischen, zwischen dem privaten und dem öffentlichen Engagement unserer künstlerischen Reflexion zu verwischen. Emeka Ogboh, der zusammen mit Chiara Figone (Archive Ensemble) als Juror für den Villa Romana-Preis 2023 fungierte und die Arbeit unserer Stipendiaten in diesen Monaten unterstützt hat, interveniert mit einer neu in Auftrag gegebenen Ausgabe von This Too Shall Pass - Tutto Passa, einer Mehrkanal-Klanginstallation auf dem Piazzale degli Uffizi, und einer choralen Performance in der historischen Società Canottieri Firenze. Das Werk reflektiert, was gemeinsames Singen in unserer Gesellschaft bedeutet, insbesondere in einer (post)pandemischen und krisengeschüttelten Welt, in der Musik und Kunst an sich schon lange durch andere mediale Präsenzen in den Hintergrund gedrängt wurden, und unterbricht den Fluss eines der belebtesten und symbolträchtigsten Plätze Italiens, des Piazzale degli Uffizi, auf akustische Weise.  

Auf diese Weise wird die Villa Romana mit der vielschichtigen Geschichte von Florenz in Verbindung gebracht und gleichzeitig eine Verbindung zur Eröffnung der wichtigen Ausstellung Camere con Vista hergestellt. Aby Warburg, Firenze e il laboratorio delle Immagini in der Gallerie degli Uffizi am 18. September, kuratiert vom Kunsthistorischen Institut (KHI), dem Warburg Institut und den Uffizien.

Juliane von Herz, Kuratorin und Auftraggeberin der ersten Iteration von This Too Shall Pass in Frankfurt, schreibt: „Emeka Ogboh erschließt durch sinnliche Erfahrungen wie Hören, Sehen, Schmecken, Riechen und Fühlen kulturelle Erinnerungsräume. In seinen Kunstwerken, Koch- und DJ-Performances werden diese Erinnerungsräume nach musikalischen Prinzipien gesampelt, ihre Ursprünge verschränkt."

Gemeinsam mit dem Villa Romana-Stipendiaten Samuel Baah Kortey lädt Ogboh am Abend des 16. September zu einem multisensorischen Erlebnis in die Villa Romana ein: Florence na so so enjoyment, eine Session am Grill im Garten mit kleinen Koteletts und Musik. Dieser besondere gesellige Moment wird mit einem DJ-Set von Emeka Ogboh fortgesetzt, einem weiteren Bestandteil des Stücks This Too Shall Pass - Tutto Passa.  

Um die weiteren polysemischen Möglichkeiten Warburgs zu erweitern, präsentiert das Archive Ensemble in den Gemeinschaftsräumen der Villa eine Wiederholung seiner Haptic Library, die „Bibliotheken als gemeinschaftliche Displays für kollektive Interaktion und verschiedene kulturelle Formate auf der Grundlage antikolonialen und feministischen Denkens und Handelns neu vorstellt". Durch Lesungen, Textilien und Musik als multisensorische Medien für die Archivierung und Verbreitung von Erzählungen und Wissen richtet die Haptic Library ihren Fokus über das gedruckte Buch die Hegemonie des Sehsinns hinaus auf den Tastsinn und bietet eine Vielzahl von Perspektiven und Formen des Geschichtenerzählens über Regionen, Generationen und Epistemologien hinweg.

Die Installation und die relationale Bibliothek können sich im Büroraum oder an anderen Orten befinden, je nach den Bewegungen, den Bedürfnissen und den Stimmungen der Bewohner oder Wesen, die das Haus bewohnen, wie alle anderen Stücke dieser Installation. Wie in einem Haus und einem gemeinsam genutzten Raum werden Sie aufgefordert, herauszufinden, was sich wo befindet, und sich auf den Rhythmus und die Nutzung des Hauses und der Menschen, die dort leben, einzustellen.

Sobald man das Tor der Villa betritt, stößt man auf die Textilinstallation von Diana Ejaita, sechs bedruckte Stoffe, die von einer reichen abstrakten Symbolik durchdrungen sind. Sie empfangen den Besucher auf multisensorische Weise und filtern den Blick auf die bürgerliche architektonische Abfolge der Räume, indem sie Schichten der Undurchsichtigkeit und des epistemologischen Dissenses und der Vorstellungskraft multiplizieren. Man kann im Atrium ankommen, der Hauptkreuzung des Hauses, wo viele Klang-Echos ebenso wie visuelle Perspektiven ineinander übergehen und miteinander verwoben werden, oder man kann in die Nebenräume zurückgehen, wo Pınar Öğrencis Filme Zeit und Raum gestalten. Ihr erste Arbeit mit dem Titel Snow (2023) verweist auf die in Aşít (2022) gezeigten Szenografien, die Themen wie Vertreibung, Migration und Widerstand behandeln. Während man durch den Schnee navigiert, lässt Öğrencis Dreikanal-Filminstallation Hotel Miks (2023) die gesellige Alltäglichkeit des Lebens in der Villa widerhallen, allerdings in der Heimatstadt des Vaters der KünstlerIn, Miks (oder Müküs auf Kurdisch, Moks auf Armenisch, Bahçesaray auf Türkisch) in der Provinz Wan. Im Atrium wird eine Auswahl von Fotografien und Dokumenten aus dem historischen Archiv der Villa Romana präsentiert, um einen Hintergrund für die Überlegungen zu liefern, die die Ausstellung in den Vordergrund zu stellen versucht. Reproduktionen aus den ersten Momenten der Gründung dieses Künstlerhauses, allesamt Dokumente aus den ersten Jahrzehnten der Institutionen sind verloren gegangen, da das Archiv während des Zweiten Weltkriegs nach Berlin verbracht und das Gebäude, in dem es gelagert wurde, bombardiert wurde, sowie Originalfotografien und Bilder des künstlerischen Lebens in der Villa. Gemeinsam mit Carlotta Castellani, die im Hinblick auf unser 120-jähriges Bestehen mit der Leitung der Archivrecherche betraut ist, haben wir Momente und Werke hervorgehoben, die im Leben der Villa zu Brüchen und Perspektivverschiebungen geführt haben. Einige davon erlauben es uns, auf den aktuellen Forschungsrichtungen der Institution aufzubauen, wie z.B. feministische Störung, diasporische Zugehörigkeit, ökologische Nachhaltigkeit und Dekanonisierung.

Die Arbeit von drei Künstlerinnen wird besonders hervorgehoben: drei Frauen, deren Forschungen sich mit einigen der Fäden verflechten, die wir in dieser Ausstellung und diesem Programm zusammenweben:

Anna Oppermann, Villa Romana-Stipendiatin 1977, wird mit ihren monumentalen und subtilen Ensembles vorgestellt, dreidimensionalen Wandinstallationen, die als offene Sammlungen und Arrangements aus teilweise mehreren hundert Bildschirmen, Fotografien, Zeichnungen, Objekten, Skulpturen, architektonischen Elementen, Schrifttafeln und Schriftbändern zusammengefügt sind. Sie wurden von der Künstlerin als im Raum ausgebreitete Bild- und Gedankenprozesse und als Reflexionen zu Übergängen zwischen Realität und Fiktion ausgearbeitet. Ein interessantes visuelles Echo und konzeptioneller Kontrapunkt zur Arbeitsweise von Aby Warburg und seinem Mnemosyne-Atlas, über den in diesen Tagen dievon Gerhard Wolf und dem Kunsthistorischen Institut kuratierten Ausstellung Camera con Vista in der Gallerie degli Uffizi eröffnet wird.

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Ulrike Rosenbach, die 1977 zusammen mit anderen Persönlichkeiten wie Martin Kippenberger, Marcel Odenbach und Klaus vom Bruch als Gaststipendiatin hier zu Gast war, bringt eine feministische performative Praxis in den Vordergrund, die bis heute viele Diskussionen und Überlegungen im Haus anregt. Ende Juli 1977 organisierten die damaligen BewohnerInnen einen Performance-Abend im und um den Garten unter dem Titel Künstler arbeiten für Künstler: An diesem Abend wickelte Rosenbach einen 1370 m langen roten Faden zehnmal um das Haus, ein Maß, das die Entfernung von der Villa Romana zu ihrem Haus (1370 km) darstellen sollte, und wickelte den restlichen Teil um ihre Beine, während sie sich auf ein Labyrinth aus Kerzen legte und mit den Händen in der Luft das Symbol der italienischen Frauenbewegung zeigte. Am nächsten Tag benutzte sie denselben Faden, den sie abgeschnitten hatte, um den Kopf der „dummen" (wie sie sie nannte) Medici-Venus am Ende der Auffahrt zur Villa Romana zu bedecken.

Dorothee von Windheim wurde 1975 mit dem Preis ausgezeichnet. Ihr Werk befasst sich im wahrsten Sinne des Wortes mit der Praxis des Strappo, wobei sie über die Vergänglichkeit von Spuren und die philosophische Bedeutung von Brüchen ebenso nachdenkt wie über die Begriffe des Rahmens und des Index. Durch die Dekontextualisierung von Putz aus alten und neueren Gebäuden wollte der Künstler die (Un-)Geschichte des Alltäglichen beleuchten, aber auch über die Individualität nachdenken, die ein anonymer Teil des öffentlichen Raums durch die Umsetzung in einen Kunstkontext plötzlich gewinnt. Eine weitere interessante Überlegung im Haus zum Ausbessern, Beunruhigen, Reparieren.

Die Ausstellung setzt sich in mehrere Richtungen fort, je nachdem, ob der Besucher dieser oder jener Stimme folgen möchte.

Wenn wir die Treppe weiter hinaufgehen, werden wir von einem Mehrkanal-Soundstück von Jessica Ekomane, Untitled 1, aufgefangen, das wir körperlich erleben können, während wir die große Steintreppe der Villa Romana hinaufgehen. Ein separater Text von Mistura Allison begleitet die Installation, um die vielschichtigen Arbeiten unserer Stipendiaten und ihre besonderen Beiträge zu dieser Ausstellung zu vertiefen. Aber die theoretische und mathematische Komplexität von Jessicas Arbeit erfordert ihre eigene konzentrierte kognitive Mitarbeit.

Auf dem ersten Balkon angekommen, wird man mit dem hypnotischen und pulsierenden Werk von Stephany Nwobodo - Genesis (2023) - konfrontiert, einem Gemälde, das in eine der architektonischen Lünetten des Atriums gemeißelt wurde und alte Masken aus dem Wissenssystem der Igbo wiederbelebt. Der Adamma-Maske werden sieben Pfauenfedern gegenübergestellt, die über die weibliche Schönheit hinausgehen und als Beschwörung vergangener und zukünftiger guter Geister im Haus fungieren. Ein Schutz für die Gefährten, für das Haus und für die Menschen, die diese Zeichen und Codes lesen können.

Auf dem höchsten Balkon, mit Blick auf die Treppe und das Treppenhaus, ist der Kurzfilm Forensic for a Mamluk von Shannon Bool (Villa Romana Fellow 2013) installiert. Das Stück aus der Sammlung der Villa Romana zeigt eine analytische Vogelperspektive auf ein Meisterwerk der dekorativen Kunst, den riesigen ägyptischen Mamluken-Teppich aus der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Der Teppich war im Palazzo Pitti in Vergessenheit geraten, bis er 1982 von Alberto Boralevi, einem Florentiner Teppichexperten, in einer versiegelten Kammer des Palazzo wiederentdeckt wurde. Das Objekt war in Vergessenheit geraten, weil die dekorativen Künste gegenüber der Malerei und der Bildhauerei als minderwertig angesehen wurden. Für uns bietet es nicht nur die Möglichkeit, einen nicht-westlichen erkenntnistheoretischen Ansatz für das Studium von Bildern und Artefakten zu entwickeln, sondern es symbolisiert auch die Absicht, die Häuslichkeit neu zu verhandeln, es verkörpert die buchstäbliche Geste des Flickens und Webens, und es eröffnet eine starke Verbindung zu unserem Garten.

Wenn man im ersten Stock durch das Achteck zu den Künstlerateliers und der Wohnung von Diana (rechts) und Pinar (links) geht, befindet man sich plötzlich in einem hohen Raum, einer leeren Geometrie, die sich wie ein ausgehöhlter Turm bis zum Dach der Villa erstreckt. Wenn man nach unten schaut, sieht man einen weiteren Film von Pınar Öğrenci, ein Stück aus Un Peso, das uns in die Stadt Acapulco in Mexiko führt.

Wenn man die steilsten und engsten Stufen des Hauses hinaufsteigt, sieht man eine Wand mit den Namen aller Stipendiaten, die von 1905 bis heute mit dem Preis der Villa Romana ausgezeichnet wurden. Eine lange Liste mit einigen verstorbenen und vielen noch lebenden Künstlern, die im Laufe der Geschichte ihre Spuren hinterlassen haben.

Der Parcours führt entweder auf die Terrasse, wo eine Klanginstallation des hauseigenen Radios - Radio Papesse von Ilaria Gadenz und Carola Haupt - zu hören ist, oder in die Bibliothek der Villa. Anlässlich der Offenen Ateliers 2023 präsentieren sie Echoes from troubled bodies, eine immersive Installation mit ausgewählten Stimmen aus dem Archiv von Radio Papesse, von Ananda Costa, Alessandra Eramo, Adriene Lilly, Jasmina Metwaly (Villa Romana Fellow 2022) und Josèfa Ntjam. Sie alle setzen sich mit dem Körper als Ort des Diskurses auseinander und nutzen ihn als Resonanzkörper und Klanginstrument. Auf demselben Dach entfaltet sich im Laufe der Ausstellung und des ganzen Jahres eine andere Art von multisensorischem Experiment, eine Reise zu den Sonnenwenden: Ivana Frankes Stück Suncostaj. Ein Instrument, das die Sonnenstrahlen einfängt, ist auf dem höchsten Punkt der Villa gelandet und macht das Sonnenlicht sichtbar, indem es auf die Besucher und die in der Stadt umherstreifenden Menschen geworfen wird. Es erscheint eher als ein Grenzlicht, das Neugierde weckt, als eine Markierung oder ein Wegweiser - ein „Navigationsstern", der unsichtbare Bahnen, mögliche Bewegungspfade von verschiedenen Orten in der Stadt beschreibt. Ein visuelles Echo der Villa Romana, das von den BewohnerInnen und PassantInnen der Stadt Florenz unerwartet wahrgenommen wird. Kein Leuchtturm, sondern ein Tagesstern, der zur Präsenz aufruft und diejenigen, die sich zum Haus des Ausbesserns, Störens und Reparierens berufen fühlen.

Wenn man die Treppe hinuntersteigt und durch den Korridor geht, in dem man nacheinander auf die Ateliers und Räume verschiedener GastkünstlerInnen trifft, gelangt man zu einem weiteren pulsierenden Herzstück der Villa: der Bibliothek und dem Archiv, in dem Tausende von Büchern den BewohnerInnen und ForscherInnen zur Verfügung gestellt werden. Hier präsentiert die Filmemacherin Aline Benecke das Stück Können wir nicht so egozentrisch sein und unsere Erfahrungen für uns behalten? Diasporische Erinnerungen an Fasia Jansen, ein Stück, das sich mit der Erinnerung an die deutsche politische Liedermacherin und Friedensaktivistin Fasia Jansen auseinandersetzt. Fasia wurde 1929 in Hamburg als uneheliche Tochter des weißen deutschen Mädchens Eli Jansen und der liberianischen Konsulin Momolu Massaquoi geboren. Sie wurde Zeugin des Leidens jüdischer Frauen im Lager Neuengamme, wo sie zur Zwangsarbeit inhaftiert war. Nach diesen und vielen anderen traumatischen Erlebnissen widmete Fasia ihr Leben verschiedenen politischen Kämpfen, engagierte sich in Frauen-, Arbeiter-, Anti-Atom- und Friedensbewegungen und schrieb eine beeindruckende Sammlung von Protestliedern. Wie Benecke schreibt: „Unsere Sehnsucht war es, uns mit Fasia aus einer Black-Queer-Perspektive zu beschäftigen, ihre Positionierung zu verstehen und damit unsere zu verhandeln. Wir taten dies, indem wir ihre Lieder und ihren Geist sammelten und nachspielten. Unser Chor - das Fasia Jansen Ensemble - ist eine spirituelle Beschwörung.“ Das Stück gewann den Villa Romana-Preis des diesjährigen ADCF, des African Diasporic Cinema Festival, das von Fide Dayo, einem weiteren Bewohner der Villa Romana, gegründet und geleitet wird. Für uns ist es eine Reflexion über die Bedeutung der Erschaffung und Erhaltung von dissidenten Archiven und über die Notwendigkeit, das heteronormative historische Gedächtnis zu hinterfragen. Gleichzeitig materialisiert es sich als ein Chor von aktivistischen Stimme, die im ganzen Haus in Echos widerhallen.

Zurück auf dem Korridor desselben Stockwerks finden Sie die Zimmer der GastkünstlerInnen: KünstlerInnen, die die Villa für einen kürzeren Zeitraum mit uns zusammen bewohnen. Es handelt sich um vier Zimmer, darunter eines, das nach Hans Purrmann benannt wurde und das im Haus zum Ausbessern, Stören, Reparieren gerade kollektiv umbenannt wird. In diesem Raum lebt der Künstler Erik Tollas, ein Gast des ERIAC (European Roma Institute for Art and Culture) und der Villa Romana, der an den Open Studios und der Ausstellung a house is a house is a home teilnimmt. Inspiriert vom Garten der Villa Romana hat Tollas drei neue Werke geschaffen, die Sie im Grünen verteilt finden werden: Indian Summer mit Blumen, Olive Yard at Night und Honeydew Teardrops.

Der Raum gegenüber dem ehemaligen Hans Purrmann-Zimmer trägt den Namen Superstudio. Die Superstudio-Möbel, die dem Raum den Namen geben, sind ein Kunstwerk von Marine Hugonnier: Stücke aus ihrer Einzelausstellung, die im Sommer 2009 in der Villa Romana zu sehen war, sind nun als Dauerinstallation in einem Gästezimmer arrangiert: ein Bett, ein Kleiderschrank, Regale und drei kleine Tische. Wie Sie auf unserer Website zu ihrer Ausstellung nachlesen können, „hatte die französische Künstlerin Marine Hugonnier Prototypen aus der ‚Misura‘-Serie von ‚Superstudio‘, der radikalen Architektengruppe in Florenz in den 1970er Jahren, geklont. Sie betrachtete das Konzept des Klonens als eine zeitgenössische Reproduktionstechnik. In der Praxis veränderte Hugonnier die Abmessungen bzw. die Proportionen der einzelnen Objekte auf subtile Weise. Diese Idee des Klonens eröffnete die Möglichkeit einer kritischen Aufarbeitung der Anliegen von ‚Superstudio‘ im Hinblick auf die Gegenwart.“

Der letzte Raum auf der rechten Seite ist das etwas mythische und - nach Aussage aller dort Schlafenden - intensiv inspirierende Álvaro-Urbano-Zimmer (ehemals nach Arnold Boecklin benannt), eine weitere Dauerinstallation als Gästezimmer, die einer traumhaften Krypta ähnelt: „Das Bett erhebt sich wie schwebend vom Boden. Alte Skulpturen aus Stein und Terrakotta, Vitrinen und archäologische Funde, die im Garten ausgegraben wurden, scheinen neben dem Bett aufzutauchen wie kommunizierende Gefäße in einem hermetischen Traum. Die aus dem Garten aufgetauchte Psyche von Capua wacht über den Schläfer und hilft ihm beim Erwachen. An der schrägen Decke öffnet sich ein Fenster, durch das man Grashalme in einem Dachgarten hoch oben erblicken kann.“

Der Raum steht in Verbindung mit einem anderen Werk, das Álvaro Urbano während seines Aufenthalts als Stipendiat der Villa Romana im Jahr 2014 hinterlassen hat: Im Garten, auf der linken Seite neben dem vom Jasmin überwucherten Pavillon, ist das Werk Observatory als nächtliches Bett gestaltet, das eine vergrabene Assoziation zur Hypnerotomachia Poliphili, zu Böcklin, Edgar Allan Poe, Ebdòmero, Bréton, Dali, Buñuel, Tatì, Jodorowski, Horrorkino usw. nahelegt. Das Stück wurde anlässlich der Open Studios 2023 und der Ausstellung restauriert, und das Publikum ist eingeladen, das Stück zu aktivieren und eine neue Beziehung zu ihm aufzubauen. Das Stück wird in Kürze in den Heilungsgarten integriert, den wir im Herbst bepflanzen und pflegen werden.

Wenn Sie die Treppe wieder hinuntergehen, entweder in umgekehrter Richtung oder über die kleinere Treppe, treffen Sie wieder auf die Haupthalle, die Abzweigung, von der die verschiedenen Routen ausgingen. Dort gehen Sie in Richtung Garten und finden den Hauptsaal Sala Giardino, unseren größten und bekanntesten Raum, der für verschiedene öffentliche Aktivitäten und gemeinsame Momente sowie Ausstellungen genutzt wird. Hier präsentiert unser Stipendiat Samuel Baah Kortey eine neue Reihe von Werken, die während seines Aufenthalts in Florenz entstanden sind: ein großformatiges Gemälde, das an die Kunst der afrikanischen Wachsdrucke und insbesondere an die Tradition der Stoffdrucke zum Gedenken an prominente Persönlichkeiten als Symbol für Stärke und Identität im Angesicht der Unterdrückung anknüpft. Die Leinwand, Teil der Serie Do This in the Remembrance of Us des Künstlers mit dem treffenden Titel Na Who Give Up, Messop, entfaltet sich über die gesamte Länge und Breite des Raumes, während ihre Materialität durch das Klangstück Our Village People (Do This In Remembrance of Us) verstärkt wird. Samuel begleitete die Besucher auch bei der Navigation durch das Haus, indem er in verschiedenen Ecken der Villa kleinere Werke installierte, die wie Gespinste oder lebende Organismen an den Wänden auftauchen: Die Arbeiten sind Teil der Serie Chris-sis; Inaccessible files 00BC-Forever III, die sich mit der Hyper-Sichtbarkeit des christlichen Kruzifixes und der christlichen Ikonografie in der urbanen Landschaft seines Heimatlandes Ghana auseinandersetzt und auf die Kommerzialisierung dieses religiösen Symbols anspielt.

Impressum

Direktorin: Elena Agudio

Kuratorin und Projektkoordinatorin: Mistura Allison

Verwaltung: Claudia Fromm

Produktion Ausstellung: Giulia Del Piero

Produktion Haus: Ala Turcan, Victor Cebotaru

Künstlerische Betreuung: Leonardo Panci

Kuratorische Assistenz: Cecilia Buffa

Technische Unterstützung und Tontechnik: Pietro Mauro Forte (für die Installation This Too Shall Pass - Tutto Passa von Emeka Ogboh auf der Piazzale degli Uffizi)

Komponist und Übersetzung von This Too Shall Pass - Tutto Passa: Omar Gabriel Delnevo

Archiv: Carlotta Castellani

Archivassistenz: Leonie Wessel

Gartenteam: Marleen Boschen, Isabella Devetta, Claudia Fromm, Victor Cebotaru, Leone Contini, Carola Haupt, Mistura Allison, Elena Agudio.

Grafisches Konzept: Untitled Design Agency

Wir danken den BewohnerInnen der Villa Romana und all jenen, die in den vergangenen Monaten immer wieder zu ihrer Lebendigkeit beigetragen haben: die Villa Romana-Stipendiaten und Alumni, Elena Micheli, Radio Papesse, Michele Pardo, Justin R. Thompson, Janine Gaëlle Dieudji, Jermay Micheal Gabriel, Odeon Davis, Chris Cyrill, Carmela Iziegbe, Juliane von Herz, Jonas Tinius, Edoardo und Jacopo Bottarelli, SADI, Chiara Figone, Emeka Ogboh, Paz Guevara, Lynhan Balatbat, Leila Bencharnia, Fide Dayo, Simona Fabiani, Antonella Bundu, Jasmina Metwaly, Anna Lambertini, Giacomo Zaganelli, Archipel e.V., Ilaria Cavallini, Marzia Duarte, Constance Van Berckel, Eva Sauer, die Studierenden des Masterstudiengangs Spatial Strategies der Kunsthochschule Berlin-Weißensee, das Kollektiv blaxTARLINES.

Wir sind dankbar für die kontinuierliche institutionelle Zusammenarbeit und Unterstützung von: Kunsthistorisches Institut in Florenz - Max Planck Institut (KHI), The Recovery Plan, ooh-sound, Nub Project Space, ERIAC - European Roma Institute for Arts and Culture, Il Bisonte - Foundation for Art and Printmaking, Dipartimento di Architettura del Paesaggio dell'Università di Firenze, Masterprogramm Spatial Strategies der Kunsthochschule Berlin-Weißensee, Archive Books.

Wir danken dem Vorstand der Villa Romana für dessend ständige Unterstützung und dem Kuratorium für dessen Engagement.  

 Die Villa Romana wird gefördert durch: Bundesbeauftragte für Kultur und Medien (BKM), BAO Stiftung, Deutsche Bank Stiftung.

Dieses Ausstellungsprojekt wurde auch durch die Unterstützung der Fondazione CR Firenze ermöglicht, dank der Zusammenarbeit mit dem Kunsthistorischen Institut in Florenz (Max-Planck-Institut), und sie ist Partner der Florence Art Week.

Die Installation von Emeka Ogboh auf der Piazzale degli Uffizi hat das Patrocinio der Stadt Florenz.

EIN HAUS ZUM FLICKEN, STÖREN UND REPARIEREN, ÖFFENTLICHES PROGRAMM 2023

(A House for Mending, Troubling, and Repairing 2023)

Mit A House for Mending, Troubling, and Repairing schlägt die Villa Romana ein öffentliches Programm mit Workshops, Laboratorien, Präsentationen und künstlerischen Interventionen vor, die sich durch gemeinsames Handeln, ökologisches Denken und antirassistisches und antidiskriminatorisches Arbeiten auszeichnen, um Praktiken der radikalen Konvivialität, der Inklusion, des Teilens und der Wiederherstellung zu entwickeln. Die Zeiten der Krise, in denen wir leben, zwingen uns, die Art und Weise, wie wir den Planeten gemeinsam bewohnen, zu überdenken und einige der grundlegenden Werte der westlichen Kultur zu hinterfragen - einer Kultur, die sich selbst als ökozidal und epistemizidal gegenüber anderen Wissenssystemen jenseits des eurozentrischen Narrativs erwiesen hat. Um eine ökologisch und sozial nachhaltige Zukunft zu entwickeln, öffnet sich die Villa Romana der Stadt als Laboratorium für kritische Reflexion und Konfrontation, als Raum für soziokünstlerisch-kulturelle Experimente und gleichzeitig als Werkstatt und Heimat für die Entwicklung von Werkzeugen und Praktiken, die es uns ermöglichen, die schwierige Arbeit der Reparatur, mit der wir uns konfrontieren müssen, in Angriff zu nehmen.

27.05.2023

Rosalyn D'Mello

 Vinagr: Fermenting the Multitude

21.06.2023

Midsummer Night

 SADI, Lamin Fofana, Jessica Ekomane, Afrorack

 In Zusammenarbeit mit OOH-Sounds und NUB Project Space

21.07.2023

 Janette Bisschops

 Jagd nach Geistern

31.07 - 5.8.2023

 Takeover (for and by children)

 (für und von Kindern)

16.09.2023

 Aline Benecke

Can We Not Be So Self-Centered and Keep Our Experiences to Ourselves? Diasporic

Rememberances of Fasia Jansen

27.10.2023

Giulia Palladini

For an indomitable domestics

19.11.2023

Barbara Casavecchia, Övül Ö Durmusoglu

Echos from the Outside

Das Projekt wird mit Unterstützung der Fondazione CR Firenze realisiert.

Monatsbriefe

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(PROGRAMM)

Aktuelle Veranstaltung

EVENT

Apr 15, 2023

Chris Cyrille — „Welche Art von Welt bereitet ihr für uns vor?“

PUBLICATION

Apr 14, 2023

Apr 14, 2023

Begegnungen in einem Archiv. Objekte der Migration/Fotoobjekte der Kunstgeschichte

Mehr Laden

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(PROGRAMM 🡪 Ausstellungen)

Apr 11, 2023

Achte Ausgabe des Black History Month Florence SFORZANDO

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(PREISTRÄGERINNEN)

(PREISTRÄGERINNEN 🡪 Villa-Romana-Preis)

Villa-Romana-Preis

Der Villa Romana-Preis wurde ins Leben gerufen, um talentierten, vor allem jüngeren, in Deutschland ansässigen KünstlerInnen die Möglichkeit zu bieten, ihre künstlerische Position während eines längeren Aufenthalts in Florenz weiterzuentwickeln.

Die Villa Romana in Florenz beherbergt jedes Jahr vom 1. Februar bis 30. November vier PreisträgerInnen für einen zehnmonatigen Aufenthalt, der die kostenlose Nutzung eines Studios und einer voll ausgestatteten Wohnung sowie eines monatlichen Stipendiums von €2000 beinhaltet

Die vier GewinnerInnen werden von einer jährlich wechselnden Jury ausgewählt (in der Regel ein*e renommierte*r KünstlerIn und ein*e KuratorIn). Während ihres Aufenthalts in der Villa Romana steht es PreisträgerInnen frei, Kooperationsprojekte sowie KünstlerInnen, WissenschaftlerInnen und andere DialogpartnerInnen für kurze Aufenthalte vorzuschlagen.

Die Villa Romana-PreisträgerInnen nehmen an Ausstellungen sowohl in Florenz als auch in Deutschland teil. Am Ende ihres Aufenthalts in Florenz konzipieren die StipendiatInnen gemeinsam eine Publikation in Form eines Künstlerbuches.

Der Villa Romana-Preis ist der älteste deutsche Kunstpreis. Seit seiner Gründung im Jahr 1905 ist die Geschichte des Villa-Romana-Preises mit renommierten KünstlerInnen verbunden. Vor dem Ersten Weltkrieg gehörten Georg Kolbe (1905), Max Beckmann (1906), Käthe Kollwitz (1906) und Ernst Barlach (1908) sowie später Gerhard Marcks (1928) und Emy Roeder (1936) zu den StipendiatInnen. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde der Preis u.a. an Horst Antes (1962), Georg Baselitz (1965), Markus Lüpertz (1970), Michel Buthe (1976) und Katharina Grosse (1992) verliehen.

Der Villa Romana-Preis war in erster Linie KünstlerInnen zu Beginn ihrer Karriere gewidmet und hat damit die Geschichte der modernen Kunst mitgeschrieben.

(PREISTRÄGERINNEN 2024)

PreisträgerInnen 2024

In Frühjahr 2023 trafen sich die beiden ausgewählten JurorInnen des Villa Romana-Preises 2024 — die Kuratorin Paz Guevara und die Künstlerin Lerato Shadi — zusammen mit der neu ernannten Direktorin Elena Agudio und der Kuratorin und Projektkoordinatorin Mistura Allison in Florenz. Zum ersten Mal wurden vier Nominators eingeladen, um KünstlerInnen zu empfehlen, die für den Preis in Frage kommen. Die Nominierenden waren: die Kuratorin Natasha Ginwala, die Künstlerin Marwa Arsanios, der Künstler Ibrahim Mahama und der Kurator und Künstler Lorenzo Sandoval.

Die JurorInnen entschieden sich, Praktiken in den Vordergrund zu stellen, die sich durch soziale Relevanz, öffentliches Engagement, Widmung zu Fragestellungen des Domestischen, langfristige Forschung und experimentelle Arbeit auszeichnen.

Die Zusammenarbeit zwischen dem Kunsthistorischen Institut in Florenz — Max-Planck-Institut und der Villa Romana wird 2024 in ihrem fünften Jahr fortgesetzt. Villa Romana e.V. dankt dem Kunsthistorischen Institut in Florenz — Max-Planck-Institut für diese fortgesetzte Unterstützung.

Tuli Mekondjo

Künstlerin

Namibia

Tuli Mekondjo ist eine autodidaktische namibische Künstlerin, die in Berlin lebt. Im Jahr 2022 wurde sie durch das renommierte Berliner Künstlerprogramm DAAD ausgezeichnet. Sie arbeitet in verschiedenen Medien und Materialien, wie z.B. Stickerei, Fototransfer, Harz und Mahangu (Hirse), einem Grundnahrungsmittel in Namibia. Mekondjo stützt sich in ihrer Praxis auf fotografische Archive aus Kolonial- und Kriegszeiten und untersucht durch sie namibische Geschichte und Identitätspolitik. Ausgehend von Geschichten der Veränderung, Verlust und Unterwerfung — insbesondere mit Hinblick auf Frauen — näht sie zwischen Vergangenheit und Gegenwart. In vielen neueren Arbeiten positioniert sich die Künstlerin im Dialog mit ihren Vorfahren, wobei sie ihren Schmerz direkt anerkennt und gleichzeitig multiple afrikanische Traditionen der Folklore zitiert.

Monai de Paula Antunes

Künstlerin

Deutschland

Monai de Paula Antunes ist eine in Berlin lebende künstlerische Forscherin, eine Übertragungskünstlerin und Radiomacherin. Sie interessiert sich für Kommunikation und Komplexität sowie deren materielle, räumliche und politische Verflechtungen. Ihre Arbeit beschäftigt sich mit den komplexen Materialitäten und vielfältigen kulturellen Traditionen des Radios und lenkt damit die Aufmerksamkeit auf periphere Erscheinungsformen der Kybernetik und Ökologie. Ihre Praxis, die sich als Infrastruktur präsentiert, dezentralisiert und verbindet, indem sie partizipative Kunstwerke produziert, aber auch Dinge als Kunstform reformiert und miteinander verwebt. Als Teil von Radio Otherwise ist sie auch Direktorin und Gründerin von Archipel Stations Community Radio sowie Gründerin und Vorstandsmitglied von Archipel e.V und FR-BB e.V., neben anderen NGOs, die sich mit Kunst, Bildung, Kommunikation, Philosophie und Ökologie beschäftigen.

Sergio Zévallos

Künstler

Peru

Sergio Zévallos ist ein multidisziplinärer Künstler, der zwischen Lima und Berlin lebt und arbeitet. Er war Mitbegründer von Grupo Chaclacayo, einem Kollektiv der 1980er Jahre, das sich mit der Schnittstelle von Religion, Geschlecht und bewaffneten Konflikten befasste. 1989 emigrierte die Gruppe nach Deutschland, bis sie sich 1994 auflöste. Zevallos arbeitet an Fragen der transkulturellen Identität, des Geschlechts und der Beziehung zwischen Individuum und Macht oder zwischen Intimität und Institutionalität. Ein grundlegendes Konzept für seine Arbeit ist das Hybride, sowohl im organischen und sexuellen Sinne als auch im theoretischen und konzeptionellen Sinne. Für Installationen, Fotografien, Zeichnungen, Performances und Klangkompositionen verwendet er vor allem Bilder und Texte aus der öffentlichen Zirkulation, der Presse, populären Zeitschriften oder Lehrbüchern.

Die Zusammenarbeit zwischen dem Kunsthistorischen Institut in Florenz — Max-Planck-Institut und der Villa Romana wird 2024 in ihrem fünften Jahr fortgesetzt. Villa Romana e.V. dankt dem Kunsthistorischen Institut in Florenz — Max-Planck-Institut für diese fortgesetzte Unterstützung.

Träger der Villa Romana und Stifter des Villa Romana-Preises ist der eingetragene gemeinnützige Verein Villa Romana e.V.

Die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) ist seit 2021 Hauptsponsor der Villa Romana. Der Verein wird unter anderem auch von der Deutsche Bank Stiftung und der BAO-Stiftung unterstützt.

Der Villa Romana e.V. verleiht den Villa Romana-Preis. Hauptsponsor ist die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien. Weitere Förderer sind die Deutsche Bank Stiftung, die BAO-Stiftung sowie — projektbezogen — zahlreiche Privatpersonen, Unternehmen und Stiftungen aus aller Welt.

Villa Romana e.V. wird unterstützt von:

Mehr erfahren

Sergio Zévallos

Künstler

Sergio Zevallos ist ein multidisziplinärer Künstler, der zwischen Lima und Berlin lebt und arbeitet.

Monai de Paula Antunes

Künstlerin

Monai^[b] de Paula Antunes ist Künstlerin und Radiomacherin

Tuli Mekondjo

Künstlerin

Tuli Mekondjo ist eine autodidaktische namibische Künstlerin, die in Berlin lebt seit 2022 mit dem renommierten Berliner Künstlerprogramm des DAAD ausgezeichnet wurde.

Rubén D'Hers

Künstler

Rubén D'Hers ist ein venezolanischer Künstler, der in Berlin lebt.

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(PREISTRÄGERINNEN 🡪 Jury und Nominatoren)

2024 Jury

Paz Guevara

Jury 2024

Paz Guevara ist Kuratorin, Forscherin, Autorin und Pädagogin. Sie ist Dozentin im MA-Studiengang Raumstrategien an der Weißensee Kunsthochschule Berlin. Zuvor war Guevara assoziierte Kuratorin am HKW, 2015—22; Kuratorin der Transition Exhibition, Brücke-Museum, Berlin, 2021—22; Kuratorin von Afro-Sonic Mapping: Tracing Aural Histories via Sonic Transmigrations, HKW, 2019; und Co-Kuratorin von Parapolitics: Cultural Freedom and the Cold War, HKW, 2017—18. ‍

Lerato Shadi

Jury 2024

…

…

(GÄSTE) —- these are all on our old website, translated in German

see link: https://archive.villaromana.org/front_contenta50d.html?idcat=54&lang=1#

Lamin Fofana

Lamin Fofana ist ein Künstler und Musiker, der derzeit in New York lebt. Seine Musik kontrastiert die Realität unserer Welt mit dem, was jenseits davon liegt, und erforscht Themen wie Bewegung, Migration, Entfremdung und Zugehörigkeit. Fofanas sich überschneidende Interessen an Geschichte und Gegenwart und seine Praxis der Umwandlung von Text in das affektive Medium des Klangs manifestieren sich in multisensorischen Live-Performances und Installationen mit musikalischen Eigenkompositionen, früheren Aufnahmen und Archivmaterial. Zu seinen jüngsten Veröffentlichungen gehören Ballad Air & Fire, Shafts of Sunlight und The Open Boat, eine Trilogie. Zu den jüngsten Ausstellungen gehören JMW Turner mit Lamin Fofana: Dark Waters (2022) in der Tate Liverpool, Liverpool, England; Preis der Nationalgalerie (2021) im Hamburger Bahnhof, Berlin, Deutschland; a call to disorder (2021) im Haus der Kunst, München, Deutschland; Life and Death by Water (2021) auf der Liverpool Biennale, Liverpool, England; BLUES (2020) in der Mishkin Gallery des Baruch College, City University of New York; Refracted Gazes/ Fugitive Dreams (2019) in der Akademie Schloss Solitude, Stuttgart, Deutschland; WITNESS (2017) auf der 57. Biennale von Venedig, Italien; und Performances auf der Documenta 14 (2017), Kassel, Deutschland und Athen, Griechenland. Im Jahr 2021 erhielt Fofana ein Künstlerstipendium der Foundation for Contemporary Arts und wurde für den Preis der Nationalgalerie in Deutschland nominiert. Fofana moderiert eine monatliche Radiosendung auf NTS Radio, einem in London ansässigen Online-Sender.

AUSSTELLUNGEN

2022

JMW Turner mit Lamin Fofana: Dark Waters, London

2021

Ballad Air & Fire, Preis der Nationalgalerie, Hamburger Bahnhof, Berlin

a call to disorder, Haus Der Kunst, München

Life and Death by Water, Liverpool Bienniale, Liverpool

2020

BLUES, Mishkin Gallery, New York

PERFORMANCES

2022

Shafts of Sunlight | Live, Hellerau, Dresden

Ballad Air & Fire | Live, CARA, New York

Rewire Festival | Live, The Hague, Niederlande

2021

Shafts of Sunlight | Live, Theaterhaus, Stuttgart

Ode to Impurity | Live, Haus der Kunst, München

Live con Nicolas Premier | E-Werk, Luckenwalde

2020

SoS Assembly | Live, silent green Kulturquartier, Berlin

REST ASSURED BODI NO BE FAYAWOOD | Live, SAVVY Contemporary, Berlin

Radical Mutation: On the Ruins of Rising Suns | Live, HAU1, Berlin

Festival of Endless Gratitude | Live, Koncertkirken, Copenhagen

Space for Listening w Lyra Pramuk, Lamin Fofana, Hüma Utku und Ramsha - Open Air Concert,  | Live, HKW, Berlin

Latitude On Air: Unsettling Power Relations, rebootfm und Radio Netzwerk Berlino | DJ, Acud Macht Neu, Berlin

Akinbode Akinbiyi: Six Songs, Swirling Gracefully in the Taut Air, Ausstellungseröffnung | DJ, Gropius Bau, Berlin

2019

Rajkamal Kahlon: Are my hands clean?, Ausstellungseröffnung | DJ, Galerie Wedding, Berlin

PAD WEEK Germany 2019 | DJ, Atelier Prinzenstr 84, Berlin

Black Metamorphosis,  Album Launch mit Jim C Nedd | Installation / Live, SAVVY Contemporary, Berlin

Homage to Binyavanga – ISUSU 2019 | DJ, be’kech, Berlin

Blue Skies Bodies in Trouble, mit knowbotiq | Live, PACT Zollverein, Essen

Each One Teach One – Afrolution 2019 | Live, aptm Berlin, Berlin

Creamcake: Paradise Found | Live, Ruine der Franziskaner Klosterkirche, Berlin

Membrane Festival | Live, Literaturhaus Stuttgart, Stuttgart

DJ, Climax Institutes, Stuttgart

Live (+ Sarah Davachi) | Roter Salon Volksbühne, Berlin

Profound Sound 2019 | Live, Quarterhouse Auditorium, Folkestone, Kent UK

DJ, Cobalt Studios, Newcastle, UK

Hundebiss Night | DJ, Cox18, Mailand

manYdancing the molecular ornaments | Live, HKW, Berlin

Spinning Triangles: Ignition of a School of Design | Live, “Wohnmaschine”, Dessau

2018

3hd Festival Berlin | Live, Studio 1 at Kunstquartier Bethanien, Berlin

The Allure of Gold and Other Solidarity Stories, by Keleketla Library at 10th Berlin Biennale | Live, YAAM, Berlin

No Tek No Caribbean Soli Party, Benet for Puerto Rico, Dominica, St Croix | DJ, Panke, Berlin

2017

Jeannette Ehlers: Into the Dark | Soundtrack / Live, FAAR302, Copenhagen  

Wiener Festwochen: Performeum – Big Opening | DJ, Performeum, Wien

Bosnia and Herzegovina Pavilion: University of Disaster | Installazione / Live, Palazzo Malipiero, Venedig

S A V V Y • Every Time A Ear di Soun,  at Documenta 14 | DJ, KulturBahnhof ,Kassel  

S A V V Y • Trouble Sleep Yanga Wake Am, at Documenta 14 | DJ, six dogs, Athen

The Ocean After Nature | Live / Discussion, School of the Museum of Fine Arts at Tufts University, Boston

2016

Doubleworld Album Launch w Binyavanga Wainaina and Lisa Blanning | Listening, SAVVY Contemporary, Berlin

An Age of Our Own Making | DJ, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen

The Incantation of the Disquieting Muse | DJ, SAVVY Contemporary, Berlin

BCRShamelessLimitless | DJ, OHM, Berlino

Negus – Celebration| Live, Bologna Museum of Modern Art, Bologna  

Vie Garantie | Live, La Java, Paris

STEPHANY NWOBODO

geboren 1997 in Ferrara, Italien

Stephany Nwobodo ist eine italienisch-nigerianische bildende Künstlerin. Ihre Praxis beruht auf dem Konzept des Afrozentrismus als Bejahung der afrikanischen Kultur und der Hervorhebung der zu ihr gehörenden traditionellen Werte. Ihre Arbeit entspringt einer introspektiven Untersuchung ihrer ethnischen Herkunft. Die Werke entwickeln sich durch die Darstellung abstrakter Formen in einer unbestimmten Umgebung. Im Rahmen einer anthropologischen Untersuchung befragt die Künstlerin Verwandte und sammelt deren Zeugnisse aus der postkolonialen Zeit bis zum zivilen/ethnischen Konflikt in Nigeria im Jahr 1963.

EINZELAUSSTELLUNGEN

2023

Mourning, Fenestella, Piacenza

GRUPPENAUSSTELLUNGEN

2023

a house is a house is a home, Villa Romana, Florenz,  kuratiert von Elena Agudio und Mistura Allison

2019

Ausstellung im Rahmen des Seminars "Fascino e Curiosità del mondo animale nell’arte", Accademia di Belle Arti, Venedig, kuratiert von Prof. Elena Ribero

PREISE UND AUSZEICHNUNGEN

2017

Preis "Art and Magic", Wettbewerb organisiert von Emil Banca Ferrara.

2016

2. Preis “Piatto Estense 2016” , Industrie- und Handelskammer Ferrara, für die Realisierung eines Keramiktellers mit Engobenrelief, der der IGP-Birne der Region Emilia-Romagna gewidmet ist.

“Falso d’Autore” des Rotary Club Ferrara in Zusammenarbeit mit dem Kunstgymnasium “Dosso-Dossi” Ferrara, für die Restaurierung eines Holzkruzifixes aus der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts (entdeckt nach dem Erdbeben im Dom von Bondeno, Ferrara).

2. Preis des Wettbewerbs “Arca di Noè” des Einkaufszentrums Iper Coop “Le Mura” Ferrara mit einer Illustration anlässlich der Eröffnung des Zentrums auch für Haustiere.

(Muna Mussie)

Künstlerin

Eritrea / Italien

Muna Mussie (1978), eine in Bologna lebende eritreische Künstlerin, untersucht die darstellenden Künste und die szenischen Sprachen, um der Spannung, die zwischen verschiedenen Ausdruckspolen entsteht, durch Gesten, Visionen und Worte Gestalt zu verleihen. Sie begann ihre künstlerische Laufbahn 1998 als Schauspielerin/Performerin im Teatrino Clandestino. Im Jahr 2002 besuchte sie den europäischen Fortbildungskurs für Schauspieler unter der Leitung von Cesare Ronconi vom Valdoca Theater und setzte die Zusammenarbeit als Schauspielerin bis 2012 fort. Von 2001 bis 2005 war sie aktiver Teil des Forschungskollektivs Open, das Projekt, das ihren Wunsch, ihre eigenen Wege auf der Bühne zu erforschen, markierte.

Seit 2006 konzipiert, inszeniert und interpretiert sie ihre eigenen Werke. Ihre jüngsten Produktionen, darunter die Installation und Performance Milite Ignoto (Unbekannter Soldat) (2015), die Performances Oasi (Oase) (2018), Curva (Kurve) (2019), Curva Cieca (Blinde Kurve) (2021) und PF DJ (2021), beschäftigen sich mit Geistererscheinungen und kleiner Geschichte. Zusammen mit Flavio Favelli entwarf sie die Bekleidungskollektion FFMM (2007-2009). Zu ihren internationalen Theaterprojekten gehört Monkey See, Monkey Do (Kapitel I-II, 2011-2012). Zu ihren Objektinterventionen gehören Punteggiatura (2018), ein Projekt, das auf der Praxis des Nähens basiert, und Bologna St. 173 (2021), ihre Einzelausstellung bei Archive sites Milano, zu den Konzepten von Zuhause, Zitadelle, Festung und Freiheit. Ihre jüngsten Projekte Oblio (2021) und Oblio/Pianto del Muro (2022) stellen ihre Forschung zur Kunst im öffentlichen Raum vor. Sie veröffentlichte das Album Curva Cieca Oblio ኩርቫ ዕውር ምርሳዕ in Zusammenarbeit mit Massimo Carozzi (Xong collection - artist records, Xing 2024) Ihre Arbeiten wurden auf der Art Fall/PAC Ferrara, Xing Raum und Live Arts Week Bologna, Sandretto Re Rebaudengo Foundation Turin, Marino Marini Museum Florenz, Workspace Brüssel, MAMbo Bologna, Santarcangelo Festival, Museion Bolzano, ERT Bologna, Rue d'Alger Manifesta 13 Marseille, Short Theatre Rom, Savvy Contemporary Berlin, Democracy Biennial Turin, Artefiera Bologna, HangarBicocca Mailand, Mattatoio Rom, Sesc São Paulo, Kunstencentrum BUDA Kortrijk, SZENE Salzburg, Centrale Fies Dro, Black History Month Florenz, Spazio Griot Rom, Villa Romana Florenz, Mucem Marseille, MAXXI L'Aquila, OGR Turin, Lavanderia a Vapore Turin, Musei Reali Turin.

ROSEMARY ESINAM DAMALIE

Geboren 1993 in Accra

Ghana

Die Künstlerin und Kuratorin Rosemary Esinam Damalie lebt in Accra und Tamale. Geleitet wird sie von dem tief verwurzelten Wunsch, sich kreativ auszudrücken. Sie hat einen Abschluss in Malerei und Bildhauerei von der Kwame Nkrumah University of Science and Technology in Kumasi, Ghana. In ihrer künstlerischen Laufbahn hat Damalie an zahlreichen Ausstellungen teilgenommen und dabei ihr Talent und ihre Vorstellungswelt  unter Beweis gestellt. Zu diesen Ausstellungen gehören "Cornfields in Accra" (2016) und "Orderly Disorderly" (2017), beide organisiert von blaxTARLINES KUMASI, einem Kollektiv, dem sie ebenfalls angehört. Im Jahr 2018 erhielt sie einen Preis im Rahmen der Kuenyehia Trust Shortlist, wo sie den zweiten Platz für den Kuenyehia Prize for Contemporary Ghanaian Art belegte. Derzeit ist Damalie Geschäftsführerin und Workshop-Koordinatorin am Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) in Tamale, einer Einrichtung, die von dem bekannten Künstler Ibrahim Mahama gegründet wurde. Am SCCA hat Damalie durch ihre Beteiligung an zwei retrospektiven Ausstellungen einen wichtigen Beitrag zur Kunstwelt geleistet: "A Retrospective of Galle Winston Kofi Dawson: In Pursuit of Something Beautiful Perhaps..." (März 2019) und "A Retrospective of Agyeman Ossei: Akutia: Blindfolding the Sun and The Poetics of Peace" (September 2020). Darüber hinaus hat sie aktiv an drei Gruppenausstellungen teilgenommen und erfolgreich eine Reihe von Kunstworkshops geleitet, ihr Fachwissen weitergegeben und die Talente aufstrebender Künstler gefördert. Von Juli bis August 2022 hatte Damalie die Gelegenheit, als Artist in Residence im Rahmen des Programms CAMP, Notes on Education, an der Documenta Fifteen teilzunehmen. Dieser Aufenthalt bot eine ideale Plattform für die Zusammenarbeit und Erforschung des Themas Bildung und brachte Künstler*innen, Kunstpädagog*innen und Forscher*innen in einem lebendigen kreativen Ideenaustausch zusammen. Im September 2023 kuratierte Damalie die engagierte Ausstellung mit dem Titel "Dig Where You Stand, From Coast to Coast - Seke" im Palais de Lomé in Togo. Die von der African Artist Foundation in Lagos organisierte Ausstellung zeigte die Werke von 20 Künstler*innren wichtigen  Beitrag zur zeitgenössischen Kunstszene in Ghana und im Ausland wieder.

GRUPPENAUSSTELLUNGEN

2022

Existing Together: The Future of Coexistence, Savannah Centre for Contemporary Art, Tamale

2020

This Exhibition Is Untitled, Nubuke Foundation, Accra

2018

Kuenyehia 2018, Shortlist Exhibition, Kuenyehia Trust, Accra

2017

Orderly Disorderly, KNUST Painting & Sculpture & blaxTARLINES, Kumasi

2016

Cornfields in Accra,  KNUST Painting & Sculpture & blaxTARLINES, Kumasi

RESIDENZEN UND STIPENDIEN

2023

BEYOND WISHFUL THINKING: Communitarian Living, Intentional Communities, and Sustainable Togetherness as Spatial Strategies for Radical (Feminist) Politics, Villa Romana, Florenz

2022

CAMP notes on education, documenta 15, Kassel

Chris Cyrille-Isaac

Artist

France/Guadeloupe

Chris Cyrille-Isaac ist Dichter, Kunstkritiker und unabhängiger Ausstellungserzähler. Er hat an der Universität Paris 8 Philosophie und Kunsttheorie studiert und für mehrere französische Zeitschriften gearbeitet. Chris Cyrille-Isaac ist Mitglied der AICA (Internationaler Verband der Kunstkritiker).

FREDERICK EBENEZER OKAI

Geboren 1986 in Ghana

Der multidisziplinäre Künstler Frederick Ebenezer Okai lebt und arbeitet in Sunyani, Ghana. Frederick arbeitet mit Skulpturen, Installationen, Video, Sound, virtueller und erweiterter Realität und erforscht die plastischen Möglichkeiten seines primären Materials - Ton. Geleitet von einem tiefen Respekt vor der Weisheit der Vorfahren begibt er sich auf ausgedehnte Reisen, um die reiche Vielfalt der Kultur zu erschließen. Als Pseudo-Ethnograf hebt er in seiner kollaborativen Praxis die einheimische ghanaische Töpferkunst hervor und zollt den unterschätzten Künstler*innen dieser Kunst Respekt. In seiner Praxis wird Ton zu einem Aufbewahrungsort für Geschichten, zu einem stummen Zeugen der Vergangenheit, während er sich mit zeitgenössischen Problemen auseinandersetzt. Frederick setzt sich mit Themen wie Koexistenz, räumlichen Beziehungen und Form auseinander. Sein Interesse am revolutionären Potential der Form ist die Grundlage für die rigorosen Techniken, die er anwendet, indem er vertraute Bilder bricht, schweißt, stapelt, malt, ausbreitet, näht und verschiebt, um künstlerische Möglichkeiten zu schaffen, die neues Wissen auf der Grundlage einer großen Portion guten alten Spiels erzeugen.

GRUPPENAUSSTELLUNGEN

2024- 2022

Silent Invasions: The Art of Material Hacking, Amasaka Gallery, Masaka, Uganda

2022

Teilnahme an der Live Session von Kelas Bareng (Joint Class), Zusammenarbeit zwischen den Bildungseinrichtungen Gudskul (Indonesien), Staedelschule (Deutschland), blaxTARLINES KUMASI (Ghana) und Nordland knustog filmhøgskole (Norwegen), Documenta 15, Kassel

GASTHOF 2022, Frankfurt

2019

Umstand der Dinge: a State of Affairs, Hamburg

2015

From Earth to Market, Faculty of Art, KNUST, Kumasi- Ghana

2011

Dynamism and Diversity: Simulation and Simulacra, Great Hall, KNUST, Kumasi, Ghana

EINZELAUSSTELLUNGEN

2022

Earthy Structures and Contingent Breakthroughs, Gyamadudu Museum, Kwabre-Heman, Ashanti Region, Ghana

Light Soup, Old Tech Sec, KNUST, Ghana

ARTISTIC EXPERIENCE

2021-2019

Projekt-Supervisor & Architekt (Bodenkonstruktion), Akutia: Blindfolding the Sun and the Poetics of Peace, A Retrospective of Agyeman Ossei (Dota), Red Clay und Savanna Centre for Contemporary Art (SCCA) Tamale, Ghana

2020-2019

Projekt- Supervisor; Galle Winston Kofi Dawson: In Pursuit of Something ‘Beautiful’ perhaps... [A Retrospect],  Savannah Centre for Contemporary Art [SCCA] Tamale, Ghana

2019

Kurator, Enter the Trons, eine Ausstellung des Künstlers Afrane Akwasi Bediako, Ceramics section (KNUST) - Ghana

2018

Projekt- Koordinator; Spectacles Speculations, Veranstaltungsort: Ablade Glover Hall (blaxTARLINES KUMASI project space], KNUST, Kumasi, Ghana. Kuratiert von Kwasi Ohene-Ayeh

Assistenz- Koordinator; African Modernism: The Architecture of Independence, organisiert vom Goethe Institut in Zusammenarbeit mit blaxTARLINES KUMASI und Ghana Museum and Monuments Board. The Kumasi show

RESIDENZEN UND STIPENDIEN

2018

Ofkob Artists Retreat/Residency, Venue: Institute for Research, Advocacy& Training (INSRAT), Oyarifa, Accra, Ghana

MITGLIEDSCHAFT

blaxTARLINES: Project space for Contemporary Art, Kumasi - KNUST

(Chris Cyrille-Isaac)

Artist

France/Guadeloupe

Lebenslauf

Chris Cyrille ist  Lyriker, Kunstkritiker und unabhängiger Ausstellungsgestalter. Nach seiner Ausbildung in Kunsttheorie und Philosophie an der Universität Paris VIII entschied er sich, für verschiedene Zeitschriften zu arbeiten, darunter L'Oeil Magazine und Art Absolument. Er ist Mitglied der AICA (Internationaler Verband der Kunstkritiker), Gewinner des Dauphine-Preises für zeitgenössische Kunst 2017, des Preises für junge Kuratoren der 69. Ausgabe von Jeune Création und des AICA-France-Preises 2020. Sein Hauptaugenmerk als Kurator liegt auf neuen Szenografien und Erzählweisen sowie auf karibischen und afrikanischen Geografien. Er war 2017 Ko-Kurator der Ausstellung Dynamis in der Galerie du Crous und kuratierte im selben Jahr Cargaisons im Marché Dauphine (Saint-Ouen). Mit Olivia Maëlle Breleur von der Maëlle Galerie und dem Kunstkritiker Horya Makhlouf organisierte er im Juli 2020 die Ausstellung/Diskussion 8,46, ein Echo auf die jüngsten internationalen schwarzen und antirassistischen Bewegungen. Er schreibt für mehrere Print- und Online-Magazine, darunter AFRIKADAA, Point Contemporain, Jeunes Critiques d'Art und Le Quotidien de l'Art. Er hat im Centre Pompidou als Forschungsbeauftragter an der Seite der Kuratorin Alicia Knock gearbeitet. Im Jahr 2021 konzipierte und organisierte er die Ausstellung Mais le monde est une mangrovité (Jeune Création, Romainville, 15. Januar-22. Februar 2021). Zurzeit arbeitet er zusammen mit dem Kurator und Kunstkritiker Simon Njami an der Organisation der nächsten Internationalen Biennale von Guadeloupe

Konferenzen, Round Table, Jurys

2021

Monde de l'art, identités et politique de la représentation (Kunstwelt, Identitäten und Politik der Repräsentation) mit Vanessa Desclaux, Françoise Vergès, Céline Seror, Nadine Hounkpatin, rund um die Werke von Dalila Dalléas Bouzar, Na Chainkua Reindorf, Bouchra Khalili...

Musée du Quai Branly, Paris.

2021

Die Poesie des Gedächtnisses in Kunst und Fotografie

Diskussion mit Sonia Recasens, Kunstkritikerin, und Christine Barthe, Kuratorin, koordiniert von Céline Seror, Nadine Hounkpatin, über die Werke von Gosette Lubondo, Dalila Dalléas Bouzar...

Musée du Quai Branly, Paris.

Entre bouleversements et subversion, le pouvoir des mots Diskussion mit Simon Njami, Kunstkritiker und Kurator, und Myriam Mihindou, Künstlerin, koordiniert von Céline Seror und Nadine Hounkpatin. Musée du Quai Branly, Paris.

Enjeux environnementaux du XXIe siècle : peut-on penser l'écologie du point de vue de la mémoire coloniale?

Runder Tisch mit Dalila Dalléas Bouzar, Künstlerin, Rafael Lucas, Forscher am Centre d'Etudes linguistiques et littéraires Francophones et Africaines der Universität Bordeaux und Guillaume Blanc, Dozent für Zeitgeschichte an der Universität Rennes 2

Frac Nouvelle-Aquitaine MECA, Bordeaux.

2020

Sentir Mangrovité

2021

Postgraduierten-Jury der Beaux Arts de Lyon

Auswahlkommission mit: Oulimata Gueye, Eva Barto, Estelle Pagès.

Der DDESSINPARIS-Preis

Auswahlkomitee: Christine de Chirée, Claire Luna, Jacques Deret, Marianne Dollo, Jenny Graser, Colette Tornier, Edwart Vignot. Atelier Richelieu, Paris

Der DDESSINPARIS-Preis

Auswahlkomitee mit: Ronan Grossiat, Boris Bergmann, Yvon Lambert, Marisol Rodriguez, Giulia Andreani, Magali Lesauvage, Colette Tornier, Marie-Ange Moulonguet

Vorführung und Diskussion mit der Künstlerin Minia Biabiany. Centre Pompidou, Paris

Erfahrungen

Schreibaufenthalt in den Ateliers Médicis im Rahmen des Projekts Sch-isthme mit dem Künstler und Choreografen Smaïl Kanouté.

Banîles, Projekt einer Gedichtsammlung in den Ateliers Médicis. Kurator der Biennale Intercontinental de Guadeloupe unter der Leitung von Simon Njami.

2022

Schreibaufenthalt in der Villa Medici, Rom.

Gewinner des Cnap 2022 Stipendiums für kuratorische Forschung.

Februar 2022

Berichterstatter der Ausgabe 2022 des Aware-Preises an der Seite von Alicia Knock, Thierry Leviez und Camille Richert.

Kuratorin des Veranstaltungszyklusm Mais le monde est une mangrovité. Expérimentation réussies / et échouées / de l’Ubuntu

 im Rahmen der Ausstellung Ubuntu, un rêve lucide kuratiert von Marie-Ann Yemsi. Palais de Tokyo, Paris.

2021

Kunstkritiker, Preisträger der ersten Ausgabe der Bourse Émergence, ADIAF, Paris.

Mitglied des wissenschaftlichen Ausschusses The Slave Route, UNESCO.

Kurator der Ausstellung - Mais le monde est une mangrovité bei Jeune Création, Romainville.

2020

Gewinner des AICA France Art Critic Award 2020.

Februar 2020

Gewinner des Prix Jeune Commissariat JC69. Jeune Création, Romainville.

2017

Preisträger des Dauphine-Preises für zeitgenössische Kunst 2017.

2017-2018

Redakteur für Art Absolument und L'Oeil Magazine. Mitglied von Jeune Critique d'Art und der Galerie Hors-Cadre, Paris.

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Erik Tollas^[c]

Künstler

Ungarn

In Zusammenarbeit mit dem Europäischen Roma-Institut für Kunst und Kultur (ERIAC).

Erik Tollas ist ein ungarischer bildender Künstler, der in Budapest lebt und arbeitet. Als Absolvent der Universität Pécs, Fakultät für Musik und Bildende Kunst, machte er seine ersten Schritte als Maler im Bereich der figurativen Malerei. In jüngster Zeit hat er sich dem Experimentieren mit abstrakten Formen zugewandt, mit Werken, die einen eher meditativen und surrealen Charakter haben. Im Jahr 2021 wurde er für den Eszterházy Art Award des Ludwig Museums in Budapest ausgewählt. Er stellt regelmäßig in Galerien in ganz Ungarn aus und nimmt an Einzel- und Gruppenausstellungen teil, zuletzt in der NACO Gallery (Metanoia, 2022) in Budapest.

(Erik Tollas)

Künstler

Ungarn

Geboren 1981 in Berettyóújfalu, Ungarn

Erik Tollas ist internationaler Gastkünstler in der Villa Romana im September 2023. In Zusammenarbeit mit dem Europäischen Roma-Institut für Kunst und Kultur (ERIAC).

Erik Tollas ist ein bildender Künstler Roma-Herkunft aus Ungarn, der in Budapest lebt und arbeitet. Als ehemaliger Absolvent der Universität Pécs, Fakultät für Musik und Bildende Kunst, wurden seine ersten Schritte als Maler im Bereich der figurativen Malerei unternommen. In jüngerer Zeit wandte er sich dem Experimentieren mit abstrakten Formen zu, wobei seine Werke einen eher meditativen und surrealen Charakter erhielten. 2021 kam er in die engere Wahl für den Eszterházy Art Award am Ludwig Museum in Budapest. Er stellt regelmäßig in Galerien in ganz Ungarn aus und nimmt sowohl an Einzel- als auch an Gruppenausstellungen teil, zuletzt in der NACO Gallery (Metanoia, 2022) in Budapest.

Bildung

2007—2013

Universität Pécs-Fakultät für Bildende Kunst, Fakultät für Malerei

Preis, Wohnsitz

2023

Villa Romana und ERIAC, Florenz

2014

Das Interesse des Friedens, MAC, Belfast

2012

Fundamenta-Amadeus Arts-Stipendium

AUSGEWÄHLTE EINZELAUSSTELLUNGEN

2022

Ich sitze auf festem Boden. Mein Rücken gegen einen Baum., Duna Museum, Esztergom

2017

Reposition (Zsófia Magdolna Nagy, Benjámin Pelcz), Latarka Galerie, Budapest

GRUPPENAUSSTELLUNGEN

2023

Ein Haus ist ein Haus ist ein Zuhause, Villa Romana, Florenz

Aufstrebende Talente. Frühlingssalon, ERIAC, Berlin

2022

Metanoia, NACO, Budapest

2021

Auswahlliste für den Eszterházy-Kunstpreis, Ludwig Museum, Budapest

2019

Betonsymposium Monostori, Saal MKE Parthenon-Fríz, Budapest

Beobachtungsstation, Rugógyár-Galerie, Budapest

2018

B3TON, FUGA Kunstzentrum, Budapest

On the Rocks, Sammlung Artkartell, ProjectSpace, Budapest Concrete faces 5.0, Nick Gallery, Pécs

2017

Concrete Faces 4.0. zweite Staffel., Nick Gallery Pécs

2016

Pop-Up-Ausstellung, Tayler Patrick, Ázbej&Ázbej, Kunsthalle, Budapest

Bzzz, Atelierhaus Partizán, Budapest

Concrete Faces 3.0., Nick Gallery, Pécs

Torpfosten — Fußball in der ungarischen zeitgenössischen Kunst, Contemporary Institute-Dunaújváros

2015

Kunstmarkt Budapest, Millenáris Park, Budapest

In der Zwischenzeit, Studiohaus Partizán, Budapest

Kunst liebt Design, Loffice, Budapest

Air, Atelierhaus Partizán, Budapest

Displacements, A.P.A Galerie, Budapest

2013

5,17 Diplomausstellung, Galerie M21, Kulturviertel Zsolnay, Pécs

2012

Ereignisse, Relikte, Reflexionen Ungarische Akademie von Rom, Rom

2010

Junge Kunst — Sortment, Akademie der Bildenden Künste, Karlsruhe

Mitgliedschaft

2022

ERIAC - Europäisches Roma-Institut für Kunst und Kultur

Werke in der Sammlung

Kunstgalerie, Paks

Privatstiftung Eszterházy

Villa Romana, Florenz

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Lerato Shadi

Jury 2024

Deutschland

Lerato Shadi lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst an der University of Johannesburg und schloss ihr Studium 2007 ab. 2018 erwarb sie ihren M.A. (Raumstrategien) an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Seit 2020 ist Shadi Dozentin im Master of Arts-Programm an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Ihre aktuelle Monografie wurde 2022 bei Archive Books, Berlin, veröffentlicht.

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(GARTEN)

Die Villa Romana ist von einem 1,5 Hektar großen Garten umgeben, der hauptsächlich in den 1970er bis 1990er Jahren angelegt wurde. Es besteht aus verschiedenen Zonen: einer Wiese am Hang, einem Olivenhain, einem Obstgarten und einem Garten im alten toskanischen Stil mit Hecken und Zypressen. Im Laufe der Jahre wurde aus Pflanzen und Bäumen ein bewachsener, hermetischer Dschungel, der weder Platz noch Aussicht bot.

Im Februar 2008 wurde der Garten der Villa Romana zum Gegenstand einer Begegnung zwischen KünstlerInnen, LandschaftsarchitektInnen und KunsthistorikerInnen, um Begriffe zu finden für seine Bedeutung und seine Zukunft. Im Anschluss entwickelten die LandschaftsarchitektInnen Marc Pouzol, Veronique Faucheur und Marc Vatinel, die 2000 das Studio atelier le balto (Berlin, Le Havre) gegründet hatten, ein Konzept für die Wiederbelebung des Gartens der Villa Romana: eine schrittweise Transformation des Areals durch gärtnerische Tätigkeit, Gartenkunst in Aktion!

Die Lorbeerhecke wurde heruntergeschnitten, die Magnolie ausgeastet, der Bambuswald gelichtet, ein "Zimmer" hinter dem Gartensaal und eine Bambusplattform im wilden Lorbeerbaum angelegt. Die Olivenbäume wurden beschnitten, die Erde gepflügt, ein von Iris gesäumter Spazierpfad entlang der säumenden Gartenmauer frei gelegt und eine Terrasse mit Blick auf Florenz gelichtet.

Während mehrerer einwöchiger Aktionen arbeitete atelier le balto in den folgenden Jahren mit der vorhandenen Vegetation, um Räumlichkeiten, Sichtachsen und Blickbeziehungen zwischen den verschiedenen Bereichen innerhalb und außerhalb des Gartens wiederherzustellen bzw. neu zu interpretieren.

In die Semaines de Jardin wurden MasterstudentInnen aus Alghero, Mailand, Florenz, Rom, Versailles und Stuttgart einbezogen sowie BaubotanikerInnen, PhilosophInnen, ArchitektInnen, Köche und KünstlerInnen. Die praktische gärtnerische Tätigkeit wurde ergänzt durch theoretische Seminare, öffentliche Podiumsdiskussionen, konzeptuelle Übungen und künstlerische Abendveranstaltungen. Exkursionen in die Florentiner Innenstadt und Parkanlagen vertieften den urbanen und historischen Kontext.

In einem anhaltenden Prozess öffnet sich der Garten der Villa Romana so als ein Raum der Bewegung und Anschauung, als Ort für Gespräche und Handlungen.

Seit 2023 ist das Atelier Le Balto nicht mehr an der Gestaltung des Gartens beteiligt. Das Haus und die Villa Romana haben ein eigenes Team zur Gestaltung des Gartens gebildet, das sich kontinuierlich mit dem Park beschäftigt und neue theoretische sowie praktische Ideen entwickelt.

MARLEEN please have a look at the German text

(GARTEN 🡪 Testing Grounds)

Ökologische Vorstellungen für eine Agropoetik der Co-Kultivierung

Testing Grounds versteht den Garten der Villa Romana als einen Ort experimenteller künstlerischer Forschung und Praxis, der Intensivierung aktivistischer Bezüge für den Zugang zu und das Wohlergehen von Land und für den Austausch ortsbezogener ökopädagogischer Konzepte der Sorge und Heilung. Durch eine Reihe verschiedener Aktivitäten und Momente erarbeiten wir den Garten als Ort von agrarökologischen Praktiken, die auf kollektiver Fürsorge sowie generationenübergreifendem und artenübergreifendem Wissen basieren. Wir wollen die Co-Kultivierung des Gartens durch das Villa Romana Team und dessen BewohnerInnen fördern, sowie Biodiversität und nachhaltige Regenerationspraktiken unterstützen.

Wir sind uns des Privilegs bewusst, Zugang zu einem großen blühenden und üppigen Grundstück zu haben. Wir versuchen, diesen Raum zu nutzen, um den Stimmen derjenigen Gehör zu verschaffen, die sich für Widerstand gegen die Zerstörung der Umwelt einsetzen und marginalisiertes Wissen über Natur am Leben erhalten möchten. Auf diese Weise werden wir versuchen, Kollaborationen und Gespräche mit lokalen diasporischen Gemeinschaften aufzubauen, um die Kraft des Gartens zu fördern, Mensch und Natur zusammen zu bringen.

In Koordination mit den poetischen, experimentellen und radikalen Praktiken von KünstlerInnen, die mit der Kultivierung von Land und Natur arbeiten, wird der Garten zu einem Ort des langsamen Lernens und Verlernens mit Pflanzen, Menschen und anderen Lebensformen und ihrer jeweiligen Weltbildung. Das Programm beginnt damit, langsam aus der bereits vorhandenen Vielfalt zu lernen und die Dynamik des Gartens als Ort zu verstehen, der seit Jahrzehnten entsteht, als Boden, der seit Hunderten von Jahren geschaffen und neu gestaltet wird. Basierend auf einer ökologischen Studie von Isabella Devetta haben wir mit Isabella gemeinsam einen Heilgarten angelegt, der als kollektive Ressource dienen kann. Wenn Sie^[d] an der laufenden Pflege des Gartens der Villa Romana teilnehmen möchten, setzen Sie sich bitte mit uns in Verbindung.

WACHSEN

Das lebende Rezeptbuch | Daniela Zambrano Almidón

Das lebende Rezeptbuch schafft Momente des gemeinsamen Zubereitens von Essen und des Wiederaufbaus von Erinnerungen für die diasporischen Gemeinschaften der Anden im Kontext der Vertreibung. Es arbeitet dabei mit der tiefen und vitalen Verbindung zu Land und diasporischer Kultur in der Toskana und der Verbindung zum Rhythmus der Erde in der Quechua-Kultur. Daniela Zambrano Almidón hat indigene Mais-, Chili- und Süßkartoffelsorten gepflanzt, die im Garten der Villa Romana verteilt sind. Diese Pflanzen werden in gemeinschaftliches Lernen, Essen und Feiern der Quechua-Gemeinschaft einfließen, „wo die Hauptdarsteller die Gerichte unserer Großmütter sind und wo Erinnerungen unsere Verbindung zu unserem Land und zu unseren Geschwistern wiederbeleben, die zurückgeblieben sind, um unsere großartige Mutter zu verteidigen“. Das Projekt endete in einem Pachamanca, einer kollektiven Mahlzeit, die in einem unterirdischen Erdofen zubereitet wird.

Durch Momente des Teilens — basierend auf dem quechuanischen Konzept von Ayni als Praxis der Gegenseitigkeit und Vernetzung — untersucht das lebende Rezeptbuch, wie man affektiv und politisch eine Verbindung zum Land für migrantische Familien wieder aufbauen und dies auch in Zukunft fortsetzen kann. Gleichzeitig verfolgt das Projekt die Kolonialisierung von Land, Menschen und Pflanzen durch die Transplantation von Mais und Tomaten aus den Anden nach Europa — und speziell in die Region um Florenz — sowie den Verlust von Erinnerungen, die mit diesen Pflanzen verbunden sind.

Daniela Zambrano Almidon ist eine peruanische Quechua-Forscherin und interdisziplinäre Künstlerin mit Erfahrung in künstlerischen Projekten und Forschungen zur Populärkultur der Anden-Amazonien in Peru, zu Migration, Interkulturalität und Erinnerungskultur. Sie hat einen Bachelor in Plastischer und Bildender Kunst von der Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú und einen Master aus dem Programm „Kunst im Kontext“ an der Universität der Künste in Berlin. Im Jahr 2023 nahm sie an der Singapur Biennale teil. Sie ist an zahlreichen Projekten beteiligt, die auf partizipativen Praktiken, künstlerischer Forschung sowie Interventionen im öffentlichen Raum und in Museumseinrichtungen basieren: Seit 2011 arbeitet sie mit dem EnredLanita Project an der Erforschung von Textilkunst. Sie ist Direktorin des Projekts „Tejiendo Caminos“, eines dezentralen interkulturellen Kunstprojekts, das 2014 zusammen mit GemeinorganisatorInnen, regionalen Umweltaktivisten und KünstlerInnen gegründet wurde. Sie ist auch Gründerin des Ashlanqueras Collective, einem Labor für Interventionen im städtischen öffentlichen Raum in Lima. In Berlin arbeitet sie an Projekten des Kulturmanagements, der Vermittlung, der interkulturellen Pädagogik und der partizipativen Kunst.

Orto Continuo | Leone Contini

Als Reaktion auf die Vertreibung chinesischer BauerInnen von ihren Farmen in Prato bringt Orto Continuo Pflanzen aus diesen Farmen zusammen, die gewaltsam zerstört wurden oder die ständig in der Gefahr sind, beschlagnahmt zu werden. Das Projekt soll den demagogischen Kreislauf institutioneller und medialer Gewalt aufdecken, der dieser Praxis zugrunde liegt. Das Projekt untersucht, wie Behörden und Medien die Kultivierungspraktiken von migrantischen Gemeinschaften als “invasiv” darstellen, parallel zur gewaltvollen Konstruierung von Andersartigkeit und Alterität von „invasiven“, „fremden“ Pflanzen in Italien.

Die Installation ist Teil einer größeren Forschungsarbeit, in der Leone Contini die Landwirtschaft in verschiedenen Gemeinden untersucht hat, die ein diasporisch-biokulturelles Gedächtnis am Leben erhalten und Grundnahrungsmittel herstellen — von chinesischen Landwirten in der Toskana über die bengalische Landwirtschaft rund um Palermo bis hin zu den Arbeitergärten in Lyon, wo die Artenvielfalt aus verschiedenen Regionen seit Jahrzehnten zusammenlebt. Auf diese Weise schafft der Orto Continuo einen Raum für ein kreatives Zusammenleben der Geschichten und Bewegungen der Pflanzen und ihrer Bewahrer.

‍Leone Contini studierte Philosophie und Kulturanthropologie an der Universität Siena. Seine Forschung bewegt sich an der Schnittstelle von Anthropologie, Ästhetik und Politik. Zu seinen Medien gehören lecture performances, kollektive Interventionen im öffentlichen Raum, textuelle und visuelle Erzählungen und Zeichnungen.

Seed Bunch | Ein kollaborativer Garten, bei dem Samen im Mittelpunkt stehen

Seed Bunch ist ein samenzentrierter Garten und eine performative Saatgutbibliothek. Durch die Einrichtung eines Gartens in der Villa Romana, der rund um die Zyklen und den Austausch von Samen konzipiert wurde, machen wir uns die ontologische Relationalität des Samens zu eigen. Das Sammel-, Lager- und Verteilungssystem, die Saatgutbibliothek, manifestiert sich in regelmäßigen Abständen rund um den Garten, bei denen die verschiedenen Zyklen der beteiligten Arten beobachtet werden. Indem wir das Gärtnern auf Samen ausrichten, versuchen wir, eine transversale Beziehung zwischen Mensch und Umwelt herzustellen, in der die menschliche Handlungsfähigkeit nicht als formaler technischer Prozess zum Ausdruck kommt, sondern sich dynamisch in und zusammen mit dem Garten entwickelt. Über ein anthropozentrisches und eurozentrisches Verständnis von Archiven und Infrastrukturen hinausgehend, erarbeiten wir diese lebendige Bibliothek durch regelmäßige material-diskursive kollektive Momente, die sich auch mit der ambivalenten Bedeutung von Samen auseinandersetzen. Samen stellen sowohl den Anfang als auch das Ende von (Lebens-)zyklen dar. Ästhetisch wird der Garten so zu einem kraftvollen und umfassenden Schauspiel von Freiheit, Verstrickung, Kooperation und Co-Kultivierung heranwachsen. Wir hoffen, dass ähnliche Gärten an verschiedenen Orten entstehen, sodass aus dem Seed Bunch ein translokales Netzwerk der Saatgutpflege und des Samenaustauschs wird.

Seed Bunch ist tief geprägt von der Arbeit der Künstlerin Zayaan Khan zum Verständis von Samen nicht als Objekte sondern als Beziehungen. Der Garten wurde mit Leone Contini entwickelt und mit der Villa Romana Preisträgerin Monai de Paula Antunes entworfen. Im ersten Jahr seiner Bewirtschaftung wächst der Garten aus Saatgutspenden der KünstlerInnen Marleen Boschen, Katia Colaianni, Leone Contini, Jermay Michael Gabriel, Gabriella Hirst, Antje Majewski, Monaí de Paula Antunes, Åsa Sonjasdotter, Daniela Zambrano Almidón.

Seed Bunch ist eine wachsende kollektive Initiative — melden Sie sich unter office@villaromana.org, wenn Sie daran interessiert sind, am Austausch und Storytelling rund um Samen teilzunehmen, entweder in persönlichen Veranstaltungen oder aus der Ferne über unsere Telegram-Gruppe.

REPARIEREN

Healing Garten

Wie kann ein KünstlerInnenhaus zu einem Ort für gemeinschaftliches Heilen und Lernen von Pflanzen werden? Ausgehend von der bereits existierenden Biodiversität im Garten der Villa Romana haben wir einen medizinischen Garten geschaffen: einen Heilgarten für die menschlichen und nichtmenschlichen BewohnerInnen der Villa. Mit dem Expertenwissen der Agronomin Isabella Devetta haben wir die Biodiversität des Gartens beobachtet und die bereits existierenden Pflanzen mit medizinischen Eigenschaften bestimmt. Im Sommer 2023 haben wir zusammen mit den ansässigen KünstlerInnen und den vielen eingeladenen Gästen und PraktikerInnen der Villa eine Pflanzenliste und einen Entwurf für eine Gemeinschaftsapotheke entwickelt. Wir untersuchen die Gründe, die uns dazu bringe, uns an Pflanzen zu wenden — Stress, Angst, Schmerzen, Verdauung, Schlaf — und wollen einen Raum schaffen, der sowohl eine ästhetische Erfahrung von Zugehörigkeit als auch einen Raum für kollektive Zusammenkünfte und praktisches Lernen von Pflanzen und Menschen mit pflanzenmedizinischen Kenntnissen schafft. Seit Frühjahr 2024 nutzen wir diesen Garten aktiv, und teilen Wissen rund um die Pflanzen mit dem Publikum und den Besuchern der Villa Romana.

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(GARTEN 🡪 Guest Artists)

Saverio Cantoni

Deutschland

Künstler

Saverio Cantoni ist ein weißer, sich als männlich-gelesen präsentierender Künstler:in mit Behinderung (Gehörlosigkeit), der in Berlin lebt.

Webseite

Yuni Chung

Südkorea

Künstlerin

Yuni (Hoa Yun) Chung ist eine in Berlin lebende bildende Künstlerin. Sie arbeitet mit Objekten, Zeichnungen, Performance, Video, Sound und Text.

Webseite

Gabriella Hirst

Australien

Künstlerin

Gabriella Hirst ist eine Künstlerin und Autorin. Sie ist im Gebiet der Cammeraygal (Nortz Sydney Councils in Sydney) geboren und aufgewachsen und lebt zur Zeit in Berlin.

Webseite