LA MUJER EN EL ARTE: DE OBJETO A SUJETO.

LA MUJER COMO SUJETO

 

                Después de ver cómo ha evolucionado el papel de la mujer como objeto pasivo en la historia del arte, donde tan sólo ha desempeñado el papel de musa y modelo, veremos ahora como algunas mujeres también han luchado por hacerse un hueco en un mundo que hasta no hace mucho tiempo estaba reservado exclusivamente a los hombres.

                La evolución que realiza la mujer es lenta a lo largo de los siglos, y obviamente las dificultades con las que se encuentra son mayores conforme nos alejamos en el tiempo.

 

SIGLO XVI. RENACIMIENTO: SOFONISBA ANGUISSOLA

 Pintora italiana, la más famosa delCinquecento en Italia y España. Pronto superó en fama a su maestro y marchó a Madrid, donde en 1559 la esperaba Felipe II para encargarle numerosos retratos de la familia real. En 1580 regresó a Italia, donde prosiguió su obra, hasta que, ya mayor, la ceguera le privó de seguir practicando la pintura.

La célebre pinacoteca madrileña del MUSEO DEL PRADO sólo tiene expuestas al público tres pinturas realizadas por manos femeninas, y en los tres casos son de la misma autora: SofonisbaAnguissola.

Las llamativas cifras no son indicativo de una selección machista por parte de los responsables del Museo del Prado, sino una triste evidencia de la discriminación y las dificultades que sufrieron las mujeres artistas en otros tiempos.

En el Renacimiento, el aprendizaje artístico exigía que los alumnos se trasladaran a vivir a la vivienda del maestro lo que, en el caso de las muchachas, resultaba poco apropiado para la mentalidad de la época.

Por otra parte, las mujeres que, a pesar de todo se aventuraban en el mundo de la pintura, tenían prohibido estudiar anatomía y pintar desnudos, por lo que su aprendizaje nunca estaba en igualdad respecto al de sus colegas masculinos.

SIGLO XVII. ARTE BARROCO:ARTEMISIA GENTILESCHI

Artemisia Gentileschi fue la hija mayor del pintor OrazioGentileschi, uno de los grandes representantes de la escuela romana de Caravaggio. Artemisia fue introducida a la pintura en el taller de su padre, mostrando más talento que sus hermanos. Firmó a los diecisiete años su primera obra:Susana y los viejos1610.

A los diecinueve años, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino, y por tanto le estaba prohibido, su padre le dio un preceptor privado, que la violó. Al principio, él prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció ante el tribunal papal.

La pintura  Judith decapitando a Holofernes (1612 - 1613), que se exhibe en la GalleriadegliUffizi de Florencia impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica, como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido.

 

SIGLO XIX. IMPRESIONISMO: CAMILLE CLAUDEL

LA ESCULTORA OLVIDADA

Escultura francesa impresionista. Se la recuerda más por ser musa y amante del escultor Auguste Rodin que por su obra. Camille Claudel nació en el seno de una familia burguesa. Tuvo que luchar duramente para que su familia aceptara que ella quería dedicarse a la escultura. Sólo contó con el apoyo de su padre y de su hermano Paul, y encontró en su madre las más férrea oposición, por saltarse las reglas marcadas por la sociedad burguesa de ese momento.

En  París se matricula en la Academia. Allí es cuando conoce a Rodin en el taller donde ella trabajaba, él era un hombre de 43 años ella era una joven de 19. Rodin ya mantenía una relación con la costurera Rose Beuret, con la que tuvo su único hijo, esta relación la mantuvo durante toda su vida.

Rodin quedó fascinado por su belleza y por su obra. Le propuso a Camille trabajar en su taller, todos sus alumnos eran masculinos la excepción era ella.

Establecieron su taller privado. En ese espacio trabajaron de igual a igual, pero fuera del mismo Camille era la amante del escultor. No vendía esculturas y tampoco recibía encargos. Se queda embarazada pero pierde al niño.  Aparecen los celos  amorosos y artísticos lo que provoca la ruptura definitiva en 1898. Este mismo año termina el grupo escultórico La Edad Madura en bronce es una alegoría formada por tres figuras. En 1905 realiza su última gran escultura El Abandono en bronce.

A partir de ahí, sufrirá sucesivas crisis nerviosas que se agudizarán cada vez más y comenzará a destruir sus obras.Tras la muerte de su padre la internan en un manicomio del cual, a pesar de su recuperación y sus lúcidos y desgarrados ruegos a su hermano Paul, nunca saldrá. Encerrada pasará los últimos treinta años de su vida. La familia prohibió que recibiera visitas y nunca fueron a verla. Falleció en 1943 y fue enterrada en una tumba sin nombre.

SIGLO XX.

SURREALISMO: FRYDA KHALO.  Coyoacán, México 1907 - 1954

Pintora mexicana. Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir.

Aunque se intentó convencerla de que eran «surrealistas», Frida decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, a partir de la década de 1970.

SURREALISMO: MERET OPPENHEIM. Berna, Suiza 1913-1985

Nació en Berlín, pero a los veinte años ya marchó a París donde contactó desde el primer momento con el grupo surrealista. Era nieta de pintora y sobrina de Hermann Hesse, lo que la condicionaba ya a una formación culta y artística, que además se vio favorecida por el ambiente liberal que prevalecía en su familia. Por ello no encontró obstáculos en iniciar sus estudios artísticos y en acudir a París a perfeccionarlos.

Una vez instalada en París, rápidamente entabló amistad con Giacometti, Hans Arp, ManRay, Max Ernst y el resto de artistas Posó desnuda para ManRay. Las relaciones monógamas no estaban hechas para ella, anteponiendo su libertad y su condición de mujer a cualquier otra consideración, es por ello que tampoco tuvo ningún reparo en reconocer abiertamente su bisexualidad.

A partir de entonces Meret se convirtió a los ojos del grupo surrealista en una artista más y de ahí su participación en la mayoría de las exposiciones colectivas del grupo. Afianzó su estilo y perseveró en el trabajo sobre objetos, que en muchos casos insistían en su contenido sexual y su simbolismo fetichista, como en My nurse.

LOUISE BOURGEAIS.

Escultora francesa y estadounidense.Bourgeois nutre su creatividad artística con los traumas infantiles de su infancia y las emociones reprimidas. Es considerada  una de las artistas fundamentales del siglo XX.

Su padre estuvo alistado durante la Primera Guerra Mundial, por lo que ella sintió la ausencia del padre y el nerviosismo de su madre. En 1915 fue herido y tuvo que volver a casa, pero pronto su madre enfermó y la artista tuvo que cuidar de ella hasta su  muerte en 1932, en ese mismo año se licenció en artes en el LycéeFénelon. Para hacerse cargo de los niños y ayudar en la casa, su padre contrató a una institutriz, con quien engañaba a su madre, a quien Louise adoraba, ésta mujer y éste episodio ha quedado reflejado en muchas de sus obras (como en la cueva-instalación ‘Destruction of thefather’, 1974.

Afirmó: ‘Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor’. Bourgeois tomó esta última opción para superar una niñez difícil.

Durante la década de los 90 comienza una interpretación más compleja de su pasado y su construcción del presente, contempla la participación del espectador en sus instalaciones, trabaja realizando Cells donde pueden verse formas corporales esculpidas en cera, desmembradas porque ella se había sentido rota;

Entre 1994 y 1997 aparecen las ‘Spiders’. También son obras que simbolizan el recuerdo de su madre, en el sentido de aportarle protección y por su laboriosidad continua a pesar de su fragilidad.

SIGLO XXI

CRISTINE O´LOUGHLIN. Melbourne, Australia 1948.

Christine O'Loughlin, utiliza la Naturaleza y los medios a su alcance para crear un universo inusual. Su visión de la naturaleza nos ofrece una mirada que no es "natural". Los elementos de la naturaleza son, para ella, la forma de lograr una innovadora puesta en escena.

Durante treinta años, Christine O'Loughlin cuenta con instalaciones en diálogo con el entorno en el que operan. En “Árboles azules” utilizó los restos de una poda cercana para transformarlos en seres animados que “huian” de la sala de exposiciones hacia el bosque al que pertenecían. Del mismo modo en “Cepas” aprovechó las macetas de un vivero para convertirlas en raíces que salían de los árboles. En "aquí / allí"Christine O'Loughlin parte de las palabras suspendidas en el aire, y al revés a ras de la superficie del agua de modo que la obra es el propio reflejo, donde se pueden leer invertidas, aquí, allá. Estas dos palabras escogidas por la artista se refieren al momento preciso en que la conciencia vacila entre lo que es y lo que podría ser.

CRISTINA IGLESIAS. San Sebastián, España 1956

Escultora y grabadora, premio Nacional de artes plásticas y una de las artistas españolas más internacionales de las últimas décadas.La década de 1990 supuso su consagración internacional.Tiene obras en museos y colecciones de todo el mundo; entre ellos, el Centro Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou de París, el Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el Museum and Sculture Garden de Washington, D.C., el IrishMuseum of Modern Art (IMMA) de Dublín, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid y la TateGallery de Londres.

Perteneciente a una generación de artistas que desde la década de 1980 ha transformado el concepto de escultura en el ámbito de las instalaciones, sus obras reflejan un vocabulario estético basado en el uso de diferentes materiales, a veces combinados con motivos vegetales y diferentes técnicas, y delatan el interés de la artista por el espacio, la arquitectura, la literatura y la geología. El contraste de texturas y materiales, así como la relación que éstos establecen con el espacio, son dos de las constantes en su trayectoria.

En 2007 realiza por encargo del arquitecto Rafael Moneo su “Portón pasaje” para la ampliación del Museo del prado, su primera obra pública en España.La obra consiste en seis elementos de bronce de 6 metros de altura. En ellas Cristina Iglesias trata de hacer un laberinto de naturaleza sin fin en el que el tiempo cobra un papel protagonista que da movimiento a las puertas que cambian de posición cada dos horas.

En “La fuente profunda” pretendía crear la ilusión de un corte profundo en el suelo representando un abismo de formas vegetales por las que corre el agua. La idea de tiempo y movimiento se encuentra de nuevo presente.

“Corredor suspendido” es una instalación con tres piezas de hierro galvanizado en donde recrea de nuevo la idea del pasaje y el laberinto.

ANNIE LEIBOVITZ. Connecticut, EEUU 1949

Leibovitz forma parte de los fotógrafos que han hecho de su trabajo un referente global. El retrato, el paisaje, la escena íntima, el 'glamour' desmedido de las estrellas de cine, el lujo... Todo esto conforma el ADN de su obra. Ha retratado a la Reina de Inglaterra y a Keith Haring, a Demi Moore embarazada, a Brad Pitt. Algunas de estas imágenes han sido portadas de 'VanityFair', de 'Vogue', de las mejores revistas.

Sin ninguna duda, una de las mejores portadas del siglo XX viene firmada por ella. Es más que una fotógrafa de moda.Es, una exploradora de rostros y de escenas,capaz de traspasar la anécdota para enseñar lo que hay por debajo de la piel del mundo. "Es una auténtica revolucionaria de la fotografía". Además de la capacidad de observación, sus instantáneas buscan una profundidad psicológica.De eso depende la perdurabilidad de una imagen, sólo así puede incluso modificar sus ideas sobre un paisaje concreto o sobre alguien.